Insegnamento del dramma nell’apprendimento a distanza

Suggerimenti per trasferire le pratiche in spazi virtuali

Nelle prove, si desidera creare l’equivalente dello zoom di spingere indietro le scrivanie e riorganizzare l’aula in uno spazio neutro pieno di nuove possibilità. Prova a usare un semplice riscaldamento a breve durata per questo. Trova un esercizio che ti senti a tuo agio, come uno shakeout o uno scioglilingua, e seguilo. Mi piace tenere tutti sul microfono, perché confonde completamente Zoom e aggiunge al senso di ottenere un po ‘ disordinato.

Usa il tuo intero strumento e gioca con il “pubblico”, la fotocamera. Anche se tutto il tuo corpo non è visibile, ciò che sta accadendo nel tuo corpo si traduce in ciò che è espresso nei tuoi occhi e nella tua voce.

Scavare più a fondo con gli studenti

Dopo che gli studenti hanno avuto alcune prove, aprire le porte alla ricerca dall’interno della storia. Ci si potrebbe chiedere: in che modo la storia si collega alle nostre vite? Come possiamo prendere queste domande e intuizioni e usarli per rendere il nostro gioco ancora più forte?

Responsabilizzare gli studenti con la responsabilità creativa di sviluppare temi di design e creare momenti teatrali. Chiedi: Che tipo di musica useremo? I costumi sono realistici o fantastici? C’è una metafora centrale—un orologio, un albero, un mazzo di carte—su cui ci concentriamo visivamente?

Dopo una breve discussione di gruppo, è possibile dividere la classe in team di progettazione e inviarli in sale breakout. Farli tornare con obiettivi specifici, come ad esempio tre o quattro spunti musicali di sottofondo e tre o quattro effetti sonori, tavole costume Pinterest per ogni personaggio, o un’immagine di sfondo virtuale per ogni scena. Tenete a mente che se è possibile utilizzare questi in una performance finale non è importante come avere gli studenti esplorare e spiegare le loro scelte.

Creazione di comunità

Insegnare con le arti dello spettacolo significa creare comunità e condurre intenzionalmente gli studenti verso empatia, lavoro di squadra, ascolto attivo e valori condivisi. La tua scelta di questioni materiali. Prova a scegliere una sceneggiatura senza un ruolo principale chiaro, o con un ruolo centrale circondato da personaggi altrettanto vibranti, complessi e interessanti; potresti anche dividere il ruolo principale usando un concetto artistico relativo al tema del pezzo.

Spiega agli studenti che il tuo compito non è scegliere le persone migliori per i ruoli, ma sfruttare il potere dell’ensemble per raccontare la storia. Sfida il tuo desiderio di lanciare le scelte” migliori ” o ovvie e ricorda che il tuo obiettivo non è quello di impressionare i genitori, ma piuttosto di suscitare curiosità e scoperta. Tenete a mente che le scelte di casting inaspettati scintilla che per voi pure e potrebbe dimostrare ai vostri studenti che cosa norm-impegnativo o out-of-the-box pensiero assomiglia.

Abbracciare l’incertezza e promuovere la resilienza

La pratica non è mai perfetta nelle arti dello spettacolo. Piuttosto, porta a una migliore preparazione-e spesso apre le porte a più domande e più cose da praticare. Se ti stai impegnando in un processo di valutazione per gli studenti, crea metriche oltre le linee apprese e il volume raggiunto. Quale sfida ha affrontato ogni studente individualmente? Come hanno contribuito alla crescita dell’intero ensemble?

Lavora con gli studenti per prevedere le cose che potrebbero andare male in termini di prestazioni, come cosa fare se si dimentica una linea o la connessione Internet si blocca. Navigare in questi singhiozzi è parte di ciò che rende le prestazioni dal vivo così preziose e risonanti. Quando educatori e genitori incorniciano questi momenti con gioia nelle capacità degli studenti, gli studenti costruiscono resilienza e orgoglio nel superare gli ostacoli, insieme a una più profonda comprensione di come funzionano le narrazioni.