Un’intervista con Gregory Crewdson

Gregory Crewdson è uno dei più noti e influenti fotografi d’arte che lavorano oggi. Attualmente è il direttore del dipartimento di fotografia della Yale University, dove ha ricevuto il suo MFA presto.

Il suo lavoro è riconosciuto a livello internazionale come unico per la tecnica di illuminazione minuziosa, che crea con l’aiuto di troupe fotografiche molto grandi. La sua serie più recente si intitola Cathedral of the Pines, recentemente esposta alla Gagosian Gallery di New York.

Nota: Le foto in questa intervista contengono alcune nudità.

Ken Weingart: Quando hai pensato di diventare un fotografo?

Gregory Crewdson: Penso che il mio primo ricordo di fotografie sia venuto quando mio padre mi ha portato al Museum of Modern Art quando avevo dieci anni per vedere la retrospettiva di Diane Arbus. Ricordo precisamente che fu la prima sensazione che ebbi che le fotografie potessero avere urgenza psicologica e potere. Questa è stata la mia prima comprensione del mistero e della complessità delle immagini.

Ma non è stato fino a più tardi nella vita che sono diventato un fotografo praticante. Ho preso la mia prima classe di foto a SUNY Acquisto quando ero uno studente universitario. È venuto fuori dalle frustrazioni con gli accademici generali perché sono dislessico, e ho sempre avuto difficoltà a leggere, scrivere e fare test.

Originariamente, volevo studiare psicologia e seguire il percorso di mio padre, ma avevo una cotta per una ragazza che era la fotografia maggiore. Ho finito per prendere un corso di fotografia tenuto da Laurie Simmons. Fu lì che scattai le mie prime foto e mi innamorai della fotografia. Penso che sia stata la quiete e la staticità delle fotografie, che mi ha affascinato perché, come ho detto prima, ho problemi con i miei pensieri lineari. Quindi aveva perfettamente senso per me.

Prima di Yale stavi creando il tuo portfolio?

Sì. Ho avuto questo strano tre vie maggiore a SUNY acquisto che era la fotografia, studi cinematografici, e letteratura americana. Era come un’educazione alle arti liberali. Sono andato a Yale circa un anno dopo mi sono laureato presso il dipartimento di fotografia SUNY Acquisto.

Yale era la stessa di ora, e in che modo l’esperienza lì ti ha aiutato a raggiungere dove sei oggi?

Era molto diverso allora. Sono il regista ora, ma la struttura del programma rimane la stessa. Quando ero lì, era molto più orientato verso una comprensione tradizionale del mezzo. Ha ancora quei valori, ma penso che abbiamo aperto abbastanza drammaticamente. Non so se la scuola di specializzazione ti aiuta necessariamente. È di progettazione che sei spinto al limite. È un programma molto impegnativo. Semmai, mi ha aiutato a difendere la mia posizione particolare. Penso che sia ciò che la scuola di specializzazione è destinata a fare mentre stai diventando maggiorenne come fotografo. Ogni artista raggiunge la maggiore età, e quando si arriva alla maggiore età nei primi anni ‘ 20, sei una sorta di set con i problemi e consensi per il resto della tua vita. Non cambi molto da quel momento in poi. Puoi reinventarti in piccoli gradi.

Hai detto che ogni artista ha una storia da raccontare. Ma non ci sono musicisti, pittori, fotografi, ecc. che si reinventano e fanno qualcosa di totalmente diverso-o non lo comprate?

Quando dico che gli artisti hanno una storia da raccontare, non voglio dire che necessariamente sarà sempre lo stesso. Quello che voglio dire è che la storia è raccontata attraverso il loro lavoro, ed è lì che si possono vedere le ossessioni. Puoi vedere le paure, i desideri, i capisaldi della tua storia, eppure potrebbe cambiare radicalmente in termini di aspetto. Se segui lo sviluppo di un artista nel tempo, di molti campi, direi che la storia principale rimane la stessa.

I temi della tua storia-puoi metterli in una parola o due? È solitudine o isolamento?

Se sapessi esattamente cosa fosse quella storia, non avrei dovuto fare le foto. Sento che parte della storia, o parte del tenore centrale di quella storia, è una ricerca di connessione o una ricerca di casa, una ricerca di qualche tipo di connessione al di fuori di te stesso — un senso ragionevole di ordine. La fotografia è uno sforzo solitario, e penso che tutti i fotografi siano in un modo o nell’altro attratti dal mezzo da una sorta di punto di vista alienato. Solo l’atto di guardare attraverso una lente, un mirino, è un atto di separazione. È un tentativo di cercare di trovare la connessione al di fuori di te stesso.

La Cattedrale dei Pini era basata sui luoghi che tuo padre ti mostrò. Come è nata l’idea? Hai lanciato attraverso un’agenzia o online?

C’è stato un lungo periodo tra i Santuari, il mio ultimo corpo di lavoro, e la Cattedrale dei Pini —soprattutto perché ho attraversato un periodo molto difficile della mia vita. Ho avuto un divorzio difficile. Ho due figli; Mi sono trasferito da New York, e in una chiesa nel Massachusetts. Stavo attraversando un periodo di dislocazione e disagio. Ho iniziato a fare lunghe passeggiate lungo il sentiero degli Appalachi, e facendo lunghe nuotate.

Potresti sapere che sono un nuotatore in acque libere e uno sciatore di fondo durante l’inverno. Questo era tutto un modo per cercare di riconnettermi alla natura. E stavo facendo tutte le foto a Becket, dove la mia famiglia aveva una casa. E un inverno, stavo sciando in una pineta. E c’è un piccolo cartello che dice: Cattedrale dei Pini. Quello fu il momento in cui mi venne l’idea.

E questo è stato un piacevole, sforzo creativo?

Beh, non lo definirei mai piacevole, non è la parola che userei mai. I tiri erano impegnativi. Lavoriamo come una troupe cinematografica, e le condizioni erano difficili. Stavamo lavorando su un piccolo budget, e in condizioni avverse, e tutte quelle lotte hanno reso tutto il meglio. Ti senti vivo. Ma non è necessariamente divertente. Quando ti senti vivo, ti senti sfidato, ti senti creativo. Ma è molto più facile non lavorare che lavorare. Quando non fai foto, non sei sfidato. Quindi si riduce a questo davvero.

Hai detto che se non stai lavorando ti senti come una frode.

Beh sì. Sei conosciuto come artista e insegnante, ed è quello che fai. Quindi, quando non fai quello che predichi, è fraudolento. Per quanto riguarda i soggetti, tutte le persone sono della zona. Lavoro a stretto contatto con Juliane, che credo tu abbia incontrato. E ‘ in molte foto. Lei è il mio studio manager e il direttore creativo. E ‘ anche la mia compagna e musa.

Come ti sei evoluto in riprese con luci così cinematografiche e grandi troupe? È insolito per un fotografo d’arte avere una troupe cinematografica completa.

Lavoro a stretto contatto con un DP, un direttore della fotografia. Abbiamo lavorato insieme per molti anni. Se c’è una caratteristica che separa il mio lavoro da altri artisti, è la luce. E per me è la cosa più importante di tutta l’impresa — la luce. È come si racconta la storia in fotografia, attraverso la luce. Abbiamo iniziato a lavorare in modo più drammatico in questo modo con la serie Twilight.

Usi tutta la luce continua? Ed è stato difficile mettere insieme il budget?

È tutta luce continua, ed è messa in scena in modo molto elaborato. Uno dei nostri tratti distintivi è avere grandi luci negli ascensori, come la luce del giorno. Sì, è stato difficile, ma sai una cosa? La cosa che le persone non capiscono completamente è che il processo è iniziato in modo molto organico. E ‘ iniziato lentamente, e il piccolo gruppo è diventato un gruppo più grande. Poi, lentamente ma inesorabilmente, abbiamo messo insieme una squadra nel corso degli anni, e improvvisamente si sta lavorando con una squadra. Per me, questo è il modo in cui so come fare le immagini.

Ti mancano scatti più piccoli e intimi dei vecchi tempi?

Cattedrale dei Pini negli standard relativi, è molto più piccolo di qualsiasi cosa abbiamo mai fatto-come con Sotto le rose. Avevamo un gruppo molto piccolo, perché volevo che le immagini si sentissero intime.

Eppure, essendo così dimestichezza con grandi equipaggi non hai mai pensato di dirigere lungometraggi?

Beh, in realtà è sempre stata una domanda in corso. Siamo in discussione in questo momento in termini di possibilità di fare un film — un film di Hollywood. Potrebbe succedere. Potrebbe non succedere. Quindi dovrebbe essere assolutamente la circostanza giusta perché accada.

Ma una volta hai detto che non potevi dirigere, non è quello che fai.

Penso come un fotografo. Penso in termini di immagini fisse. Quindi se faccio un film, non assomiglierebbe a nessun altro. Avrebbe una sensazione più urgente di altri film perché sarebbe da un punto di vista di un fotografo.

Quindi stai guardando gli script?

Riceviamo script tutto il tempo. Juliane ed io abbiamo lavorato su una sceneggiatura. Lei e ‘ la scrittrice, e io prendo appunti.

Hai perseguito molto editoriale o fotografia pubblicitaria?

N. Non mi interessa davvero. Ho fatto un paio di cose, rare eccezioni. Ma mi sento come se fossi un artista prima di tutto, e se usi la tua sensibilità per vendere qualcosa, allora non è più tuo in realtà.

È un compito. Alcune persone non conoscono la differenza.

Sì.

Si spara per lo più in Massachusetts. Hai mai pensato di fare qualcosa di urbano, in un posto molto diverso come a New York City o in Cina?

No, penso che certi artisti abbiano certe aree, o un luogo a cui rispondono, a cui piace lavorare e questo è il caso di me.

Chi sono alcuni dei tuoi fotografi preferiti, passati o presenti? Credo che Diane Arbus sia li ‘ dentro?

Arbus, di sicuro, Eggleston, Walker Evans. Mio figlio si chiama Walker dopo Walker Evans. Cindy Sherman, certo. Questi sono alcuni dei miei preferiti.

Hai usato per sparare 8 x 10 per molti anni, e ora si sta girando in digitale. Qual è il tuo sistema ora, e ti manca 8 x 10, o ti senti liberato?

Sì. Ho usato per avere questa espressione, perché ho lavorato con 8x 10 per così tanto tempo nella mia vita, che si vive e muore dal 8 x10. È una fotocamera così limitata, ma ha anche una tale chiarezza e una bella descrizione. Eppure è una bestia-è ingombrante e ha una messa a fuoco limitata. Posso onestamente dire che quando ero finito con Sotto le rose, ero finito con il 8 x 10. Non mi manca in alcun modo, e non riesco a immaginare di tornarci. Ma questo non significa che mi pento di usarlo. L’ho adorato. Ora scatto con una telecamera Phase One, ma è impostata come una telecamera.

Come è la qualità nelle vostre stampe?

È ancora meglio. Solo in termini di facilità e di essere in grado di vedere cosa stai girando. Uno dei grandi inconvenienti di ripresa 8 x 10 è che non si può vedere quello che stai guardando. Uno dei grandi paradossi nel fare questa enorme produzione è che sei cieco su ciò che sta succedendo con le immagini.

Con la carta Epson che usi, c’è un tipo che preferisci, lucido o opaco, e di solito hai bordi bianchi?

Epson sponsorizzato la mia ultima serie, e mi ha dato una nuova stampante con carta. La carta che uso è carta che non era sul mercato, ma penso che sia ora. Non è il mio campo di competenza, quindi dovrò chiedere alla mia stampante qual è il nome della carta. Mi piace lustro. Per Cathedral of the Pines, abbiamo solo pensato che sarebbe stato bello avere un bordo bianco.

Firmi le tue impronte sul davanti, o sul retro, o per niente?

L’immagine è montata e incorniciata, quindi la firma è su un adesivo che fa parte della cornice.

E fai edizioni di cinque?

Tre.

E hai un framer?

Sì. Mark Elliot, che e ‘ a Boston.

E Gagosian è la tua galleria principale?

Gagosian è la mia galleria principale. Lavoro direttamente con loro. Lo adoro. E ‘ molto grande galleria e abbiamo avuto un ottimo rapporto di lavoro finora. Poi, come la mostra sorta di apertura a diversi paesi, e lavoreremo con altre gallerie pure.

Hai qualcosa da dire all’artista sul mondo della galleria?

Penso che la cosa più importante sia capire che non importa cosa o dove arrivi, dovrai continuamente combattere — niente sarà mai facile. E dovrai sempre spingere in avanti e fare spazio per te stesso nel mondo.

Ci sono progetti artistici folli o selvaggi che non hai fatto che vuoi fare?

No, mi sento molto fortunato di essere in grado di ottenere esattamente ciò che voglio ottenere. Con Cathedral of the Pines, mi sento come se per la prima volta non avrei potuto fare le foto meglio di me. E ‘ stato molto soddisfacente.

In passato ti sei sentito come se avresti potuto fare meglio?

Sì, è naturale, ma per questa mostra, in parte perché ero assente dal mondo dell’arte per cinque anni, ha avuto una reazione schiacciante. E mi sento come se fossi completamente soddisfatto a un certo livello profondo. Soprattutto da quando mi sono isolato per anni.

Ti piace insegnare a Yale a New Haven?

Insegno da molto tempo e per me è molto prezioso insegnare. Ed è sempre importante sentirsi connessi con la prossima generazione di artisti che stanno arrivando. Impari quanto insegni. Mi avvicino come artista, e meno come accademico.

Quindi ha aiutato la tua arte?

Sì, di sicuro.

Pensi al tuo lavoro duraturo o di essere ricordato dopo che sei andato?

Beh, assolutamente. Voglio dire, questa è la tua eredità, questo è ciò che hai lasciato, e specialmente in questa epoca di Instagram, e immagini sui telefoni cellulari, e social media; è una vera sfida pensare che la fotografia significhi ancora qualcosa di importante.

Circa l’autore: Ken Weingart è un fotografo basato a Los Angeles ed a New York. Ha iniziato come assistente per un certo numero di fotografi di fama, lui lui stesso è diventato un fotografo pluripremiato con il lavoro che è stato ampiamente pubblicato in tutto il mondo. Puoi vedere il suo lavoro sul suo sito web e leggere i suoi scritti sul suo blog. Questa intervista è stata pubblicata anche qui.