Un mondo disegnato: Un’introduzione all’arte di Julian Opie (per un pubblico polacco), 2014.

Testo di John Slyce per il catalogo che accompagna la mostra personale di Julian Opie del 2014 al Museum of Contemporary Art Krakow (MOCAK).

Poco tempo fa, mi è stato chiesto di scrivere un saggio che sarebbe servito come introduzione all’arte di Julian Opie con alcune considerazioni speciali per un pubblico polacco. Inizialmente ero riluttante ad accettare questa richiesta, dato che conosco un po ‘il livello di sofisticazione dimostrato dal pubblico polacco che si impegna con una variegata produzione culturale (ho trascorso un po’ di tempo nel paese durante gli anni ‘ 80). Un tale sforzo mi sembrava un po ‘ condiscendente, se non addirittura potenzialmente condiscendente.

Che mi sia stato proposto di farlo in un catalogo con distribuzione globale e che aspira a una vita al di là della cornice temporale o istituzionale della mostra ha fornito una allettante contraddizione da esplorare, anche se ho ancora resistito. Cosa mi ha fatto cambiare idea? Vi posso assicurare che non è il denaro (scrittura d’arte raramente mai paga davvero). C’era una contraddizione più grande in gioco che mi tentava.

Julian Opie è uno degli artisti più conosciuti e riconosciuti della Gran Bretagna. Della sua generazione – Opie è nato a Londra nel 1958-è sicuramente tra gli artisti contemporanei più significativi e di successo commerciale attualmente attivi nel Regno Unito. Eppure, per tutte queste realizzazioni c’è pochissima letteratura critica in atto che affronta correttamente le preoccupazioni centrali della sua arte e le pratiche contemporanee di fare. Ho quindi scelto di concentrare le mie osservazioni su quelle che considero le caratteristiche molto contemporanee della pratica di Julian Opie e di rivolgerle a un pubblico globale ‘polacco’ di curiosi, anche se in gran parte non iniziati. Con i limiti intrinseci di un saggio catalogo in mente – questo è, dopo tutto, un pezzo commissionato di scrittura con i propri vincoli spaziali e temporali – forse il meglio che posso offrire è un modesto inizio di ciò che l’industria si riferisce a come un ‘rivalutazione critica’. Quanto a qualcosa che potrebbe essere effettivamente utile per un pubblico polacco realmente esistente dell’arte di Julian Opie: tali spettatori potrebbero considerare la qualità lineare, i colori vibranti, l’economia e la succintezza dimostrate in quella che costituiva una Scuola polacca di manifesti durante i decenni tra gli anni ’50 e’ 80. Il modo in cui tale lavoro ha eroso una distinzione tra artista e designer trova una risonanza importante nella pratica di Julian Opie ed è un primo passo cruciale verso una valorizzazione della sua arte e della sua rilevanza contemporanea.

Opie ha studiato arte al Goldsmith’s College di Londra durante il 1979-1982 sotto la direzione di Michael Craig-Martin, un’influenza inestimabile e stimolo per gli studenti d’arte del college durante gli anni 1980 e 1990, in particolare quelli che avrebbero formato un nucleo di giovani artisti britannici nella prima metà degli anni 1990. Craig-Martin, come molti dei suoi contemporanei, ha seguito una traiettoria lontana dalla pittura e dalla realizzazione di oggetti distinti in uno studio, per esplorare quali pratiche post-studio potrebbero essere e quale tipo di arte potrebbe includere la sua produzione post-oggetto. Minimalismo, post-minimalismo e concettualismo-questi movimenti o tendenze hanno ampliato notevolmente il campo delle pratiche e delle proposizioni per ciò che l’arte potrebbe essere o, forse meglio, quando e dove potrebbe risiedere. Goldsmith riflette queste mutate condizioni nel modello di fare e le esperienze educative offerte come un college d’arte. Gli studenti potrebbero lavorare e fare in uno studio se vogliono, ma questo non era obbligatorio. Piuttosto che lavorare all’interno dei parametri fissi e delle identità di un programma di pittura, scultura o incisione, gli studenti erano, e sono ancora, liberi di pascolare in un campo di studio designato come “fine art”. Qualunque idea o concetto potesse guidare un dato lavoro, la sua forma finale non doveva essere governata da condizioni di oggetti tradizionali e categorie stabili. Le opere si presentano come proposizioni per ciò che potrebbe essere una pittura o una scultura piuttosto che ricadere sulle identità ricevute. All’interno di tale quadro, l’arte è meno un sostantivo e funziona più come un verbo.

Julian Opie è venuto alla ribalta nella metà degli anni 1980 ed è stato inizialmente strettamente legato con il Nuovo gruppo di scultura britannico, che comprendeva artisti del calibro di Richard Deacon, Antony Gormley, Bill Woodrow, Anish Kapoor e Richard Wentworth. Questa associazione aveva forse meno a che fare con il lavoro che Opie stava producendo e più a che fare con la scuderia condivisa di artisti che era tra l’influente Lisson Gallery di Londra. Mentre non c’era uno stile caratteristico specifico per collegare questi artisti insieme, il gruppo ha effettivamente lavorato con materiali ordinari e convenzionali radicati nella vita di tutti i giorni. A quel tempo, Opie stava realizzando sculture in metallo vagamente dipinte che combinavano umorismo e arguzia con una modalità realistica di raffigurare oggetti e immagini tratte dal mondo osservato. Verso la fine degli anni 1980, il lavoro di Opie crebbe in dimensioni e scala e divenne più ridotto, austero e minimale mentre esplorava le relazioni tra arte e architettura, o la nostra esperienza del mondo progettato e costruito attraverso forme di produzione industriale e le sue varie modalità di visualizzazione. Questi lavori condividevano una somiglianza visiva e materiale con i primi lavori di Jeff Koons e persino di Haim Steinbach mentre attingevano ugualmente all’eredità del minimalismo e delle forme contemporanee di esposizione commerciale per produrre una critica della merce e delle forme postmoderne di consumo. In tutto, il lavoro di Opie è rimasto basato sull’osservazione e in una modalità ridotta e semplificata di rappresentazione realistica. Lo scopo di questo approccio è quello di produrre un’arte che non è – parafrasando Jean-Luc Godard – il riflesso della realtà, ma di fare un’arte che mette in primo piano la realtà di una riflessione. Per molti aspetti, Opie è rimasta fondamentalmente preoccupata di esplorare come la realtà ci sia sempre già riproposta attraverso il segno autorevole, sia esso un segnale stradale contemporaneo o un annuncio LED in un aeroporto o lungo un’autostrada, o in alternativa quello radicato in un’immagine e un oggetto storico nel ritratto o busto antico.

Un approccio ideale al metodo di lavoro di Julian Opie è quello di entrare attraverso un concetto del disegnato. L’impegno di Opie con la linea disegnata è investito forse più nell’occhio che nella mano. Durante gli atti di close immersive looking, l’occhio traccia i bordi, le pieghe e le forme appartenenti agli oggetti e alle immagini nel mondo percepito. Tutto il disegno è, in un certo senso, un processo di applicazione del linguaggio a un’immagine. Opie lavora attraverso tentativi ed errori, passando dall’osservazione a quello che giustamente definisce “l’incidente dell’apprendimento”. Ogni passo fatto nel processo di produzione di un’opera si fa avanti e funziona come una sorta di disegno in sé e ogni strato porta il soggetto più vicino a qualcosa che puoi vedere. Alcuni passaggi di questo processo esteso sono semplici da descrivere, come i primi momenti derivati dall’inquadratura e dal dispositivo di registrazione di una fotografia. Queste immagini vengono poi importate sullo schermo di un computer. Ulteriori fasi sono molto più complesse e istintive. Opie applica una sorta di traduzione della figura fotografata in un linguaggio che ha sviluppato sulla base di segni e simboli, ombre e contorni. Opie descrive queste mosse come simili: “un tracciato che la mia mente fa naturalmente, correndo una linea lungo il bordo percepito delle cose che descrivono la forma di qualcosa. E ‘ la più diretta e una delle forme più antiche di descrivere con l’occhio e la mano e strumento. Una singola linea di concentrazione e messa a fuoco in modo che la tua mano si muova con l’occhio mentre capisce un oggetto. Segue una fase di colorazione e collage, di tentativi ed errori come diversi elementi sono evidenziati o scaricati. Sto sempre mirando al minimo che dice il massimo. Una curva nei capelli per descrivere il modo in cui si muove e cade, un colore che riassume un vestito.”

Il disegno esiste ora come una proposta, una possibilità memorizzata e aperta a qualsiasi numero di forme, uscite materiali e modalità di visualizzazione che ha preso nota nel mondo. Opie qui attinge all’efficienza della comunicazione sociale non verbale e al modo in cui le immagini esistono nel mondo come informazioni autorevoli, o al tipo di linguaggio e segno che ci dice cosa fare. Questi comandano l’azione e richiedono obbedienza. La forma di fabbricazione è parte dell’opera tanto quanto l’immagine e genera una tensione tra il materiale che raffigura e la cosa raffigurata. Prendiamo, ad esempio, il ritratto di Opie funziona in mosaico e la relazione del mosaico con il pixel. Una volta disegnati e intitolati, questi diventano parte del linguaggio di Opie e funzionano come parole che trovano una grammatica e una sintassi nelle frasi artigianali. Il disegno è suo e userà qualsiasi disegno in diversi modi: come un dipinto che si presenta in una forma scultorea tridimensionale, o come un’immagine stagliata applicata direttamente a una parete. Lo stesso disegno può trovare la sua strada per diventare un film presentato su uno schermo piatto molto pittorico. In ogni caso la fabbricazione è forte. La materialità forte dell’arte di Opie si perde spesso nella riproduzione. Il processo stesso di fare era qualcosa come una trappola, o, come dice Opie, ” un’attenta creazione di specchi per catturare un momento lampeggiante di incidente e bellezza e individuarlo e tenerlo dove può essere visto e studiato e forse goduto.”Un’immagine di successo, per Opie, dovrebbe essere liscia e senza incidenti. L’incidente è una distrazione e interrompe gli atti di guardare da vicino dove l’occhio lascia il posto in cui siamo ed entra in un’immagine. Qui consumiamo la forma così come il contenuto della comunicazione nell’arte di Opie.

Culture vecchie e nuove comingle con le più recenti tecnologie e forme di produzione – sia commerciale, o industriale e così quelli di arte e design – in arte di Julian Opie. Una sintassi egiziana può trovare una modulazione etrusca accanto a una linea ispirata a una xilografia di Hiroshige o ad anime giapponesi prodotti nello Studio Ghibli. Un impegno con la ritrattistica del XVII e XVIII secolo informa l’aumento di Opie della sua linea nera grafica con una linea di rappresentazione più ombreggiata. Gli artisti godono di maggiori risorse e materiali da realizzare nel nostro momento attuale di cultura ed economia rispetto a qualsiasi epoca precedente. Tutto è reso visibile e disponibile sia all’uso che al consumo. Opie può iniziare con le ombre sofisticate che fanno una fotografia, o un paio di fotogrammi di pellicola di un individuo che cammina lungo una strada trafficata, ma il mondo offerto è, direi alla fine, uno disegnato. Piuttosto che aggiungere strati di mediazione, Opie strisce come molti via come è possibile. Un’immagine è semplificata, persino decimata e l’incidente di distrazione viene sciolto. La sua arte richiede un modo di guardare associato alla vita e al linguaggio. In molta arte, il linguaggio è complementare a un’immagine. Nell’arte di Opie, il linguaggio è all’interno dell’immagine e qui anche uno stand di alberi si conformerà a una grammatica e obbedirà alla sintassi dell’artista mentre trasforma l’immagine in icona.

Lo studio di Opie è relativamente piccolo per la quantità e la scala dell’arte che produce. Ha circa undici persone che lavorano con lui in studio; circa quattro organizzare le cose e sette con competenze specifiche legate alla sua produzione. Questo è un piccolo numero di assistenti per gli standard contemporanei. Il suo modo di concepire un pezzo è quello di vedere una possibilità e poi andare a trovare un modo di farlo. Un’opera d’arte è sempre in misura un prodotto di immaginazione, intuizione, sperimentazione e design e la pratica dello studio di Opie segue l’esempio. C’è una buona quantità di ciò che l’industria dell’arte chiama ‘post-produzione’ dove i vinili che compongono una grande quantità di suoi dipinti sono fabbricati in Svezia, o i mosaici realizzati a Roma da un maestro. I LED possono provenire da Barcellona. Lavorare con la vernice, o anche pensando di fare il lavoro da una piattaforma di pittura significherà che uno deve picchettare una posizione per quanto riguarda il controllo. O si tenta di domare e controllare la roba bagnata con la tecnica o gli aiuti, o ci si arrende e si produce il tipo di arte che si diverte in tale abbandono espressivo. Forse l’impegno di Opie con la forte fabbricazione presente nei suoi modi di produzione scelti è una tale espressione di controllo. Ma questa è solo una speculazione inutile. Una presa più interessante sarebbe quella di considerare come le forme di produzione e le modalità di fabbricazione di Opie – il suo uso di tecnologie antiche e nuove nel mosaico e negli LCD – sottolinea come la tecnologia guidi il cambiamento nell’arte, nella vita e nella società.

Che Julian Opie può riferirsi a ciò che egli può fare, in un caso, come un dipinto, ma pensare ad esso come una scultura non deve confondere. Può aiutare a relazionarsi con il lavoro prima di te non solo come un dipinto o una scultura potrebbe essere nel nostro momento presente, ma come una proposta per dove l’arte è venuta a risiedere. Il compito non è quello di risolvere le tensioni generate dall’incontro con ragazze spogliatrici e ballerine accanto a un abbraccio warholiano del ritratto prodotto in serie commercialmente, o anche il puro torpore offerto dall’arte di Koons. Tutta quella roba che una volta era solida si è sciolta nell’aria e con essa i confini tra maker e designer, artisti e fabbricanti, per non parlare di identità un tempo onorate ma non più stabili per i media. Tadeusz Kantor ci ha lasciato a tutto ciò già qualche tempo fa. Julian Opie è un artista britannico che lavora in un momento modellato dallo schermo e dall’immagine in cui gli artisti si imbarcano in modi di fare e produrre arte che sono presenti e disponibili nel mondo, nel suo caso che vanno dalle tecnologie della stampa 3D ai mosaici romani. La rarità della sua arte non risiede nell’immagine o nell’oggetto, ma sta dietro a tutto ciò che è andato nella loro concezione, progettazione e realizzazione. La cosa più importante che posso dirvi è che non c’è bisogno di sapere molto o nulla di tutto questo al fine di incontrare fruttuosamente e godere del lavoro. Cioè, finché cedi a guardarlo nello stesso modo disinibito di quando guardi da vicino il mondo.