Et Intervju Med Gregory Crewdson

Gregory Crewdson er en av de mest kjente og innflytelsesrike kunstfotografene som jobber i dag. Han er for Tiden direktør for fotografiavdelingen Ved Yale University hvor han mottok SIN MFA tidlig.

hans arbeid er internasjonalt anerkjent som enestående unikt for den omhyggelige belysningsteknikken, som han skaper ved hjelp av svært store fotomannskaper. Hans siste serie er Tittelen Cathedral Of The Pines, som nylig ble utstilt På Gagosian Gallery I New York City.

Merk: bildene i dette intervjuet inneholder noe nakenhet.

Ken Weingart: Når tenkte du på å bli fotograf?

Gregory Crewdson: Jeg tror mitt tidligste minne om fotografier kom da min far tok meg til Museum Of Modern Art da jeg var ti år gammel for Å se Diane Arbus retrospektiv. Jeg husker nettopp det var den første følelsen jeg hadde at fotografier kunne ha psykologisk haster og makt. Det var min første forståelse av mysteriet og kompleksiteten i bildene.

Men det var ikke før senere i livet at jeg ble en praktiserende fotograf. Jeg tok min første fotoklasse PÅ SUNY Purchase da jeg var en bachelor. Det kom ut av frustrasjonene med generelle akademikere fordi jeg er dyslektisk, og jeg har alltid hatt det vanskelig å lese, skrive og teste.

opprinnelig ønsket Jeg å studere psykologi og følge min fars sti, men jeg var forelsket i en jente som var fotografisk stor. Jeg endte opp med å ta en fotografering klasse undervist Av Laurie Simmons. Det var der jeg tok mine første bilder, og jeg ble forelsket i fotografering. Jeg tror det var stillheten og den statiske natur fotografier, som appellerte til meg fordi, som jeg sa tidligere, jeg har problemer med mine lineære tanker. Så det gjorde perfekt mening for meg.

Før Yale opprettet du din egen portefølje?

Ja. Jeg hadde denne rare treveis major PÅ SUNY Purchase som var fotografering, filmstudier og Amerikansk litteratur. Det var som en liberal arts utdanning. Jeg dro til Yale omtrent et år etter at jeg ble uteksaminert fra SUNY Purchase photography department.

Var Yale den samme Som den er nå, og hvordan hjalp opplevelsen der deg med å oppnå hvor du er i dag?

det var mye annerledes da. Jeg er direktør nå, men strukturen i programmet forblir den samme. Da jeg var der, var det mye mer rettet mot en tradisjonell forståelse av mediet. Det har fortsatt disse verdiene, men jeg tror vi har åpnet opp ganske dramatisk. Jeg vet ikke om graduate school nødvendigvis hjelper deg. Det er med design at du blir presset til grensen. Det er et veldig krevende program. Om noe, det hjalp meg forsvare min bestemt posisjon. Jeg tror det er hva graduate school er ment å gjøre som du kommer av alder som fotograf. Hver artist kommer av alder, og når du kommer av alder i begynnelsen av 20-årene, er du liksom satt med problemene og samtykker for resten av livet ditt. Du endrer egentlig ikke mye fra det øyeblikket. Du kan gjenoppfinne deg selv i små grader.

Du har sagt at hver artist har en historie å fortelle. Men er det ikke musikere, malere, fotografer, etc, som gjenoppfinner seg selv og gjør noe helt annet — eller kjøper du det ikke?

når jeg sier at kunstnere har en historie å fortelle, mener jeg ikke at det nødvendigvis alltid vil se ut som det samme. Det jeg mener er at historien blir fortalt gjennom sitt arbeid, og det er der du kan se besettelser. Du kan se frykten, ønskene, hjørnesteinene i historien din, men det kan endre seg dramatisk når det gjelder utseendet. Hvis du følger noen kunstnerutvikling over tid, på mange felt, vil jeg hevde at kjernehistorien forblir den samme.

Your story themes-kan du sette dem i et ord eller to? Er det ensomhet eller isolasjon?

hvis jeg visste nøyaktig hva den historien var, ville jeg ikke måtte lage bildene. Jeg føler at en del av historien, eller en del av den sentrale tenoren i den historien, er et søk etter tilkobling eller et søk etter hjem, et søk etter en slags forbindelse utenfor deg selv — en fornuftig følelse av orden. Fotografering er en ensom innsats, og jeg tror alle fotografer er på en eller annen måte trukket til mediet av en slags fremmedgjort synspunkt. Bare det å se gjennom en linse, en view – finder, er en handling av separasjon. Det er et forsøk på å prøve å finne forbindelsen utenfor deg selv.

Cathedral Of The Pines var basert på steder din far viste deg. Hvordan kom ideen til? Har du kastet gjennom et byrå eller online?

det var en lang periode mellom Helligdommer, mitt siste arbeid og Pines Katedral – mest fordi jeg gikk gjennom en svært vanskelig periode i livet mitt. Jeg gikk gjennom en vanskelig skilsmisse. Jeg har to barn; jeg flyttet ut Av New York, og inn i en kirke I Massachusetts. Jeg gikk gjennom en periode med dislokasjon og motgang. Jeg begynte å ta lange turer opp Appalachian Trail, og gjør lange svømmer.

Du vet kanskje at jeg er en åpen vann svømmer og langrennsløper om vinteren. Dette var en måte å prøve å koble meg til naturen. Ja, jeg lagde alle bildene i Becket, hvor familien min pleide a ha et hus. Og en vinter, jeg var langrenn i en furuskog. Og Det er et lite skilt som sa, Cathedral Of The Pines. Det var da ideen kom til meg.

og dette var en hyggelig, kreativ bestrebelse?

vel, jeg vil aldri kalle det hyggelig, det er ikke ordet jeg noen gang ville bruke. Skuddene var utfordrende. Vi jobber som et filmteam, og forholdene var vanskelige. Vi jobbet på et lite budsjett, og under ugunstige forhold, og alle disse kampene gjorde det enda bedre. Du føler deg levende. Men det er ikke nødvendigvis hyggelig. Når du føler deg levende, føler du deg utfordret, du føler deg kreativ. Men det er mye lettere å ikke jobbe enn å jobbe. Når du ikke lager bilder, blir du ikke utfordret. Så det kommer ned til det virkelig.

Du har sagt at hvis du ikke jobber, føler du deg som en svindel.

Vel ja. Du er kjent som en kunstner og en lærer, og det er det du gjør. Så når du ikke gjør det du forkynner, er det uredelig. Når det gjelder fagene, er alle mennesker fra området. Jeg jobber veldig tett Med Juliane, som jeg tror du har møtt. Hun er med på mange av bildene. Hun er studiosjef og kreativ direktør. Hun er også min partner og muse.

Hvordan utviklet du deg til å skyte med slik filmbelysning og store mannskaper? Det er uvanlig for en kunstfotograf å ha et fullt filmteam.

jeg jobber veldig tett med EN DP, en direktør for fotografering. Vi har jobbet sammen i mange år. Hvis det er en egenskap som skiller mitt arbeid fra andre kunstnere, er det lyset. Og for meg er det det viktigste med hele virksomheten — lyset. Det er hvordan du forteller historien i fotografering, gjennom lys. Vi begynte å jobbe mer dramatisk på denne måten Med Twilight-serien.

bruker du alt kontinuerlig lys? Og var det vanskelig å få budsjettet sammen?

Det er alt kontinuerlig lys, og det er veldig kunstferdig iscenesatt. Et av våre kjennetegn er å ha store lys i heiser, som dagslys. Ja, det var vanskelig, men vet du hva? Det som folk bare ikke helt helt forstår er at prosessen startet veldig organisk. Det startet sakte, og den lille gruppen ble en større gruppe. Så sakte men sikkert, vi satt sammen et team gjennom årene, og plutselig du jobber med et mannskap. For meg er dette måten jeg vet hvordan å lage bilder.

savner du mindre, intime skudd fra gamle dager?

Cathedral Of The Pines i relative standarder, er mye mindre enn noe vi noensinne har gjort-som Med Beneath The Roses. Vi hadde en veldig liten gruppe, fordi jeg ønsket bildene til å føle intime.

men å være så kjent med store mannskaper du aldri tenkt på å regissere spillefilmer?

vel, faktisk har det alltid vært et pågående spørsmål. Vi er i diskusjoner akkurat nå når det gjelder muligheten for å lage en film-En Hollywood-film. Det kan skje. Det kan ikke skje. Så det må være helt riktig omstendighet for at det skal skje.

Men du sa en gang at du ikke kunne lede, det er ikke det du gjør.

jeg tenker som en fotograf. Jeg tenker i form av stillbilder. Så hvis jeg lager en film, ville det ikke se ut som noe annet. Det ville ha en mer presserende følelse enn andre filmer fordi det ville være fra et synspunkt av en stillfotograf.

så du ser på skript?

vi får skript hele tiden. Juliane og jeg har jobbet med et manus. Hun er forfatteren, og jeg tar notater.

har du fulgt mye redaksjonell eller reklame fotografering?

Nei. Det interesserer meg egentlig ikke. Jeg har gjort noen ting, sjeldne unntak. Men jeg føler at jeg er en kunstner fremst, og hvis du bruker din følsomhet til å selge noe, så er det ikke lenger din egentlig.

Det er en oppgave. Noen mennesker vet ikke forskjellen.

Ja.

du skyter mest i Massachusetts. Har du noen gang tenkt på å gjøre noe urbant, et helt annet sted Som I New York City eller Kina?

Nei, jeg tror visse kunstnere har visse områder, eller et sted de svarer på, som de liker å jobbe, og det er tilfelle med meg.

hvem er noen av dine favorittfotografer, fortid eller nåtid? Jeg tror Diane Arbus er der inne?

Arbus, Sikkert, Eggleston, Walker Evans. Sønnen Min heter Walker Etter Walker Evans. Cindy Sherman, selvfølgelig. Det er noen av mine favoritter.

Du pleide å skyte 8 x 10 i mange år, og nå skyter du digitalt. Hva er systemet ditt nå, og savner du 8 x 10, eller føler du deg frigjort?

Ja. Jeg pleide å ha dette uttrykket, fordi jeg har jobbet med 8x 10 så lenge i mitt liv, at du lever og dør av 8 x10. Det er et så begrenset kamera, men det har også en slik klarhet og vakker beskrivelse. Likevel er det et dyr — det er tungvint og har begrenset fokus. Jeg kan ærlig si at da jeg var ferdig Med Beneath The Roses, var jeg ferdig med 8 x 10. Jeg savner det ikke på noen måte, og jeg kan ikke forestille meg å gå tilbake til det. Men det betyr ikke at jeg angrer på at jeg brukte den. Jeg elsket det. Nå skyter jeg med Et Fase ett kamera, men det er satt opp som et visningskamera.

hvordan er kvaliteten på utskriftene dine?

det er enda bedre. Bare når det gjelder letthet, og å kunne se hva du skyter. En av de store ulempene med å skyte 8 x 10 er at du ikke kan se hva du ser på. Et av de store paradoksene ved å gjøre denne enorme produksjonen er at du er blind på hva som skjer med bildene.

Med Epson-papiret du bruker, er det en type du foretrekker, glans eller matt, og har du vanligvis hvite kanter?

Epson sponset min siste serie, og ga meg en helt ny skriver med papir. Papiret jeg bruker er papir som ikke var på markedet, men jeg tror det er nå. Det er ikke mitt fagområde, så jeg må spørre skriveren hva navnet på papiret er. Jeg liker luster. For Cathedral Of The Pines tenkte vi bare at det ville være fint å ha en hvit kant.

skriver du dine utskrifter på forsiden, eller baksiden, eller ikke i det hele tatt?

bildet er montert og innrammet, og deretter signaturen er på et klistremerke som er en del av rammen.

og du gjør utgaver av fem?

Tre.

Og du har en framer?

Ja. Mark Elliot, Som er I Boston.

Og Gagosian er ditt hovedgalleri?

Gagosian er mitt hovedgalleri. Jeg jobber direkte med dem. Jeg elsker det. Det er veldig stort galleri, og vi har hatt et veldig godt samarbeid så langt. Så som showet åpner for forskjellige land, og vi vil også jobbe med andre gallerier.

har du noe å si til kunstneren om galleriverdenen?

jeg tror det viktigste er å forstå at uansett hva eller hvor du får, vil du kontinuerlig måtte kjempe — ingenting vil noen gang komme lett. Og du må alltid presse fremover og gjøre plass til deg selv i verden.

Er det noen sprø eller ville kunstneriske prosjekter du ikke har gjort som du vil gjøre?

Nei, jeg føler at jeg er veldig heldig at jeg er i stand til å oppnå akkurat det jeg vil oppnå. Med Cathedral Of The Pines føler jeg for første gang at jeg ikke kunne ha gjort bildene bedre enn jeg gjorde. Det var veldig tilfredsstillende.

i det siste følte du at du kunne ha gjort det bedre?

Ja, det er naturlig, men for dette showet, delvis fordi jeg var fraværende fra kunstverdenen i fem år, har det hatt en overveldende stor reaksjon. Og jeg føler at jeg er helt fornøyd på et dypt nivå. Spesielt siden jeg har isolert meg i mange år.

liker du å undervise På Yale I New Haven?

jeg har undervist i lang tid,og for meg er det veldig verdifullt å undervise. Og det er alltid viktig å føle seg knyttet til neste generasjon kunstnere som kommer opp. Du lærer like mye som du lærer. Jeg nærmer meg det som en kunstner, og mindre som en akademisk.

så det har hjulpet din kunst?

ja, sikkert.

tenker du på arbeidet ditt varig eller blir husket etter at du er borte?

vel, absolutt. Jeg mener det er arven din, det er det du igjen med, og spesielt i Denne Alderen Av Instagram, og bilder på mobiltelefoner og sosiale medier; det er en reell utfordring å tenke på fotografiet som fortsatt betyr noe viktig.

Om Forfatteren: Ken Weingart er fotograf basert I Los Angeles og New York. Han startet som assistent for en rekke kjente fotografer, han han har siden blitt en prisbelønt fotograf selv med arbeid som har blitt mye publisert over hele verden. Du kan se hans arbeid på hans nettside og lese hans skriving på bloggen hans. Dette intervjuet ble også publisert her.