Eine gezeichnete Welt: Eine Einführung in die Kunst von Julian Opie (für ein polnisches Publikum), 2014.

Text von John Slyce für den Katalog zu Julian Opies Einzelausstellung 2014 im Museum für zeitgenössische Kunst Krakau (MOCAK).

Vor kurzem wurde ich gebeten, einen Aufsatz zu schreiben, der als Einführung in Julian Opies Kunst mit einigen besonderen Überlegungen für ein polnisches Publikum dienen sollte. Ich war anfangs zurückhaltend, diese Bitte anzunehmen, da ich mit dem Niveau der Raffinesse vertraut bin, das das polnische Publikum bei der Auseinandersetzung mit abwechslungsreicher kultureller Produktion zeigt (ich verbrachte einige Zeit in den 1980er Jahren im Land). Eine solche Anstrengung fühlte sich für mich etwas herablassend an, wenn nicht sogar potenziell bevormundend.

Dass mir dies in einem weltweit verteilten Katalog angeboten wurde, der ein Leben jenseits des zeitlichen oder institutionellen Rahmens der Ausstellung anstrebt, bot einen verlockenden Widerspruch, dem ich mich aber immer noch widersetzte. Was hat meine Meinung geändert? Ich kann Ihnen versichern, dass es nicht das Geld ist (Kunstschreiben zahlt sich selten wirklich aus). Es stand ein größerer Widerspruch auf dem Spiel, der mich in Versuchung führte.

Julian Opie ist einer der bekanntesten und bekanntesten Künstler Großbritanniens. Seiner Generation – Opie wurde 1958 in London geboren – gehört er sicherlich zu den bedeutendsten und kommerziell erfolgreichsten zeitgenössischen Künstlern, die derzeit in Großbritannien arbeiten. Und doch gibt es für all diese Leistungen nur sehr wenig kritische Literatur, die die zentralen Anliegen seiner Kunst und zeitgenössischen Herstellungspraktiken angemessen anspricht. Ich habe mich daher entschieden, meine Ausführungen auf das zu konzentrieren, was ich für die sehr zeitgenössischen Merkmale von Julian Opies Praxis halte, und diese an ein globales ‘polnisches’ Publikum von Neugierigen, wenn auch weitgehend Uneingeweihten, zu richten. Angesichts der inhärenten Einschränkungen eines Katalogaufsatzes – dies ist schließlich ein Auftragswerk mit eigenen räumlichen und zeitlichen Einschränkungen – ist vielleicht das Beste, was ich anbieten kann, ein bescheidener Start in das, was die Branche als ‘kritische Neubewertung’ bezeichnet. Was für ein wirklich existierendes polnisches Publikum von Julian Opies Kunst nützlich sein könnte: Solche Betrachter könnten die lineare Qualität, die lebendigen Farben, die Sparsamkeit und die Prägnanz in Betracht ziehen, die in den Jahrzehnten zwischen den 1950er und 80er Jahren eine polnische Plakatschule ausmachten. Die Art und Weise, wie solche Arbeiten die Unterscheidung zwischen Künstler und Designer untergraben, findet in Julian Opies Praxis eine wichtige Resonanz und ist ein entscheidender erster Schritt zur Wertschätzung seiner Kunst und ihrer zeitgenössischen Relevanz.

Opie studierte von 1979 bis 1982 Kunst am Goldsmith’s College in London unter der Leitung von Michael Craig-Martin, ein unschätzbarer Einfluss und Ansporn für Kunststudenten am College in den 1980er und 1990er Jahren, insbesondere für diejenigen, die Anfang bis Mitte der 1990er Jahre eine Kerngruppe junger britischer Künstler bilden würden. Craig-Martin hatte, wie so viele seiner Zeitgenossen, folgte einer Flugbahn weg von der Malerei und der Herstellung von verschiedenen Objekten in einem Studio, zu erforschen, was Post-Studio-Praktiken sein könnten und welche Art von Kunst ihre Post-Objekt-Produktion beinhalten könnte. Minimalismus, Post-Minimalismus und Konzeptualismus – diese Bewegungen oder Tendenzen erweiterten das Feld der Praktiken und Vorschläge, was Kunst sein könnte oder, vielleicht besser, wann und wo sie sich befinden könnte. Goldsmith’s spiegelte diese veränderten Bedingungen im Modell der Herstellung und den Bildungserfahrungen wider, die als Kunsthochschule angeboten wurden. Die Schüler konnten in einem Studio arbeiten und machen, wenn sie wollten, Dies war jedoch nicht obligatorisch. Anstatt innerhalb der festgelegten Parameter und Identitäten eines Malerei-, Skulptur- oder Druckgrafikprogramms zu arbeiten, Studenten dort waren, und sind es immer noch, frei, über ein Studienfach zu grasen, das als ‘bildende Kunst’ bezeichnet wird. Welche Idee oder welches Konzept auch immer ein bestimmtes Werk antreiben mag, seine endgültige Form sollte nicht von traditionellen Objektbedingungen und stabilen Kategorien bestimmt werden. Werke kommen als Vorschläge für das vor, was ein Gemälde oder eine Skulptur sein könnte, anstatt auf empfangene Identitäten zurückzugreifen. In einem solchen Rahmen ist Kunst weniger ein Substantiv und funktioniert eher wie ein Verb.

Julian Opie wurde Mitte der 1980er Jahre bekannt und war zunächst eng mit der New British Sculpture Group verbunden, zu der Richard Deacon, Antony Gormley, Bill Woodrow, Anish Kapoor und Richard Wentworth gehörten. Diese Assoziation hatte vielleicht weniger mit der Arbeit zu tun, die Opie produzierte, als vielmehr mit dem gemeinsamen Stall von Künstlern, zu denen er in Londons einflussreicher Lisson Gallery gehörte. Während es keinen spezifischen charakteristischen Stil gab, um diese Künstler miteinander zu verbinden, arbeitete die Gruppe tatsächlich mit gewöhnlichen und konventionellen Materialien, die im Alltag verankert waren. Zu dieser Zeit fertigte Opie lose bemalte Metallskulpturen an, die Humor und Witz mit einer realistischen Art der Darstellung von Objekten und Bildern aus der beobachteten Welt kombinierten. Gegen Ende der 1980er Jahre wuchs Opies Werk in Größe und Maßstab und wurde reduzierter, strenger und minimaler, als es die Beziehungen zwischen Kunst und Architektur oder unsere Erfahrung der entworfenen und gebauten Welt durch Formen der industriellen Produktion und ihre vielfältigen Darstellungsweisen untersuchte. Diese Arbeiten hatten eine visuelle und materielle Ähnlichkeit mit den frühen Arbeiten von Jeff Koons und sogar Haim Steinbach, da sie gleichermaßen auf das Erbe des Minimalismus und zeitgenössische Formen der kommerziellen Darstellung zurückgriffen, um eine Kritik der Ware und postmoderne Formen des Konsums zu produzieren. Opies Arbeit basierte durchweg auf Beobachtung und einer reduzierten und vereinfachten Art der realistischen Darstellung. Ziel eines solchen Ansatzes ist es, eine Kunst zu produzieren, die nicht – um Jean-Luc Godard zu paraphrasieren – die Reflexion der Realität ist, sondern Kunst zu machen, die die Realität einer Reflexion in den Vordergrund stellt. In vielerlei Hinsicht ist Opie grundsätzlich damit beschäftigt, zu erforschen, wie uns die Realität immer schon durch das autoritative Zeichen neu präsentiert wird, sei es ein zeitgenössisches Straßenschild oder eine LED-Anzeige in einem Flughafen oder entlang einer Autobahn, oder alternativ das, was in einem historischen Bild und Objekt im antiken Porträt oder in der antiken Büste begründet ist.

Ein idealer Ansatz für Julian Opies Arbeitsweise ist es, durch ein Konzept des Gezeichneten einzutreten. Opies Auseinandersetzung mit der gezeichneten Linie ist vielleicht mehr in das Auge als in die Hand investiert. Im Nahblick spürt das Auge den Kanten, Falten und Formen nach, die zu Objekten und Bildern in der wahrgenommenen Welt gehören. Jedes Zeichnen ist in gewissem Sinne ein Prozess der Anwendung von Sprache auf ein Bild. Opie arbeitet durch Versuch und Irrtum und bewegt sich von der Beobachtung zu dem, was er treffend als ‘Unfall des Lernens’ bezeichnet. Jeder Schritt, der bei der Herstellung eines Werkes gemacht wird, tritt hervor und fungiert als eine Art Zeichnung für sich, und jede Schicht bringt das Motiv näher an etwas heran, das man sehen kann. Einige Schritte in diesem erweiterten Prozess sind einfach zu beschreiben, wie die frühesten Momente, die aus dem Rahmen- und Aufnahmegerät eines Fotos stammen. Diese Bilder werden dann auf einen Computerbildschirm importiert. Weitere Stufen sind viel komplexer und instinktiver. Opie wendet eine Art Übersetzung der fotografierten Figur in eine Sprache an, die er anhand von Zeichen und Symbolen, Schatten und Umrissen entwickelt hat. Opie beschreibt diese Bewegungen als ähnlich: “Eine Spur, die mein Verstand natürlich macht, eine Linie entlang der wahrgenommenen Kante der Dinge, die die Form von etwas beschreibt. Es ist die direkteste und eine der ältesten Formen der Beschreibung mit Auge, Hand und Werkzeug. Eine einzelne Konzentrations- und Fokuslinie, so dass sich Ihre Hand mit Ihrem Auge bewegt, während sie ein Objekt versteht. Als nächstes kommt eine Phase des Einfärbens und der Collage, des Versuchs und Irrtums, wenn verschiedene Elemente hervorgehoben oder abgeladen werden. Ich strebe immer das Minimum an, das das Maximum sagt. Eine Kurve im Haar, um zu beschreiben, wie es sich bewegt und fällt, eine Farbe, die ein Kleid zusammenfasst.”

Die Zeichnung existiert nun als Vorschlag, als Möglichkeit gespeichert und offen für eine beliebige Anzahl von Formen, Materialausgaben und Darstellungsweisen, die er in der Welt zur Kenntnis genommen hat. Opie nutzt hier die Effizienz nonverbaler sozialer Kommunikation und die Art und Weise, wie Bilder in der Welt als maßgebliche Informationen existieren, oder die Art der Sprache und des Zeichens, die uns sagt, was zu tun ist. Diese befehlen zum Handeln und fordern Gehorsam. Die Form der Fabrikation ist ebenso Teil der Arbeit wie das Bild und erzeugt eine Spannung zwischen dem abgebildeten Material und dem abgebildeten Ding. Nehmen wir zum Beispiel Opies Porträtarbeiten in Mosaik und die Beziehung des Mosaiks zum Pixel. Sobald sie gezeichnet und betitelt sind, werden sie Teil von Opies Sprache und funktionieren wie Wörter, die in gestalteten Sätzen eine Grammatik und Syntax finden. Die Zeichnung ist seine und er wird jede Zeichnung auf verschiedene Arten verwenden: als Gemälde, das in einer dreidimensionalen skulpturalen Form hervorkommt, oder als Silhouettenbild, das direkt auf eine Wand aufgetragen wird. Dieselbe Zeichnung kann ihren Weg finden, ein Film zu werden, der auf einem sehr malerischen Flachbildschirm präsentiert wird. In jedem Fall ist die Herstellung stark. Die kraftvolle Materialität von Opies Kunst geht in der Reproduktion oft verloren. Der Prozess der Herstellung war so etwas wie eine Falle, oder, wie Opie sagt, “eine sorgfältige Einrichtung von Spiegeln, um einen blinkenden Moment des Zufalls und der Schönheit einzufangen und ihn herauszugreifen und dort zu halten, wo er gesehen und studiert und vielleicht genossen werden kann.” Ein erfolgreiches Image sollte für Opie glatt und ohne Zwischenfälle sein. Incident ist eine Ablenkung und unterbricht Handlungen der Nähe suchen, wo das Auge den Ort verlässt, dass wir in sind und tritt in ein Bild. Hier konsumieren wir sowohl die Form als auch den Inhalt der Kommunikation in Opies Kunst.

In Julian Opies Kunst vermischen sich alte und neue Kulturen mit den neuesten Technologien und Produktionsformen – entweder kommerziell oder industriell sowie Kunst und Design. Ein ägyptischer Künstler kann eine etruskische Modulation neben einer Linie finden, die von einem Hiroshige-Holzschnitt oder einem japanischen Anime inspiriert ist, der im Studio Ghibli produziert wurde. Jahrhunderts informiert Opies Erweiterung seiner charakteristischen grafischen schwarzen Linie durch eine schattigere Darstellungslinie. Künstler genießen in unserem gegenwärtigen Moment der Kultur und Wirtschaft größere Ressourcen und Materialien als in jedem früheren Zeitalter. Alles wird sichtbar gemacht und steht sowohl dem Gebrauch als auch dem Konsum zur Verfügung. Opie mag mit den raffinierten Schatten beginnen, die ein Foto oder ein paar Filmaufnahmen eines Individuums machen, das eine belebte Straße entlanggeht, aber die angebotene Welt ist, würde ich am Ende argumentieren, eine gezeichnete. Anstatt Mediationsschichten hinzuzufügen, Opie streift so viele wie möglich ab. Ein Bild wird vereinfacht, sogar dezimiert und der Vorfall der Ablenkung wird weggeschmolzen. Seine Kunst verlangt nach einem Blick, der mit Leben und Sprache verbunden ist. In vielen Kunstwerken ist Sprache eine Ergänzung zu einem Bild. In Opies Kunst ist die Sprache im Bild und hier wird sogar ein Baumstamm einer Grammatik entsprechen und der Syntax des Künstlers gehorchen, wenn er das Bild in eine Ikone verwandelt.

Opies Atelier ist relativ klein für die Menge und den Umfang der Kunst, die er produziert. Er hat elf Leute, die mit ihm im Studio arbeiten; ungefähr vier organisieren Dinge und sieben mit spezifischen Fähigkeiten im Zusammenhang mit seinem Output. Dies ist eine kleine Anzahl von Assistenten nach heutigen Maßstäben. Seine Art, ein Stück zu konzipieren, besteht darin, eine Möglichkeit zu sehen und dann einen Weg zu finden, dies zu tun. Ein Kunstwerk ist in Maßen immer ein Produkt von Vorstellungskraft, Intuition, Experimentieren und Design, und Opies Atelierpraxis folgt diesem Beispiel. Es gibt eine gute Menge von dem, was die Kunstindustrie ‘Postproduktion’ nennt, wo die Vinyls, die eine große Menge seiner Gemälde ausmachen, in Schweden hergestellt werden, oder die Mosaike, die in Rom von einem Meister gemacht wurden. Die LEDs können aus Barcelona stammen. Wenn man mit Farbe arbeitet oder sogar darüber nachdenkt, Arbeit von einer Malplattform aus zu machen, muss man eine Position in Bezug auf Kontrolle abstecken. Entweder versucht man, das nasse Zeug durch Technik oder Hilfsmittel zu zähmen und zu kontrollieren, oder man gibt ihm nach und produziert die Art von Kunst, die in solch expressiver Hingabe schwelgt. Vielleicht ist Opies Auseinandersetzung mit der starken Fabrikation, die in seinen gewählten Produktionsweisen vorhanden ist, ein solcher Ausdruck von Kontrolle. Aber das ist nur unnötige Spekulation. Interessanter wäre es zu betrachten, wie Opies Produktionsformen und Herstellungsweisen – seine Verwendung von alten und neuen Technologien im Mosaik und LCD – unterstreichen, wie Technologie den Wandel in Kunst, Leben und Gesellschaft vorantreibt.

Dass Julian Opie das, was er macht, in einem Fall als Gemälde bezeichnen kann, es aber als Skulptur betrachten kann, sollte nicht verwirren. Es kann hilfreich sein, sich auf die Arbeit vor Ihnen zu beziehen, nicht nur als das, was ein Gemälde oder eine Skulptur in unserem gegenwärtigen Moment sein könnte, sondern als Vorschlag für den Ort, an dem sich die Kunst niedergelassen hat. Die Aufgabe besteht nicht darin, die Spannungen zu lösen, die durch die Begegnung mit strippenden Mädchen und Stangentänzern neben einer warholischen Umarmung des kommerziell massenproduzierten Porträts entstehen, oder sogar die bloße Taubheit, die die Kunst von Koons bietet. All das Zeug, das einst fest war, ist in die Luft geschmolzen und damit die Grenzen zwischen Machern und Designern, Künstlern und Verarbeitern, ganz zu schweigen von einst altehrwürdigen, aber nicht mehr stabilen Identitäten für Medien. Tadeusz Kantor hat uns das alles schon vor einiger Zeit gesagt. Julian Opie ist ein britischer Künstler, der in einem Moment arbeitet, der von Bildschirm und Bild geprägt ist und in dem Künstler Wege beschreiten, Kunst zu schaffen und zu produzieren, die in der Welt präsent und verfügbar sind, in seinem Fall von den Technologien des 3D-Drucks bis hin zu römischen Mosaiken. Die Seltenheit seiner Kunst liegt nicht im Bild oder Objekt, sondern steht hinter allem, was in ihre Konzeption, Gestaltung und Herstellung eingeflossen ist. Das Wichtigste, was ich Ihnen sagen kann, ist, dass Sie nicht viel oder irgendetwas davon wissen müssen, um der Arbeit fruchtbar zu begegnen und sie zu genießen. Das heißt, solange Sie es so ungehemmt betrachten wie wenn Sie die Welt genau betrachten.