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Format de scénario: Tout ce que Vous devez savoir

Le format de scénario fait référence aux éléments de contenu et au style sur page d’un script utilisant un format standard par les industries du cinéma, de la télévision et du commerce.

Format de scénario standard:

  • 12- police point Courier
  • Marge gauche de 1,5 pouce
  • marge droite de 1 pouce (entre 0,5 pouce et 1,25 pouce), déchiquetée
  • marges supérieure et inférieure de 1 pouce
  • Environ 55 lignes par page, quelle que soit la taille du papier. Ceci exclut le numéro de page et les espaces après celui-ci
  • Parenthèse de l’acteur (wrylies) 3,1 pouces du côté gauche de la page (1,6 de la marge)
  • Noms des intervenants de dialogue (en majuscules) 3,7 pouces du côté gauche de la page (2,2 de la marge)
  • Les transitions sont en majuscules (parfois des accessoires, des sons et des mouvements de caméra importants)
  • Dialogue à 2,5 pouces du côté gauche de la page (à 1,5 pouce de la marge)
  • Numéros de page:
    • Dans le coin supérieur droit
    • Au ras de la marge droite
    • À un demi-pouce du haut de la page
    • Les nombres doivent avoir un point après
    • La première page n’est pas numérotée
    • La page de titre n’est pas numérotée et ne compte pas comme page un
    • La première page à avoir un numéro est la deuxième page du scénario (la troisième feuille de papier incluant la page de titre), qui est numérotée 2

Si vous recherchez des exemples de scénarios individuels, voici plus de 70 exemples de scénarios de divers films.

Éléments du format scénario

Chaque scénario, quel que soit le genre d’écriture ou d’histoire, comprend les mêmes parties organisationnelles. Ces éléments aident quiconque lit le scénario à comprendre qui parle ou fait quoi quand, où et comment. Voici les éléments que vous devez utiliser pour organiser le contenu de votre histoire visuelle:

Fade In

C’est le point de départ de chaque script. C’est alors que le “rideau” figuratif se lève et que l’histoire commence. Cette phrase de transition ne doit être utilisée qu’une seule fois au tout début de votre script, juste avant le premier titre de scène ou paragraphe de description de scène. La phrase doit être en majuscules et se terminer par un deux-points pour indiquer la suite lorsque l’histoire commence à se dérouler, en tant que telle — FONDU:

Si votre histoire commence par une voix off ou un effet sonore avant que le public ne voie des visuels, vous pouvez commencer le script avec PLUS de NOIR, puis écrire la voix off du personnage comme NOM DE PERSONNAGE (V.O.) et la ligne ou simplement écrire l’effet sonore dans la ligne d’action. Une fois que votre histoire introduit un visuel, c’est à ce moment que vous pouvez utiliser “FADE IN:” pour commencer officiellement.

En-tête de scène

Également appelé “ligne de limaces”, l’en-tête de scène décrit brièvement l’endroit où chaque scène se déroule. Il doit être écrit en majuscules et utiliser des points et des tirets pour segmenter correctement chaque partie, qui sont:

  • Emplacement général: Décidez si la scène se déroule à l’intérieur ou à l’extérieur de l’emplacement spécifique. Utilisez INT. (pour l’intérieur) ou EXT. (pour l’extérieur). Cet élément aide à établir l’environnement de la scène.
  • Emplacement spécifique: C’est exactement là que se déroule la scène et où se trouve la caméra en référence aux personnages, ce qui peut aider les lecteurs à mieux visualiser où ils se trouvent en tant que public lors de la visualisation de la scène.
  • Heure de la journée: Incluez l’heure de la journée pour aider les lecteurs à suivre la chronologie de l’histoire et à mieux préparer le terrain. Les moments les plus couramment utilisés de la journée comprennent le JOUR, la NUIT, LE SOIR et occasionnellement PLUS TARD, ce qui peut être utilisé pour indiquer que peu de temps s’est écoulé.

Voici quelques exemples:

  • POSTE. BAR À MOTARDS DE PORC EN SAUCE – NUIT
  • INT. BUREAU TERNE – JOUR
  • POSTE. GRAND CANYON – SOIRÉE
  • INT. MAGGIE’S GARAGE –LATER

Sous-titres

Les sous-titres sont comme de petites lignes de limaces plus décontractées et expliquent quand la scène se produit à un autre endroit ou à une autre heure (ex: Plus tard, ou Bibliothèque).

Lignes d’action

Également appelées descriptions de scène, les lignes d’action sont utilisées pour montrer aux lecteurs ce qui se passe dans une scène. Cela comprend:

  • Description du personnage: Lorsque nous rencontrons un personnage pour la première fois, vous devez décrire brièvement ses qualités afin que les lecteurs puissent visualiser à quoi il ressemble, comment il marche et d’autres traits physiques, voire de personnalité. Lors de la première référence, écrivez le nom d’un personnage en majuscules.
  • Description de scène: Bien qu’un terme interchangeable, la description de scène fait également référence à la mise en scène. Décrivez brièvement l’aspect, la sensation, la météo et les qualités d’un décor afin que les lecteurs puissent voir clairement où se déroule l’histoire.
  • Action de caractère ou d’objet: Montrez au lecteur ce que font les caractères avec des verbes forts, précis et actifs. Les objets peuvent également effectuer des actions, telles que “Le téléphone bourdonne sur la table.”Si vous introduisez un objet important ou si vous souhaitez mettre en évidence une action importante, vous pouvez écrire l’objet ou l’action en majuscules, comme “L’ANNEAU tombe de sa main.” ou ” Elle EMPOCHE le diamant.”

Caractère parlant

Chaque fois qu’une personne parle, que ce soit à l’écran ou en voix off, vous devez écrire son nom en majuscules et centré au milieu de la page. En règle générale, vous pouvez simplement utiliser leur prénom ou un surnom qui capture leur personnalité. De toute façon, assurez-vous d’introduire leur nom et / ou surnom dans la description de la scène plus tôt dans le script et soyez cohérent lors de l’étiquetage de leurs dialogues et actions dans les lignes d’action.

Dialogue

Cet élément est placé sous le nom de caractère centré et centré, centré et justifié. Utilisez la majuscule et la ponctuation standard et faites-la à double interligne. Si vous voulez qu’un personnage souligne un mot ou une phrase, vous pouvez le souligner. Mais utilisez-le avec parcimonie pour que les acteurs et les réalisateurs aient la liberté de jouer avec des scènes.

Voici un exemple complet:

LILY

Pourquoi avez-vous fait cela? J’avais ça sous contrôle ! Vous

ne me faites jamais confiance.

Parenthèse

Ce sont des mini-instructions d’un écrivain qui clarifient la façon dont une ligne est censée être lue. Par exemple:

TERRANCE

(défensif)

Je vous fais confiance. Je vous ai demandé d’emmener mon chien chez le vétérinaire

la semaine dernière.

Les parenthèses sont également utilisées pour les extensions pour indiquer quand un personnage parle hors écran (O.S.) ou en voix off (V.O.), telles que:

MATT (O.S.)

Allez-vous arrêter de crier ? J’essaie de dormir.

CARLY (V.O.)

Matt essayait toujours de dormir.

Les autres utilisations des parenthèses comprennent:

  • Lorsque les personnages parlent dans des appareils tels que des téléphones ou des radios (DANS UN APPAREIL)
  • Lorsque le dialogue de la scène suivante commence avant la fin de la scène actuelle (Pré-tour)
  • Lorsque les personnages effectuent des actions en parlant (ex: étirement, dessin, chute à genoux)

Plans

La spécification d’un type particulier de plan (tel que le faible angle) n’est pas très courante, les scénaristes ne spécifient les plans que lorsqu’ils sont critiques pour la scène.

Montage

Les montages utilisent un format spécifique:

  1. Vous écrivez d’abord “Begin Montage” comme s’il s’agissait d’un sous-titre
  2. Listez vos scènes comme vous le feriez normalement
  3. Arrêtez le montage avec “End Montage” comme s’il s’agissait d’un sous-titre

Paroles

Les paroles dans les scripts sont difficiles car elles prennent beaucoup de temps d’espace de page, mais ne prenez pas beaucoup de temps pour chanter et chaque page de script de film devrait correspondre à environ une minute de temps d’écran. Généralement, les écrivains espacent les paroles avec des plans et des actions ou la sensation générale de la chanson est décrite plutôt que d’écrire tous les mots.

Chyrons

Texte qui apparaît sur l’écran pour indiquer l’heure et le lieu au public (généralement dans les films d’espionnage ou militaires). Commencez d’abord par une ligne d’action avec le mot “CHYRON” (ou “TITRE”) suivi du texte du chyron.

Fade Out

Cette transition finale indique la fin de votre histoire. Il est écrit après la ligne d’action finale ou le dialogue sur le côté gauche, à environ 6 pouces du bord gauche de la page.

Script Spec vs Script de prise de vue

Les deux types de scripts sont le script spec et le script de prise de vue. Un script spec, ou “script spéculatif”, est un scénario, juste le contour de l’histoire visuelle. Un script de tournage est une évolution sur une spécification qui inclut d’autres détails nécessaires à la production et à la post-production. Ceux-ci incluent souvent les éléments supplémentaires suivants:

  • Angles de caméra, comme “GROS PLAN SUR:” et “PANORAMIQUE VERS LE BAS:”
  • Numéros de scène pour coordonner les scènes écrites et leurs homologues filmées
  • Séquences de crédits, telles que sur un montage d’introduction
  • Informations sur le lieu de tournage
  • Insertions, qui sont des notes que la caméra coupe sur une image spécifique, telles que les transitions “INSÉRER: PHOTOGRAPHIE”
  • sont généralement réservées au montage en post-production. Les exemples incluent :
    • “CUT TO”: toute transition qui n’est pas marquée est supposée être une coupure
    • “FADE TO”: une transition où la scène s’estompe vers une autre scène
    • “SMASH TO”: une coupure très abrupte, comme celle qui pourrait arriver à mi-phrase
    • “DISSOUDRE À”: une scène qui “se dissout” dans une autre scène, indiquant généralement que le temps s’est écoulé
    • “MATCH CUT TO”: lorsque le dernier plan de la scène précédente (ex: main tendant vers un livre) correspond au premier plan d’une nouvelle scène (ex: une main tendant vers une pomme)
    • “INTERCUT”: lorsque deux scènes rebondissent d’avant en arrière, généralement pour des appels téléphoniques

Ces éléments n’ont pas besoin d’être dans un script de spécification, car un producteur, un réalisateur ou d’autres professionnels de la production s’occuperont des décisions qui deviendront ces détails supplémentaires dans le script de tournage.

Conseils pour bien formater votre scénario

Voici quelques conseils supplémentaires pour vous aider à optimiser le format de votre scénario:

  • Utiliser un logiciel de scénarisation: Facilitez la mise en forme d’éléments tels que l’espacement, l’indentation et les marges avec des logiciels tels que Final Draft, Celtx ou WriterDuet. Non seulement ces programmes vous permettent de parcourir simplement des éléments correctement formatés comme le dialogue des caractères, mais ils définissent également automatiquement la marge gauche de 1,5 pouce et les marges supérieure, inférieure et droite de 1 pouce. Ils utilisent également par défaut la police de messagerie à 12 points, la norme de l’industrie.
  • Limiter les phrases entre parenthèses: Celles-ci doivent être utilisées avec parcimonie afin que les acteurs et les réalisateurs puissent transmettre les émotions qu’ils croient que les personnages vivent. Essayez de ne les utiliser que si la ligne peut être lue d’une manière qui contredit la scène.
  • Évitez les transitions inutiles: Bien que certains professionnels chevronnés puissent utiliser des transitions comme “COUPER” entre les scènes, ce petit choix peut en fait avoir un impact sur la lisibilité d’un script. Tenez-vous avec un nouveau titre de scène, ce qui aide à faire avancer l’histoire très bien.
  • Fractionnez de gros blocs de texte: Une page de scénario équivaut à peu près à une minute de temps d’écran, de sorte que l’optimisation des éléments peut garantir que votre nombre de pages reflète plus précisément la durée du projet filmé. Décomposez de gros blocs de texte, tels que des lignes d’action de plus de trois ou quatre lignes sur une page. Pour les monologues, vous pouvez les séparer avec des lignes d’action qui ponctuent le discours du personnage.

Une autre excellente façon de développer vos compétences en écriture de scénario et de faire du formatage standard de l’industrie une seconde nature est de suivre un cours ou un programme d’écriture de qualité professionnelle. Le Nashville Film Institute peut vous préparer avec toutes les compétences techniques et créatives nécessaires pour réussir dans l’industrie du cinéma.

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