Patroni e artisti nel Rinascimento Italia

Durante il Rinascimento, la maggior parte delle opere d’arte sono stati commissionati e pagati da governanti, istituzioni religiose e civili, e il ricco. Produrre statue, affreschi, pale d’altare e ritratti erano solo alcuni dei modi in cui gli artisti si guadagnavano da vivere. Per il cliente più modesto, c’erano oggetti già pronti come targhe e figurine. A differenza di oggi, l’artista rinascimentale è stato spesso previsto di sacrificare i propri sentimenti artistici e produrre esattamente ciò che il cliente ordinato o previsto. Sono stati stipulati contratti per commissioni che stabilivano il costo finale, i tempi, la quantità di materiali preziosi da utilizzare e forse includevano anche un’illustrazione del lavoro da intraprendere. Le controversie non erano rare, ma, almeno, un pezzo di successo ha contribuito a diffondere la reputazione di un artista al punto in cui potrebbe essere in grado di avere un maggiore controllo sul loro lavoro.

Chi Erano i Mecenati dell’Arte?

Durante il Rinascimento, era usuale per gli artisti produrre opere solo dopo che gli era stato chiesto di farlo da uno specifico acquirente in un sistema di mecenatismo noto come mecenatismo. Poiché le abilità richieste erano rare, i materiali costosi e il tempo necessario spesso lungo, la maggior parte delle opere d’arte era costosa da produrre. Di conseguenza, i clienti della bottega di un artista erano tipicamente governanti di città o ducati, Papi, aristocratici maschi e femmine, banchieri, mercanti di successo, notai, membri superiori del clero, ordini religiosi e autorità civiche e organizzazioni come corporazioni, ospedali e confraternite. Tali clienti erano desiderosi non solo di circondare la loro vita quotidiana e gli edifici con cose belle, ma anche per dimostrare agli altri la loro ricchezza, buon gusto, e la pietà.

I sovrani di città come i Medici a Firenze e i Gonzaga a Mantova volevano rappresentare se stessi e la loro famiglia come un successo e quindi desideravano essere associati, ad esempio, a eroi del passato, reali o mitologici. Papi e chiese, al contrario, erano desiderosi di arte per contribuire a diffondere il messaggio del cristianesimo, fornendo storie visive anche gli analfabeti potrebbe capire. Durante il Rinascimento in Italia, divenne importante anche per le città nel loro insieme coltivare un certo carattere e immagine. C’era una grande rivalità tra città come Firenze, Venezia, Mantova e Siena, e speravano che qualsiasi nuova arte prodotta avrebbe migliorato il loro status in Italia o anche oltre. Le opere commissionate pubblicamente potrebbero includere ritratti dei governanti di una città (passato e presente), statue di capi militari o rappresentazioni di figure classiche particolarmente associate a quella città (ad esempio, Re Davide per Firenze). Per gli stessi motivi, le città spesso hanno cercato di portare artisti famosi lontano da una città per lavorare nella loro città. Questo mercato girevole di artisti spiega anche perché, in particolare in Italia con le sue numerose città-stato indipendenti, gli artisti erano sempre molto desiderosi di firmare le loro opere e così contribuire alla loro reputazione fiorente.

I governanti delle città, una volta che si erano trovati un buon artista, potevano tenerlo alla loro corte indefinitamente per un gran numero di opere. Un “artista di corte” era più di un semplice pittore e poteva essere coinvolto in qualsiasi cosa lontanamente artistica, dalla decorazione di una camera da letto alla progettazione delle livree e delle bandiere dell’esercito del loro patrono. Per i migliori artisti, il pagamento per il loro lavoro in un particolare tribunale potrebbe andare ben oltre il semplice denaro contante e includere agevolazioni fiscali, residenze sontuose, macchie di foresta e titoli. Questo era altrettanto bene perché la maggior parte della corrispondenza superstite che abbiamo da artisti come Leonardo da Vinci (1452-1519 CE) e Andrea Mantegna (c. 1431-1506 CE) comporta richieste rispettose ma ripetute per il salario che i loro illustri mecenati, ma serrati, avevano originariamente promesso loro.

L’arte modesta, diciamo una piccola statua votiva o targa, era nei mezzi dei cittadini più umili, ma tali acquisti sarebbero stati solo per occasioni speciali. Quando le persone si sposavano, potevano impiegare un artista per decorare una cassa, alcune parti di una stanza o un bel mobile nella loro nuova casa. Le placche di rilievo da lasciare nelle chiese in ringraziamento per un evento felice nella loro vita erano un acquisto comune, anche per la gente comune. Tali targhe sarebbero stati uno dei pochi tipi di arte prodotta in grandi quantità e reso facilmente disponibile ‘over the counter’. Altre opzioni per l’arte più economica includevano rivenditori di seconda mano o quei laboratori che offrivano oggetti minori come stampe per incisione, gagliardetti e carte da gioco che erano pronti per la vendita ma potevano essere personalizzati, ad esempio, aggiungendo uno stemma di famiglia o un nome a loro.

Aspettative &Contratti

Chiunque sia il cliente dell’arte rinascimentale, potrebbe essere molto particolare su come fosse l’articolo finito. Questo perché l’arte non è stata prodotta solo per ragioni estetiche, ma per trasmettere un significato, come detto sopra. Non era buono se un ordine religioso pagasse per un affresco del loro santo fondatore solo per trovare l’opera finita conteneva una figura irriconoscibile. In poche parole, gli artisti potevano essere fantasiosi ma non andare così lontano dalla convenzione che nessuno sapeva cosa significasse o rappresentasse l’opera. Il ri-interesse per la letteratura classica e l’arte, che era una parte così importante del Rinascimento solo sottolineato questa esigenza. I ricchi possedevano un linguaggio comune della storia riguardo a chi era chi, chi faceva cosa e quali attributi avevano nell’arte. Ad esempio, Gesù Cristo ha i capelli lunghi, Diana porta una lancia o un arco e San Francesco deve avere alcuni animali nelle vicinanze. In effetti, un dipinto ricco di riferimenti classici era altamente desiderabile in quanto creava un pezzo di conversazione per gli ospiti della cena, consentendo ai ben istruiti di mostrare la loro più profonda conoscenza dell’antichità. Il dipinto Primavera di Sandro Botticelli (1445-1510 CE), commissionato da Lorenzo di Pierfrancesco de’ Medici, è un eccellente e sottile esempio di questo linguaggio comune del simbolismo.

Come conseguenza l’aspettativa di mecenati, e al fine di evitare spiacevoli inconvenienti, i contratti sono stati comunemente redatto tra artista e mecenate. Il disegno, sia di una statua, pittura, fonte battistero, o tomba, potrebbe essere concordato in dettaglio in anticipo. Ci potrebbe anche essere un modello in piccola scala o uno schizzo fatto, che poi è diventato una parte formale del contratto. Di seguito un estratto da un contratto firmato a Padova nel 1466 CE che include uno schizzo:

Lascia che sia manifesto a chiunque leggerà questo libro che il Signor Bernardo de Lazzaro aveva contratto con il Maestro Pietro Calzetta, il pittore, dipingere una cappella nella chiesa di S. Antonio, che è conosciuta come la cappella dell’Eucaristia. In questa cappella egli è quello di affrescare il soffitto con quattro profeti o evangelisti su uno sfondo blu con stelle in oro fino. Tutte le foglie di marmo, che sono in quella cappella dovrebbero essere dipinta con oro zecchino e blu come le figure di marmo e colonne scolpite lì…In detto altare, Maestro Pietro è quello di dipingere una storia simile a quella nel design che è su questo foglio…è per renderla simile a questo, ma a fare più cose di quelle in detto disegno…Maestro Pietro promette di finire tutto il lavoro scritto sopra entro la prossima Pasqua e promette che tutto il lavoro sarà ben fatto e lucido e promette di garantire che tale lavoro sarà buono, solido, e sufficiente per almeno venticinque anni e in caso di qualsiasi difetto nel suo lavoro sarà obbligato a pagare sia il danno che gli interessi sull’opera

(Welch, 104)

Le tariffe per un progetto sono state stabilite nel contratto e, come nell’esempio precedente, è stata stabilita la data di completamento, anche se le trattative potrebbero continuare molto tempo dopo per modificare il contratto. Perdere la data di consegna promessa era forse il motivo più comune per il contenzioso tra mecenati e artisti. Alcune opere richiedevano l’uso di materiali costosi (foglia d’oro, intarsi d’argento o coloranti particolari, ad esempio) e questi potrebbero essere limitati in quantità dal contratto per evitare che l’artista esageri e superi il budget. Nel caso di oreficeria o di una scultura in marmo fine, il peso minimo del lavoro finito potrebbe essere specificato nel contratto. Per i dipinti, il prezzo della cornice potrebbe essere incluso nel contratto, un elemento che spesso costa più del dipinto stesso. Ci potrebbe anche essere una clausola get-out che il mecenate potrebbe evitare di pagare del tutto se il pezzo finito non ha ottenuto il favore di un gruppo di esperti d’arte indipendenti. Dopo che un contratto è stato firmato, una copia è stata conservata dal patrono, artista, e notaio pubblico.

in Seguito il Progetto

una Volta che i termini e le condizioni sono state definite l’artista potrebbe ancora affrontare alcune interferenze dal suo protettore, come si è sviluppato il progetto in realtà. Le autorità civiche potrebbero essere le più esigenti di tutti i mecenati in quanto i comitati eletti o nominati (opere) hanno discusso dettagliatamente il progetto, forse hanno indetto un concorso per vedere quale artista avrebbe svolto il lavoro, hanno firmato il contratto e poi, dopo tutto ciò, hanno istituito un gruppo speciale per monitorare l’opera durante la sua esecuzione. Un problema particolare con opere era che i loro membri cambiavano periodicamente (anche se non il loro capo, l’operaio) e quindi le commissioni, anche se non forse cancellate, potevano essere viste come meno importanti o troppo costose da funzionari diversi da quelli che originariamente avevano iniziato il progetto. Le tasse divennero un problema costante per Donatello (c. 1386-1466 CE) con la sua Gattamelata a Padova, una statua equestre in bronzo del condottiero mercenario Erasmo da Narni (1370-1443 CE), e questo nonostante Narni avesse lasciato nel suo testamento una disposizione per una tale statua.

Alcuni mecenati erano davvero molto particolari. In una lettera di Isabella d’Este (1474-1539 d. C.), moglie di Gianfrancesco II Gonzaga (1466-1519 d. C.), allora governante di Mantova, a Pietro Perugino (c. 1450-1523 d. C.), al pittore fu lasciato ben poco margine di immaginazione nel suo dipinto la Battaglia tra Amore e castità. Isabella scrive:

La nostra invenzione poetica, che vogliamo fortemente vedere dipinta da te, è una battaglia di Castità e Lascivia, vale a dire, Pallade e Diana che combattono vigorosamente contro Venere e Cupido. E Pallade sembra quasi aver sconfitto Cupido, avendo rotto la sua freccia d’oro e gettato il suo arco d’argento sotto i piedi; con una mano lo sta tenendo per la benda che il ragazzo cieco ha davanti agli occhi, e con l’altra sta sollevando la lancia e sta per ucciderlo…

la lettera continua così per diversi paragrafi e si conclude con:

Ti sto inviando tutti questi dettagli in un piccolo disegno in modo che sia con la descrizione scritta che con il disegno sarai in grado di considerare i miei desideri in questa materia. Ma se pensi che forse ci sono troppe figure in questo per un quadro, è lasciato a te ridurle a tuo piacimento, a condizione che non rimuova la base principale, che consiste nelle quattro figure di Pallade, Diana, Venere e Cupido. Se non si verifica alcun inconveniente mi considererò ben soddisfatto; sei libero di ridurli, ma non di aggiungere altro. Si prega di essere contenuti con questo accordo.

(Paoletti, 360)

Il ritratto deve essere stato particolarmente allettante area per il patrono di interferenza e uno si chiede che cosa i clienti pensiero di innovazioni come Leonardo da Vinci, tre quarti dei suoi sudditi o l’assenza dei tradizionali simboli di stato come gioielli. Una delle ossa della contesa tra il Papa e Michelangelo (1475-1564 CE) mentre stava dipingendo il soffitto della Cappella Sistina era che l’artista si rifiutò di lasciare che il suo patrono vedere l’opera fino a quando non è stato completato.

Infine, non era insolito per i committenti apparire da qualche parte nell’opera d’arte che avevano commissionato, un esempio è Enrico Scrovegni, inginocchiato nella sezione del Giudizio Universale degli affreschi di Giotto nella Cappella degli Scrovegni a Padova. Sandro Botticelli (1445-1510 CE) riuscì persino a entrare in un’intera famiglia di Medici anziani nella sua Adorazione dei Magi del 1475 CE. Allo stesso tempo, l’artista potrebbe inserirsi nell’opera, vedere, ad esempio, il busto di Lorenzo Ghiberti (1378-1455 CE) nelle sue porte rivestite in bronzo del Battistero di Firenze.

Reazione post-progetto

Nonostante le restrizioni contrattuali, possiamo immaginare che molti artisti abbiano cercato di spingere i confini di ciò che era stato precedentemente concordato o semplicemente sperimentato nuovi approcci a un argomento stanco. Alcuni mecenati, naturalmente, possono anche aver incoraggiato tale indipendenza, soprattutto quando si lavora con artisti più famosi. Tuttavia, anche gli artisti più famosi potrebbero mettersi nei guai. Non era sconosciuto, ad esempio, che un affresco non fosse apprezzato e quindi fosse dipinto e poi rifatto da un altro artista. Anche Michelangelo affrontò questo quando completò i suoi affreschi nella Cappella Sistina. Alcuni membri del clero si opposero alla quantità di nudi e proposero di sostituirli completamente. Un compromesso è stato risolto e ‘pantaloni’ sono stati dipinti sulle figure incriminate da un altro artista. Tuttavia, il fatto che molti artisti ricevessero commissioni ripetute suggerirebbe che i mecenati erano più spesso soddisfatti dei loro acquisti e che, come oggi, c’era una certa deferenza rispettosa per la licenza artistica.

Patroni certamente potrebbe essere deluso da un artista, più comunemente da loro mai finire il lavoro a tutti, o perché hanno camminato fuori per un disaccordo sul design o semplicemente avevano troppi progetti in corso. Michelangelo fuggì da Roma e dall’interminabile saga che fu la progettazione e l’esecuzione della tomba di papa Giulio II (r. 1503-1513 CE), mentre Leonardo da Vinci era noto per non aver terminato le commissioni semplicemente perché la sua mente iperattiva perse interesse per loro dopo un po’. In alcuni casi, il maestro artista potrebbe aver deliberatamente lasciato alcune parti del lavoro per essere finito dai suoi assistenti, un altro punto che un saggio mecenate potrebbe guardia contro nel contratto originale. In breve, però, le controversie per violazioni del contratto non erano un evento raro e, proprio come commissionare un artista oggi, sembra che un mecenate rinascimentale potesse essere deliziato, sorpreso, perplesso o addirittura indignato per l’opera d’arte finita che avevano pagato.