Art baroque – Caractéristiques, Définition et Style

Si vous êtes un passionné d’art, lorsque vous voyez une peinture ou une recherche sur une œuvre;

“Ce chef-d’œuvre de la période baroque.”

Vous verrez des entrées de phrase telles que . Vous penseriez probablement à quelles caractéristiques cette œuvre était considérée comme une œuvre de la période baroque. Dans cet article, nous parlons des caractéristiques de l’Art baroque afin de répondre à vos pensées.

Caractéristiques de l’Art baroque

Qu’est-ce que le Baroque?

Dans l’histoire de l’art, il existe une compréhension de l’art baroque qui a suivi la période de la Renaissance et le mouvement maniériste en Europe et observée entre 1580 et 1750.

Le mot baroque est dérivé du mot portugais “barocco” ou du mot espagnol “barucca”. Le mot baroque signifie “forme irrégulière non sphérique de la perle”.

Le mot baroque a été utilisé pour insulter les œuvres apparues après la Renaissance. Le mot baroque n’a atteint son sens actuel qu’au 19ème siècle.

PS – Le mot “maniérisme” est un terme inventé par les critiques du XVIIe siècle qui accusaient les artistes de la fin du XVIe siècle de faux-semblants et d’imitation vide.

Relation de l’Art baroque et classique

Le style dans l’art baroque; il peut être évalué comme le relâchement de lignes solides, claires et précises de l’art classique et la fusion et la fusion des formes dans une composition. La figure calme et calme du classique a été mobilisée dans le style “baroque” et le silence s’est transformé en bruit.

Les œuvres classiques sont produites sur la base de certains principes et règles. L’art baroque ne reconnaît pas ces règles et principes. La période baroque met l’accent sur des questions plus personnelles, des formes fantaisistes, surprenantes et des influences. Les artistes baroques prennent l’original, le nouveau et le moderne comme sujet.

L’art baroque ne concerne pas le complet et le parfait, mais seulement l’actif et le formé. Il ne cherche pas limité et facilement compréhensible, mais l’illimité et l’énorme. L’idéal de belles proportions a disparu, l’attention est attribuée à “l’événement”, pas à la “présence”. Nous pouvons définir la compréhension de l’art baroque comme ni le déclin ni la montée du classique. Au contraire, le baroque est un art complètement différent.

Art et Architecture baroques

Michel-Ange, l’un des plus grands artistes de la Haute Renaissance, a en fait planté les graines de la période baroque en tant que sculpteur et architecte. Cependant, la nouvelle interprétation de la nature de l’artiste n’a pas pu être développée par les artistes qui l’ont suivi.

Sans aucun doute, la structure politique de l’Europe a eu une influence sur le développement de l’architecture baroque. De riches commerçants ont émergé qui ont commencé à commercer à l’étranger.

La majeure partie de l’Europe était gouvernée par de petites principautés. Ces princes et riches marchands trouvaient presque obligatoire de construire des structures architecturales spéciales pour leurs plaisirs, qui montraient leur puissance et leur gloire. C’est pourquoi l’importance accordée à leurs demeures et l’argent qu’ils y ont dépensé était énorme.

En même temps, les structures de cette période étaient un indicateur du talent artistique de l’artiste et de l’architecte.

À cette époque, l’art n’était pas perçu comme imitant la nature, mais plutôt comme remodelant la nature. Des œuvres architecturales de style baroque réalisées à cette époque, des fontaines, de grandes et extraordinaires sculptures magnifiques, de grands jardins, d’énormes salles, des sculptures murales, des peintures de dieu et de mythologie étaient les éléments de base de l’architecture de cette période.

L’architecture baroque a été la première efficace en Italie. Plus tard, le style architectural baroque a été adopté dans les bâtiments construits en Espagne et au Portugal. Il a touché l’Allemagne et la France et dans une moindre mesure l’architecture en Angleterre. Influence baroque à Saint-Pétersbourg et même à Istanbul.

Sculpteurs célèbres de la période baroque

• Francesco Borromini
• Gian Lorenzo Bernini
• Pietro da Cortona

Chefs-d’œuvre de l’architecture baroque

• Château de Versailles – France

• Fontaine de Trevi – Italie

• Palais du Belvédère – Autriche

• Cathédrale Saint-Paul – Londres

Chefs-d’œuvre de l’Architecture baroque en Turquie

• Mosquée Nuruosmaniye – Istanbul

• Mosquée Ayazma – Istanbul

Sculpture du Baroque Période (Sculpture baroque)

Dans les figures de sculptures de la Renaissance, le corps et les parties du corps et les vêtements sont extrêmement équilibrés et non excitants. Bien qu’une expression faciale qui reflète l’émotion soit visible dans les figures de sculpture maniériste, la figure est toujours dans une position équilibrée.

Les sculptures sont vivantes et enthousiastes en accord avec la compréhension artistique de l’époque. Les gestes et les plis de la robe sont exagérés avec un effet d’ombre claire.

Généralement, le marbre, rarement le bronze et le bois étaient utilisés dans les travaux. Les proportions élégantes et détaillées du corps sont fidèles à l’original. Les expressions telles que l’excitation, la peur et la violence sont exagérées. Il est très important pour l’artiste de les montrer sur le visage et le corps.

Le plus grand représentant de la sculpture baroque est Lorenzo Bernini (1598-1680). L’artiste, qui est sculpteur et architecte, a fini par être comparé à Michel-Ange car il reflète toute la vitalité et la chaleur de la peau humaine dans ses sculptures.

Chefs-d’œuvre de la Sculpture baroque

Gian Lorenzo Bernini

• David
• L’enlèvement de Perséphone

Pierre Puget

• Milo de Croton

Peinture de la période Baroque (Peinture baroque)

Le maniérisme n’a pas agi à partir de nature, mais de l’imagination humaine. Cependant, cette imagination a adopté l’image imaginaire de la nature et a créé l’art dans ce domaine. L’évidement et la saillie observés dans l’architecture baroque se sont révélés être de la lumière et de l’ombre lorsqu’ils ont été transférés à la peinture baroque, c’est-à-dire un environnement bidimensionnel.

Il existe des différences entre la compréhension de l’art baroque suivie entre l’Europe du Nord et le sud de l’Europe. La compréhension de la peinture baroque est née en Italie, tout comme la compréhension des architectes baroques.

Le baroque est généralement un mouvement qui utilise l’asymétrie par opposition à la symétrie, les formes non linéaires par opposition aux formes géométriques, le mouvement par opposition à la stationnarité et ce qui n’est pas facilement compréhensible en réponse à ce qui est perçu à la fois.

Il est possible de voir tout ce qui est contre l’idéal dans une œuvre de style baroque, on peut voir des figures heureuses souriantes, des figures tristes, même du sang, de la brutalité, des larmes, des têtes brisées. Les figures sont représentées dans des mouvements exagérés comme si elles étaient sur la scène d’un très grand théâtre.

Alors que la classe des riches marchands commençait à commander des peintures, les vies des saints s’ajoutaient aux histoires mythologiques ainsi qu’aux histoires de famille et aux portraits collectifs.

Différence Entre l’Art baroque et la Renaissance

Lorsqu’il est évalué en termes de caractéristiques mentionnées ci-dessus, l’art de la peinture baroque peut être expliqué comme une opposition aux règles statiques et symétriques introduites par la Renaissance. Mais comme mentionné ci-dessus; Nous pouvons définir l’art baroque comme ni le déclin ni la montée du classique. Au contraire, le baroque est un art complètement différent. En ce sens, on voit que l’art baroque et de la Renaissance diffère l’un de l’autre avec certaines règles.

Par exemple, on observe que la lumière est réfléchie par une seule source dans une peinture de la Renaissance, tandis que dans la peinture baroque, les figures avec la lumière sur elles sont représentées comme contenant la lumière en elles-mêmes ou la direction de la lumière est clairement perçue.

Des innovations telles que l’extension des proportions des peintres maniéristes contre le style stéréotypé de la Renaissance, y compris la lumière et la couleur, ont été une sorte de support pour les artistes de la peinture baroque.

On voit que les pionniers anonymes du style apparu au 17ème siècle et appelé baroque étaient des artistes du 16ème siècle.

Certains historiens de l’art ont expliqué la naissance de ce style avec les mouvements de Contur–réforme initiés par l’Église contre la Réforme.

Les artistes qui ont adopté la Contre-réforme ont pris sur eux d’alimenter l’excitation des communautés et de créer de l’enthousiasme et de l’excitation sur le public. Au cours de cette période, l’art a commencé à être rappelé avec éclat, et des dispositions esthétiques et techniques ont été prises dans l’architecture, la peinture et la sculpture pour fournir du mouvement, des paillettes et du spectacle.

Maintenant, examinons brièvement quelles sont les différences entre la compréhension de l’art baroque mentionnée ci-dessus entre l’Europe du Nord et le sud de l’Europe. Faisons cette revue sur Caravage et Peter Paul Rubens, les représentants les plus importants de l’art baroque.

Caravage est le premier artiste à augmenter l’effet en mettant en valeur les figures de proue avec de la lumière par rapport aux autres, ajoutant ainsi une sorte de magie à ses peintures.

Ses figures se reflètent de manière polyvalente dans les peintures du Caravage. La lumière n’est pas seulement pour mettre les personnages en avant; Il a également utilisé des émotions telles que la détermination, la surprise, la stagnation ou la peur pour refléter des concepts abstraits.

Caravaggio a prouvé qu’avec l’utilisation correcte de la lumière dirigée, une peinture entière peut être remplie de sensation comme si elle était sur une scène de théâtre. Presque tous les peintres qui sont venus après lui ont bénéficié de cette magnifique technique. Il n’hésitait jamais à porter le laid dans ses œuvres et ne se sentait pas obligé de se peindre magnifiquement.

L’art de la peinture baroque au XVIIe siècle peut être mieux illustré par Rubens, la différence qui s’est produite en Europe du Nord.

Peter Paul Rubens peignait généralement des sujets religieux et mythologiques, mais lorsqu’il peignait la figure humaine, il décrivait l’effet de force sur les corps en exagérant la structure musculaire des hommes et reflétait tous les détails, la beauté et la vitalité de la peau sur le corps féminin. L’artiste avait une expression baroque distinctive en renforçant les éléments de couleur et de mouvement avec des contrastes d’ombre et de lumière.

En plus de donner ce qui est naturel avec les couleurs, la recherche de l’organique dans les corps humains de Rubens peut s’expliquer par l’appréciation de la réalité dans ses peintures.

On voit que l’excitation et le dynamisme de la peinture baroque se reflètent dans les arrangements de couleurs et de formes.

En termes d’utilisation de la couleur, les couleurs chez Rubens dépendent toujours d’un objet, malgré l’existence d’une exubérance spirituelle.

Chefs-d’œuvre de la Peinture baroque

Caravage

• Judith Décapitant Holopherne (Giuditta e Oloferne)

Peter Paul Rubens

• La fête de Vénus