Ein Interview mit Gregory Crewdson

Gregory Crewdson ist einer der bekanntesten und einflussreichsten Fine Art Fotografen der Gegenwart. Derzeit ist er Direktor der Abteilung für Fotografie an der Yale University, wo er früh seinen MFA erhielt.

Seine Arbeit gilt international als einzigartig für die sorgfältige Lichttechnik, die er mit Hilfe sehr großer Fototeams schafft. Seine jüngste Serie trägt den Titel Cathedral of the Pines, die kürzlich in der Gagosian Gallery in New York City ausgestellt wurde.

Hinweis: Die Fotos in diesem Interview enthalten einige Nacktheit.

Ken Weingart: Wann hast du daran gedacht, Fotograf zu werden?

Gregory Crewdson: Ich glaube, meine früheste Erinnerung an Fotografien kam, als mein Vater mich mit zehn Jahren ins Museum of Modern Art brachte, um die Retrospektive von Diane Arbus zu sehen. Ich erinnere mich genau, dass dies das erste Gefühl war, das ich hatte, dass Fotografien psychologische Dringlichkeit und Kraft haben könnten. Das war mein erstes Verständnis für das Geheimnis und die Komplexität von Bildern.

Aber erst später im Leben wurde ich praktizierender Fotograf. Ich habe meinen ersten Fotokurs bei SUNY Purchase gemacht, als ich Student war. Es kam aus den Frustrationen mit allgemeinen Akademikern, weil ich Legastheniker bin, und es fiel mir immer schwer zu lesen, schreiben, und Tests machen.

Ursprünglich wollte ich Psychologie studieren und dem Weg meines Vaters folgen, aber ich war in ein Mädchen verknallt, das Fotografie studierte. Am Ende nahm ich an einem Fotokurs teil, der von Laurie Simmons unterrichtet wurde. Dort habe ich meine ersten Bilder gemacht und mich in die Fotografie verliebt. Ich denke, es war die Stille und die statische Natur der Fotografien, die mich ansprach, weil ich, wie ich bereits sagte, Probleme mit meinen linearen Gedanken habe. Also machte es für mich vollkommen Sinn.

Haben Sie vor Yale Ihr eigenes Portfolio erstellt?

Ja. Ich hatte diesen seltsamen Drei-Wege-Major bei SUNY Purchase, der Fotografie, Filmwissenschaft und amerikanische Literatur war. Es war wie eine liberale Kunsterziehung. Ich ging ungefähr ein Jahr nach meinem Abschluss an der SUNY Purchase Photography Department nach Yale.

War Yale das gleiche wie jetzt, und wie hat Ihnen die Erfahrung dort geholfen, dorthin zu gelangen, wo Sie heute sind?

Damals war es ganz anders. Ich bin jetzt der Regisseur, aber die Struktur des Programms bleibt gleich. Als ich dort war, war es viel mehr auf ein traditionelles Verständnis des Mediums ausgerichtet. Es hat immer noch diese Werte, aber ich denke, wir haben uns ziemlich dramatisch geöffnet. Ich weiß nicht, ob die Graduiertenschule Ihnen unbedingt hilft. Es ist von Natur aus, dass Sie an Ihre Grenzen gebracht werden. Es ist ein sehr anspruchsvolles Programm. Wenn überhaupt, hat es mir geholfen, meine besondere Position zu verteidigen. Ich denke, das ist es, was die Graduiertenschule tun soll, wenn Sie als Fotograf erwachsen werden. Jeder Künstler wird erwachsen, und wenn Sie in den frühen 20ern erwachsen werden, sind Sie für den Rest Ihres Lebens mit den Problemen und Einwilligungen beschäftigt. Sie ändern nicht wirklich viel von diesem Moment an. Sie können sich in kleinen Graden neu erfinden.

Du hast gesagt, dass jeder Künstler eine Geschichte zu erzählen hat. Aber gibt es nicht Musiker, Maler, Fotografen etc., die sich neu erfinden und etwas ganz anderes machen – oder kauft man das nicht?

Wenn ich sage, dass Künstler eine Geschichte zu erzählen haben, meine ich nicht, dass sie notwendigerweise immer gleich aussehen wird. Was ich meine ist, dass die Geschichte durch ihre Arbeit erzählt wird, und dort kann man die Obsessionen sehen. Sie können die Ängste, die Wünsche, die Eckpfeiler Ihrer Geschichte sehen, aber sie könnte sich in Bezug auf ihr Aussehen dramatisch verändern. Wenn Sie eine Künstlerentwicklung im Laufe der Zeit in vielen Bereichen verfolgen, würde ich argumentieren, dass die Kerngeschichte dieselbe bleibt.

Ihre Story-Themen – können Sie sie in ein oder zwei Worten zusammenfassen? Ist es Einsamkeit oder Isolation?

Wenn ich genau wüsste, was diese Geschichte war, müsste ich die Bilder nicht machen. Ich habe das Gefühl, dass ein Teil der Geschichte, oder ein Teil des zentralen Tenors dieser Geschichte, eine Suche nach Verbindung oder eine Suche nach Zuhause ist, eine Suche nach einer Art Verbindung außerhalb von dir selbst — ein vernünftiger Sinn für Ordnung. Fotografie ist ein einsames Unterfangen, und ich denke, dass alle Fotografen auf die eine oder andere Weise von einem entfremdeten Standpunkt zum Medium hingezogen werden. Allein der Akt, durch eine Linse, einen Sucher, zu schauen, ist ein Akt der Trennung. Es ist ein Versuch, die Verbindung außerhalb von dir selbst zu finden.

Cathedral of the Pines basierte auf Orten, die dein Vater dir gezeigt hat. Wie kam es zu der Idee? Hast du über eine Agentur oder online gecastet?

Es gab eine lange Zeit zwischen Heiligtümern, meinem letzten Werk und der Kathedrale der Kiefern — vor allem, weil ich eine sehr schwierige Zeit in meinem Leben durchgemacht habe. Ich habe eine schwierige Scheidung durchgemacht. Ich habe zwei Kinder; Ich zog aus New York, und in eine Kirche in Massachusetts. Ich ging durch eine Zeit der Versetzung und Not. Ich fing an, lange Spaziergänge auf dem Appalachian Trail zu machen und lange zu schwimmen.

Sie wissen vielleicht, dass ich im Winter Freiwasserschwimmer und Langläufer bin. Dies war alles ein Weg, um zu versuchen, mich wieder mit der Natur zu verbinden. Und ich habe alle Bilder in Becket gemacht, wo meine Familie ein Haus hatte. Und eines Winters war ich Langlaufen in einem Kiefernwald. Und es gibt ein kleines Schild, das sagte, Cathedral of the Pines. Das war der Moment, in dem die Idee zu mir kam.

Und das war ein unterhaltsames, kreatives Unterfangen?

Nun, ich würde es niemals als angenehm bezeichnen, das ist nicht das Wort, das ich jemals verwenden würde. Die Shootings waren herausfordernd. Wir arbeiten wie ein Filmteam, und die Bedingungen waren schwierig. Wir arbeiteten mit einem kleinen Budget und unter widrigen Bedingungen, und all diese Kämpfe machten es umso besser. Du fühlst dich lebendig. Aber das macht nicht unbedingt Spaß. Wenn du dich lebendig fühlst, fühlst du dich herausgefordert, du fühlst dich kreativ. Aber es ist viel einfacher, nicht zu arbeiten als zu arbeiten. Wenn du keine Bilder machst, wirst du nicht herausgefordert. Es kommt also wirklich darauf an.

Sie haben gesagt, wenn Sie nicht arbeiten, fühlen Sie sich wie ein Betrüger.

Nun ja. Sie sind als Künstler und Lehrer bekannt, und das ist, was Sie tun. Wenn du also nicht tust, was du predigst, ist das betrügerisch. Was die Themen betrifft, sind alle Leute aus der Gegend. Ich arbeite sehr eng mit Juliane zusammen, mit der du dich, glaube ich, getroffen hast. Sie ist auf vielen Bildern zu sehen. Sie ist meine Studiomanagerin und Kreativdirektorin. Sie ist auch meine Partnerin und Muse.

Wie bist du dazu gekommen, mit solch filmischer Beleuchtung und großen Crews zu drehen? Es ist ungewöhnlich für einen Kunstfotografen, ein komplettes Filmteam zu haben.

Ich arbeite sehr eng mit einem DP, einem Kameramann zusammen. Wir arbeiten seit vielen Jahren zusammen. Wenn es eine Eigenschaft gibt, die meine Arbeit von anderen Künstlern unterscheidet, dann ist es das Licht. Und für mich ist es das Wichtigste am gesamten Unternehmen — das Licht. So erzählst du die Geschichte in der Fotografie, durch Licht. Wir begannen auf diese Weise dramatischer mit der Twilight-Serie zu arbeiten.

Sie verwenden alle Dauerlicht? War es schwierig, das Budget zusammenzubekommen?

Es ist alles Dauerlicht, und es ist sehr aufwendig inszeniert. Eines unserer Markenzeichen sind große Lichter in Aufzügen, wie Tageslicht. Ja, es war schwer, aber weißt du was? Die Sache, die die Leute einfach nicht ganz verstehen, ist, dass der Prozess sehr organisch begann. Es begann langsam, und die kleine Gruppe wurde zu einer größeren Gruppe. Dann haben wir langsam aber sicher über die Jahre ein Team zusammengestellt, und plötzlich arbeiten Sie mit einer Crew. Für mich ist dies die Art, wie ich weiß, wie man Bilder macht.

Vermisst du kleinere, intime Shootings aus alten Zeiten?

Cathedral of the the Pines in relativen Standards, ist viel kleiner als alles, was wir je gemacht haben — wie mit Beneath the Roses. Wir hatten eine sehr kleine Gruppe, weil ich wollte, dass sich die Bilder intim anfühlen.

Da Sie mit großen Crews so vertraut sind, haben Sie nie daran gedacht, Spielfilme zu drehen?

Nun, eigentlich war es immer eine andauernde Frage. Wir diskutieren gerade über die Möglichkeit, einen Film zu machen – einen Hollywood-Film. Es könnte passieren. Es könnte nicht passieren. Es müsste also absolut der richtige Umstand dafür sein.

Aber du hast einmal gesagt, du könntest nicht Regie führen, es ist nicht das, was du tust.

Ich denke wie ein Fotograf. Ich denke in Bezug auf Standbilder. Wenn ich also einen Film machen würde, würde er nicht wie jeder andere aussehen. Es hätte ein dringenderes Gefühl als andere Filme, weil es aus der Sicht eines Standfotografen wäre.

Sie betrachten also Skripte?

Wir bekommen ständig Skripte. Juliane und ich haben an einem Drehbuch gearbeitet. Sie ist die Autorin, und ich mache mir Notizen.

Haben Sie viel redaktionelle oder Werbefotografie betrieben?

Nein. Es interessiert mich nicht wirklich. Ich habe ein paar Dinge getan, seltene Ausnahmen. Aber ich fühle mich in erster Linie als Künstler, und wenn Sie Ihre Sensibilität nutzen, um etwas zu verkaufen, dann gehört es Ihnen nicht mehr wirklich.

Es ist eine Aufgabe. Manche Leute kennen den Unterschied nicht.

Ja.

Du drehst hauptsächlich in Massachusetts. Hast du jemals daran gedacht, etwas Urbanes zu machen, irgendwo ganz anders wie in New York City oder China?

Nein, ich denke, bestimmte Künstler haben bestimmte Bereiche oder einen Ort, auf den sie reagieren, an dem sie gerne arbeiten, und das ist bei mir der Fall.

Wer sind einige Ihrer Lieblingsfotografen, Vergangenheit oder Gegenwart? Ich denke, Diane Arbus ist da drin?

Arbus, sicher, Eggleston, Walker Evans. Mein Sohn heißt Walker nach Walker Evans. Cindy Sherman natürlich. Das sind einige meiner Favoriten.

Sie haben viele Jahre lang 8 x 10 gedreht und jetzt schießen Sie digital. Was ist dein System jetzt, und vermisst du 8 x 10, oder fühlst du dich befreit?

Ja. Früher hatte ich diesen Ausdruck, weil ich so lange in meinem Leben mit 8×10 gearbeitet habe, dass man bei der 8×10 lebt und stirbt. Es ist so eine begrenzte Kamera, aber es hat auch eine solche Klarheit und schöne Beschreibung. Dennoch ist es ein Biest – es ist umständlich und hat einen begrenzten Fokus. Ich kann ehrlich sagen, dass ich, als ich mit Beneath the Roses fertig war, mit dem 8 x 10 fertig war. Ich vermisse es in keiner Weise und kann mir nicht vorstellen, jemals wieder dorthin zurückzukehren. Aber das bedeutet nicht, dass ich es bereue, es benutzt zu haben. Ich habe es geliebt. Jetzt fotografiere ich mit einer Phase One-Kamera, aber sie ist wie eine Ansichtskamera eingerichtet.

Wie ist die Qualität Ihrer Drucke?

Es ist noch besser. Nur in Bezug auf die Leichtigkeit, und in der Lage zu sehen, was Sie schießen. Einer der großen Nachteile von 8 x 10 ist, dass Sie nicht sehen können, was Sie sehen. Eines der großen Paradoxe bei dieser enormen Produktion ist, dass Sie blind sind, was mit den Bildern vor sich geht.

Gibt es bei dem von Ihnen verwendeten Epson-Papier einen Typ, den Sie bevorzugen, Glanz oder matt, und haben Sie normalerweise weiße Ränder?

Epson sponserte meine letzte Serie und gab mir einen brandneuen Drucker mit Papier. Das Papier, das ich benutze, ist Papier, das nicht auf dem Markt war, aber ich denke, es ist jetzt. Es ist nicht mein Fachgebiet, also muss ich meinen Drucker fragen, wie das Papier heißt. Ich mag Glanz. Für Cathedral of the Pines dachten wir nur, es wäre schön, einen weißen Rand zu haben.

Signieren Sie Ihre Drucke vorne oder hinten oder gar nicht?

Das Bild wird montiert und gerahmt, und dann befindet sich die Signatur auf einem Aufkleber, der Teil des Rahmens ist.

Und Sie tun Ausgaben von fünf?

Drei.

Und Sie haben einen Framer?

Ja. Mark Elliot, der in Boston ist.

Und Gagosian ist Ihre Hauptgalerie?

Gagosian ist meine Hauptgalerie. Ich arbeite direkt mit ihnen. Ich liebe es. Es ist eine sehr große Galerie und wir hatten bisher eine wirklich gute Arbeitsbeziehung. Dann öffnet sich die Show für verschiedene Länder, und wir werden auch mit anderen Galerien zusammenarbeiten.

Haben Sie dem Künstler etwas über die Galeriewelt zu sagen?

Ich denke, das Wichtigste ist zu verstehen, dass Sie, egal was oder wo Sie hinkommen, ständig kämpfen müssen — nichts wird jemals einfach werden. Und du musst immer vorwärts gehen und dir in der Welt Platz machen.

Gibt es irgendwelche verrückten oder wilden künstlerischen Projekte, die du nicht gemacht hast, die du machen willst?

Nein, ich fühle mich sehr glücklich, dass ich genau das erreichen kann, was ich erreichen möchte. Mit Cathedral of the Pines habe ich das Gefühl, dass ich die Bilder zum ersten Mal nicht besser hätte machen können als ich. Es war sehr zufriedenstellend.

In der Vergangenheit hatten Sie das Gefühl, Sie hätten es besser machen können?

Ja, es ist natürlich, aber für diese Show, teilweise weil ich fünf Jahre lang in der Kunstwelt abwesend war, hat es eine überwältigend große Reaktion gegeben. Und ich habe das Gefühl, auf einer tiefen Ebene vollkommen zufrieden zu sein. Zumal ich mich jahrelang isoliert habe.

Unterrichten Sie gerne an der Yale in New Haven?

Ich unterrichte schon lange und für mich ist es sehr wertvoll zu unterrichten. Und es ist immer wichtig, sich mit der nächsten Generation von Künstlern verbunden zu fühlen, die kommen. Du lernst so viel wie du lehrst. Ich gehe es als Künstler an und weniger als Akademiker.

Also hat es deiner Kunst geholfen?

Ja, sicher.

Denkst du daran, dass deine Arbeit anhält oder in Erinnerung bleibt, nachdem du gegangen bist?

Nun, absolut. Ich meine, das ist dein Vermächtnis, das ist es, was du übrig hast, und besonders in diesem Zeitalter von Instagram und Bildern auf Handys und sozialen Medien; Es ist eine echte Herausforderung, daran zu denken, dass das Foto immer noch etwas Wichtiges bedeutet.

Über den Autor: Ken Weingart ist Fotograf und lebt in Los Angeles und New York. Er begann als Assistent für eine Reihe renommierter Fotografen, Seitdem ist er selbst ein preisgekrönter Fotograf mit Arbeiten, die weltweit veröffentlicht wurden. Sie können seine Arbeit auf seiner Website sehen und sein Schreiben in seinem Blog lesen. Dieses Interview wurde ebenfalls hier veröffentlicht.