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Drehbuchformat: Alles, was Sie wissen müssen

Das Drehbuchformat bezieht sich auf die Inhaltselemente und den On-Page-Stil eines Skripts, das ein Standardformat der Film-, Fernseh- und Werbebranche verwendet.

Standard-Drehbuchformat:

  • 12- point Courier Font
  • 1,5 Zoll linker Rand
  • 1 Zoll rechter Rand (zwischen 0,5 Zoll und 1,25 Zoll), zackig
  • 1 Zoll oberer und unterer Rand
  • Etwa 55 Zeilen pro Seite, unabhängig vom Papierformat. Dies schließt die Seitenzahl und Leerzeichen danach aus
  • Schauspieler in Klammern (wrylies) 3,1 Zoll von der linken Seite der Seite (1,6 vom Rand)
  • Dialog Lautsprechernamen (in Großbuchstaben) 3,7 Zoll von der linken Seite der Seite (2,2 vom Rand)
  • Übergänge werden großgeschrieben (manchmal wichtige Requisiten, Sounds und Kamerabewegungen)
  • Dialog 2,5 Zoll von der linken Seite der Seite (1,5 Zoll vom Rand)
  • Seitenzahlen:
    • In der oberen rechten Ecke
    • Bündig am rechten Rand
    • Halber Zoll vom oberen Rand der Seite
    • Zahlen sollten einen Punkt nach
    • Die erste Seite ist nicht nummeriert
    • Die Titelseite ist nicht nummeriert und zählt nicht als erste Seite
    • Die erste Seite, die eine Nummer hat, ist die zweite Seite des Drehbuchs (das dritte Blatt Papier einschließlich der Titelseite), die nummeriert ist 2

Wenn Sie nach individuellen Drehbuchbeispielen suchen, finden Sie hier über 70 Drehbuchbeispiele aus verschiedenen Filmen.

Elemente des Drehbuchformats

Jedes Skript, unabhängig vom Schreib- oder Story-Genre, enthält die gleichen organisatorischen Teile. Diese Elemente helfen jedem, der das Drehbuch liest, zu verstehen, wer wann, wo und wie was spricht oder tut. Hier sind die Elemente, die Sie verwenden sollten, um den Inhalt Ihrer visuellen Geschichte zu organisieren:

Einblenden

Dies ist der Ausgangspunkt jedes Skripts. Dann hebt sich der figurative “Vorhang” und die Geschichte beginnt. Diese Übergangsphrase sollte nur einmal ganz am Anfang Ihres Skripts verwendet werden, direkt vor der ersten Szenenüberschrift oder dem ersten Szenenbeschreibungsabsatz. Die Phrase sollte in Großbuchstaben stehen und mit einem Doppelpunkt enden, um die Fortsetzung anzuzeigen, wenn sich die Geschichte zu entfalten beginnt — EINBLENDEN:

Wenn Ihre Geschichte mit einem Voice-Over oder einem Soundeffekt beginnt, bevor das Publikum visuelle Elemente sieht, können Sie das Skript mit ÜBER SCHWARZ beginnen und dann das Voice-Over des Charakters als CHARAKTERNAMEN (V.O.) und die Zeile schreiben oder einfach den Soundeffekt in die Aktionszeile schreiben. Sobald Ihre Geschichte ein Bild einführt, können Sie “FADE IN:” verwenden, um offiziell zu beginnen.

Szenenüberschrift

Die Szenenüberschrift wird auch als “Slug Line” bezeichnet und beschreibt kurz, wo jede Szene stattfindet. Es sollte in Großbuchstaben geschrieben werden und Punkte und Bindestriche verwenden, um jedes Teil ordnungsgemäß zu segmentieren:

  • Allgemeiner Ort: Entscheiden Sie, ob die Szene innerhalb oder außerhalb des bestimmten Ortes stattfindet. Verwenden Sie INT. (für innen) oder EXT. (für außen). Dieses Element hilft, die Umgebung der Szene festzulegen.
  • Spezifischer Ort: Dies ist genau dort, wo die Szene stattfindet und wo sich die Kamera in Bezug auf die Charaktere befindet, was den Lesern helfen kann, besser zu visualisieren, wo sie sich als Publikum befinden, wenn sie die Szene betrachten.
  • Tageszeit: Geben Sie die Tageszeit an, damit die Leser die Zeitleiste der Geschichte verfolgen und die Szene besser einstellen können. Die am häufigsten verwendeten Tageszeiten umfassen TAG, NACHT, ABEND und gelegentlich SPÄTER, was darauf hinweisen kann, dass nicht viel Zeit vergangen ist.

Hier einige Beispiele:

  • EXTERN. SAUCED HOG BIKER BAR – NACHT
  • INT. TRISTER BÜROTAG
  • EXT. GRAND CANYON – ABEND
  • INT. MAGGIES GARAGE – SPÄTER

Unterüberschriften

Unterüberschriften sind wie kleine Schneckenlinien, die lässiger sind und erklären, wann die Szene an einem anderen Ort oder zu einer anderen Zeit auftritt (z. B. Später oder Bibliothek).

Aktionslinien

Auch als Szenenbeschreibungen bezeichnet, werden Aktionslinien verwendet, um den Lesern zu zeigen, was in einer Szene vor sich geht. Dies beinhaltet:

  • Charakter beschreibung: Wenn wir einen Charakter zum ersten Mal treffen, Sie sollten kurz ihre Qualitäten beschreiben, damit die Leser visualisieren können, wie sie aussehen, wie sie gehen, und andere körperliche — oder sogar Persönlichkeitsmerkmale. Schreiben Sie beim ersten Nachschlagen den Namen eines Charakters in Großbuchstaben.
  • Szenenbeschreibung: Obwohl es sich um einen austauschbaren Begriff handelt, bezieht sich die Szenenbeschreibung auch auf das Einstellen der Szene. Beschreiben Sie kurz das Aussehen, das Gefühl, das Wetter und die Eigenschaften einer Umgebung, damit die Leser klar sehen können, wo die Geschichte stattfindet.
  • Zeichen- oder Objektaktion: Zeigen Sie dem Leser, was Zeichen mit starken, präzisen und aktiven Verben tun. Objekte können auch Aktionen ausführen, z. B. “Das Telefon summt auf dem Tisch.” Wenn Sie ein wichtiges Objekt einführen oder eine wichtige Aktion hervorheben möchten, können Sie das Objekt oder die Aktion in Großbuchstaben schreiben, z. B. “Der RING fällt von seiner Hand.” oder “Sie STECKT den Diamanten ein.”

Sprechender Charakter

Jedes Mal, wenn eine Person spricht, ob auf dem Bildschirm oder im Voice-Over, sollten Sie ihren Namen in Großbuchstaben und in der Mitte der Seite zentriert schreiben. In der Regel können Sie nur ihren Vornamen oder einen Spitznamen verwenden, der ihre Persönlichkeit einfängt. Stellen Sie in jedem Fall sicher, dass Sie ihren Namen und / oder Spitznamen früher im Skript in die Szenenbeschreibung aufnehmen und konsistent sind, wenn Sie ihren Dialog und ihre Aktionen in den Aktionszeilen kennzeichnen.

Dialog

Dieses Element wird unter dem Namen des Zeichens all-caps-and-centered , centered und justified . Verwenden Sie Standard-Großschreibung und Interpunktion und machen Sie es doppelt beabstandet. Wenn Sie möchten, dass ein Zeichen ein Wort oder eine Phrase hervorhebt, können Sie es unterstreichen. Aber verwenden Sie das sparsam, damit Schauspieler und Regisseure die Freiheit haben, mit Szenen herumzuspielen.

Hier ist ein vollständiges Beispiel:

LILY

Warum hast du das getan? Ich hatte das unter Kontrolle! Du

vertraust mir nie.

Parenthetic

Dies sind Mini-Anweisungen eines Schreibers, die klarstellen, wie eine Zeile gelesen werden soll. Zum Beispiel:

TERRANCE

(defensive)

Ich vertraue dir. Ich habe dich letzte Woche gebeten, meinen Hund zum Tierarzt zu bringen

.

Klammern werden auch für Erweiterungen verwendet, um anzuzeigen, wenn ein Charakter außerhalb des Bildschirms (O.S.) oder im Voice-Over (V.O.) spricht, z. B.:

MATT (O.S.)

Hören Sie bitte auf zu schreien? Ich versuche zu schlafen.

CARLY (V.O.)

Matt versuchte immer zu schlafen.

Andere Verwendungen von Klammern umfassen:

  • Wenn Charaktere in Geräte wie Telefone oder Radios sprechen (INTO DEVICE)
  • Wenn der Dialog aus der nächsten Szene beginnt, bevor die aktuelle Szene beendet ist (Pre-Lap)
  • Wenn Charaktere Aktionen ausführen, während Sie sprechen (z. B. Strecken, Zeichnen, auf die Knie fallen)

Shots

Die Angabe einer bestimmten Art von Schuss (wie Low-Angle) ist nicht sehr häufig, Drehbuchautoren geben nur Aufnahmen an, wenn es für die Szene kritisch ist.

Montage

Montagen verwenden ein bestimmtes Format:

  1. Du schreibst zuerst “Begin Montage”, als wäre es ein Subheader
  2. Listen Sie Ihre Szenen wie gewohnt auf
  3. Stoppen Sie die Montage mit “End Montage”, als wäre es ein Subheader

Texte

Texte in Skripten sind eine Herausforderung, da sie nehmen Sie sich nicht viel Zeit zum Singen und jede Seite des Filmskripts sollte ungefähr einer Minute Bildschirmzeit entsprechen. In der Regel räumen Autoren die Texte entweder mit Schüssen und Aktionen aus oder das allgemeine Gefühl des Songs wird beschrieben, anstatt alle Wörter auszuschreiben.

Chyrons

Text, der über dem Bildschirm angezeigt wird, um dem Publikum Zeit und Ort anzuzeigen (normalerweise in Spionage- oder Militärfilmen). Beginnen Sie zuerst eine Aktionszeile mit dem Wort “CHYRON” (oder “TITEL”), gefolgt vom Text des Chyrons.

Ausblenden

Dieser letzte Übergang zeigt das Ende Ihrer Geschichte an. Es wird nach der letzten Aktionszeile oder dem Dialog auf der linken Seite geschrieben, etwa 6 Zoll vom linken Rand der Seite entfernt.

Spec Script vs. Shooting Script

Die beiden Arten von Skripten sind das spec Script und das Shooting Script. Ein Spezifikationsskript oder “spekulatives Skript” ist ein Drehbuch, nur der nackte Umriss der visuellen Geschichte. Ein Drehskript ist eine Weiterentwicklung einer Spezifikation, die andere Details enthält, die für die Produktion und Postproduktion benötigt werden. Diese enthalten oft die folgenden zusätzlichen Elemente:

  • Kamerawinkel, wie “CLOSE UP ON:” und “PAN DOWN TO:”
  • Szenennummern zum Koordinieren geschriebener Szenen und ihrer gefilmten Gegenstücke
  • Abspann-Sequenzen, z. B. über eine Einführungsmontage
  • Informationen zum Aufnahmeort
  • Einfügungen, bei denen es sich um Notizen handelt, die die Kamera auf ein bestimmtes Bild schneidet, z. B. “EINFÜGEN: FOTO”
  • Übergänge sind normalerweise für die Bearbeitung nach der Produktion reserviert. Beispiele sind:
    • “CUT TO”: Jeder Übergang, der nicht markiert ist, wird als Schnitt angenommen
    • “FADE TO”: Ein Übergang, bei dem die Szene in eine andere Szene übergeht
    • “FADE TO”: ein sehr abrupter Schnitt, wie einer, der mitten im Satz kommen könnte
    • “DISSOLVE TO”: Eine Szene, die sich in eine andere Szene “auflöst”, was normalerweise anzeigt, dass die Zeit vergangen ist
    • “MATCH CUT TO”: Wenn die letzte Einstellung in der vorherigen Szene (z. B. Hand, die nach einem Buch greift) mit der ersten Einstellung in einer neuen Szene übereinstimmt (z. B. Hand, die nach einem Apfel greift)
    • “INTERCUT: wenn zwei szenen sind prallte zurück und her, in der regel für telefon anrufe

Diese Elemente müssen nicht in einem Spezifikationsskript enthalten sein, da ein Produzent, Regisseur oder andere Produktionsprofis die Entscheidungen treffen, die zu diesen zusätzlichen Details im Drehskript werden.

Tipps zur korrekten Formatierung Ihres Drehbuchs

Hier sind einige zusätzliche Tipps, die Ihnen helfen, das Format Ihres Drehbuchs zu optimieren:

  • Verwenden Sie eine Drehbuchschreibsoftware: Machen Sie Formatierungselemente wie Abstände, Einrückungen und Ränder einfach mit Software wie Final Draft, Celtx oder WriterDuet. Mit diesen Programmen können Sie nicht nur einfach richtig formatierte Elemente wie Zeichendialoge durchlaufen, sondern auch automatisch den linken Rand von 1,5 Zoll und den oberen, unteren und rechten Rand von 1 Zoll festlegen. Sie verwenden standardmäßig auch die 12-Punkt-Courier-Schriftart, den Industriestandard.
  • Begrenzen Sie Klammern: Diese sollten sparsam verwendet werden, damit Schauspieler und Regisseure die Emotionen vermitteln können, von denen sie glauben, dass sie die Charaktere erleben. Versuchen Sie, sie nur zu verwenden, wenn die Zeile so gelesen werden kann, dass sie der Szene widerspricht.
  • Vermeiden Sie unnötige Übergänge: Obwohl einige erfahrene Profis Übergänge wie “CUT TO” zwischen Szenen verwenden können, kann diese kleine Auswahl die Lesbarkeit eines Skripts beeinträchtigen. Halten Sie sich an eine neue Szenenüberschrift, die hilft, die Geschichte gut zu bewegen.
  • Große Textblöcke aufteilen: Eine Seite des Drehbuchs entspricht ungefähr einer Minute Bildschirmzeit, so dass die Optimierung der Elemente sicherstellen kann, dass Ihre Seitenzahl genauer widerspiegelt, wie lange das gefilmte Projekt wahrscheinlich sein wird. Brechen Sie große Textblöcke auf, z. B. Aktionszeilen, die mehr als drei oder vier Zeilen auf einer Seite umfassen. Für Monologe können Sie sie mit Aktionslinien aufteilen, die die Rede des Charakters unterstreichen.

Eine weitere großartige Möglichkeit, Ihre Fähigkeiten als Drehbuchautor zu entwickeln und die Formatierung nach Industriestandard zur zweiten Natur zu machen, besteht darin, an einem Schreibkurs oder -programm in professioneller Qualität teilzunehmen. Das Nashville Film Institute kann Sie mit allen notwendigen technischen und kreativen Fähigkeiten vorbereiten, die Sie benötigen, um in der Filmindustrie erfolgreich zu sein.

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