Articles /

Format scenariusza: wszystko, co musisz wiedzieć

Format scenariusza odnosi się do elementów treści i stylu na stronie scenariusza przy użyciu standardowego formatu przez przemysł filmowy, telewizyjny i komercyjny.

Standardowy Format scenariusza:

  • 12-czcionka Point Courier
  • 1,5-calowy lewy margines
  • 1-calowy prawy margines (od 0,5 cala do 1,25 cala), poszarpany
  • 1 calowy górny i dolny margines
  • około 55 linii na stronę, niezależnie od rozmiaru papieru. Nie obejmuje to numeru strony i spacji po niej
  • nawias aktora (wrylies) 3,1 cala od lewej strony strony (1,6 z marginesu)
  • nazwy głośników dialogowych (pisane wielkimi literami) 3,7 cala od lewej strony strony (2,2 z marginesu)
  • przejścia są pisane wielkimi literami (czasami ważne rekwizyty, dźwięki i ruchy kamery)
  • dialog 2,5 cala od lewej strony strony (1,5 cala od marginesu)
  • numery stron:
    • w prawym górnym rogu
    • Wyrównaj do prawego marginesu
    • pół cala od góry strony
    • liczby powinny mieć kropkę po
    • pierwsza strona nie jest numerowana
    • Strona tytułowa nie jest numerowana i nie liczy się jako strona pierwsza
    • pierwsza strona, która ma numer, to druga strona scenariusza (trzecia kartka papieru zawierająca stronę tytułową), która jest numerowana 2

Jeśli szukasz indywidualnych przykładów scenariuszy, oto ponad 70 przykładów scenariuszy z różnych filmów.

elementy formatu scenariusza

każdy scenariusz, bez względu na gatunek pisma czy fabuły, zawiera te same elementy organizacyjne. Te elementy pomagają każdemu, kto czyta scenariusz, zrozumieć, kto mówi lub co robi, kiedy, gdzie i jak. Oto elementy, których powinieneś użyć do uporządkowania treści wizualnej historii:

Fade In

to jest punkt wyjścia każdego skryptu. To wtedy obrazowa “kurtyna” podnosi się i zaczyna się historia. To wyrażenie przejściowe powinno być użyte tylko raz na samym początku skryptu, tuż przed nagłówkiem pierwszej sceny lub akapitem opisu sceny. Fraza powinna być pisana wielkimi literami i kończyć się dwukropkiem, aby wskazać kontynuację, gdy historia zaczyna się rozwijać — jako taka-FADE in:

jeśli Twoja historia zaczyna się od lektora lub efektu dźwiękowego, zanim widzowie zobaczą efekty wizualne, możesz rozpocząć scenariusz od OVER BLACK, a następnie zapisać lektor postaci jako nazwę postaci (V. O.) i linię lub po prostu zapisać efekt dźwiękowy w linii akcji. Gdy Twoja historia wprowadzi wizualizację, możesz oficjalnie zacząć od “FADE in:”.

nagłówek sceny

znany również jako “linia ślimaka”, nagłówek sceny krótko opisuje miejsce, w którym ma miejsce każda scena. Powinno być napisane we wszystkich końcówkach i używać kropek i myślników, aby prawidłowo segmentować każdą część, które są:

  • lokalizacja Ogólna: zdecyduj, czy scena ma miejsce wewnątrz, czy poza określonym miejscem. Użyj INT. (do wnętrza) lub wew. (Na Zewnątrz). Ten element pomaga ustalić otoczenie sceny.
  • konkretna lokalizacja: To jest dokładnie miejsce, w którym rozgrywa się scena, a kamera znajduje się w odniesieniu do postaci, co może pomóc czytelnikom lepiej wizualizować, gdzie są jako widzowie podczas oglądania sceny.
  • pora dnia: Dołącz porę dnia, aby pomóc czytelnikom śledzić oś czasu historii, a także lepiej ustawić scenę. Najczęściej używane pory dnia to dzień, noc, wieczór i okazjonalne później, które mogą być używane do wskazania, że niewiele czasu minęło.

oto kilka przykładów:

  • wew. BAR DLA MOTOCYKLISTÓW-NOC
  • INT. DRAB OFFICE-DAY
  • WEW. WIELKI KANION-WIECZÓR
  • INT. MAGGIE ‘ s GARAGE-LATER

nagłówki

nagłówki są jak małe linie ślimaka, które są bardziej swobodne i wyjaśniają, kiedy scena występuje w innym miejscu lub czasie (np. później lub w Bibliotece).

linie akcji

zwane również opisami scen, linie akcji służą do pokazania czytelnikom, co dzieje się w scenie. Obejmuje to:

  • opis postaci: Kiedy po raz pierwszy spotykamy postać, należy krótko opisać jej cechy, aby czytelnicy mogli zwizualizować, jak wygląda, jak chodzi i inne cechy fizyczne — a nawet osobowości—. Po pierwszym odwołaniu, napisz imię postaci we wszystkich caps.
  • opis sceny: choć jest to termin wymienny, opis sceny odnosi się również do ustawienia sceny. Krótko opisz wygląd, klimat, pogodę i cechy otoczenia, aby czytelnicy mogli wyraźnie zobaczyć, gdzie rozgrywa się historia.
  • Akcja znaku lub obiektu: Pokaż czytelnikowi, co robią postacie z mocnymi, precyzyjnymi, czynnymi czasownikami. Obiekty mogą również wykonywać akcje, takie jak ” telefon brzęczy na stole.”Jeśli przedstawiasz ważny obiekt lub chcesz wyróżnić ważną akcję, możesz zapisać obiekt lub akcję we wszystkich wielkościach, np.” pierścień spada z jego ręki.”lub” wbiła diament.”

mówiący znak

za każdym razem, gdy ktoś mówi, czy to na ekranie, czy w głosie, powinieneś napisać jego imię wszystkimi literami i wyśrodkować na środku strony. Zazwyczaj można po prostu użyć ich imienia lub pseudonimu, który oddaje ich osobowość. Tak czy inaczej, upewnij się, że wprowadziłeś ich nazwę i/lub pseudonim w opisie sceny wcześniej w skrypcie i zachowaj spójność przy oznaczaniu ich dialogów i działań w wierszach akcji.

dialog

ten element znajduje się pod nazwą znakową all-caps-and-centered, centered and justified. Użyj standardowej kapitalizacji i interpunkcji i ustaw ją w podwójnym odstępie. Jeśli chcesz, aby znak podkreślał słowo lub frazę, możesz je podkreślić. Ale używaj tego oszczędnie, aby aktorzy i reżyserzy mieli swobodę zabawy scenami.

oto pełny przykład:

LILY

dlaczego to zrobiłeś? Miałem to pod kontrolą! Ty

nigdy mi nie ufasz.

nawias

to są mini wskazówki od pisarza, które wyjaśniają, jak należy czytać linię. Na przykład:

(Defensywny)

ufam ci. Prosiłam o zabranie psa do weterynarza

nawiasy są również używane w rozszerzeniach wskazujących, kiedy znak mówi poza ekranem (O. S.) lub w głosie (V. O.), takie jak:

MATT (O. S.)

czy możesz przestać krzyczeć? Próbuję zasnąć.

CARLY (V. O.)

Matt zawsze próbował zasnąć.

inne zastosowania nawiasów to:

  • gdy znaki rozmawiają z urządzeniami, takimi jak telefony lub radia (do urządzenia)
  • gdy dialog z następnej sceny rozpoczyna się przed zakończeniem bieżącej sceny (Pre-lap)
  • gdy postacie wykonują czynności podczas mówienia (np. Rozciąganie, rysowanie, padanie na kolana)

ujęcia

określenie konkretnego typu ujęcia (takiego jak niski kąt) nie jest zbyt powszechne, scenarzyści określają ujęcia tylko wtedy, gdy są one krytyczne dla sceny.

montaż

Montaż w określonym formacie:

  1. najpierw piszesz “rozpocznij montaż”, jakby to był do nagłówka
  2. Wylistuj swoje sceny tak, jak zwykle
  3. Zatrzymaj montaż za pomocą “Zakończ montaż”, jakby to był do nagłówka

teksty

teksty w skryptach są trudne, ponieważ zajmują dużo strony miejsce, ale nie zajmuje dużo czasu na śpiewanie, a każda strona scenariusza filmowego powinna wynosić około jednej minuty czasu na ekranie. Zazwyczaj scenarzyści albo oddają tekst ujęciami i akcjami, albo opisują ogólny charakter utworu, a nie wypisują wszystkich słów.

Chyrony

tekst, który pojawia się na ekranie, aby wskazać czas i miejsce dla publiczności (zwykle w filmach szpiegowskich lub wojskowych). Najpierw rozpocznij linię działania słowem “CHYRON” (lub “tytuł”), a następnie tekstem chyrona.

Fade Out

to ostatnie przejście wskazuje na koniec twojej historii. Jest napisany po ostatniej linii działania lub dialogu po lewej stronie, około 6 cali od lewej krawędzi strony.

skrypt Spec vs. skrypt strzelania

dwa typy skryptów to skrypt spec i skrypt strzelania. Skrypt spekulacyjny, czyli” skrypt spekulacyjny ” to scenariusz, tylko zarys wizualnej historii. Scenariusz zdjęciowy to ewolucja na spec, który zawiera inne szczegóły potrzebne do produkcji i postprodukcji. Często obejmują one następujące dodatkowe elementy:

  • kąty kamery, jak ” zbliżenie na: “i” przesuń w dół do:”
  • numery scen do koordynowania scen napisanych i ich filmowych odpowiedników
  • sekwencje napisów, takie jak montaż wstępny
  • informacje o lokalizacji fotografowania
  • wstawki, które są notatkami, które kamera tnie do określonego obrazu, takiego jak”wstaw: zdjęcie”
  • przejścia są zazwyczaj zarezerwowane do edycji postprodukcyjnej. Przykłady obejmują:
    • “CUT TO”: każde przejście, które nie jest zaznaczone, zakłada się jako cięcie
    • “FADE TO”: przejście, w którym scena zanika do innej sceny
    • “SMASH to”:
    • “rozpuścić do”: scena, która “rozpuszcza się” w innej scenie, Zwykle wskazując, że minął czas
    • “Dopasuj do”: kiedy ostatnie ujęcie w poprzedniej scenie (np. ręka sięgająca po książkę) pasuje do pierwszego ujęcia w nowej scenie (np. ręka sięgająca po jabłko)
    • “INTERCUT”: gdy dwie sceny są odbijane tam iz powrotem, zwykle w przypadku połączeń telefonicznych

elementy te nie muszą znajdować się w scenariuszu spec, ponieważ producent, reżyser lub inni specjaliści od produkcji zajmą się decyzjami, które staną się dodatkowymi szczegółami w scenariuszu zdjęciowym.

Wskazówki dotyczące prawidłowego formatowania scenariusza

Oto kilka dodatkowych wskazówek, które pomogą Ci zoptymalizować format scenariusza:

  • użyj oprogramowania do pisania scenariuszy: Spraw, aby elementy formatowania, takie jak odstępy, wcięcia i marginesy, były łatwe za pomocą oprogramowania, takiego jak Final Draft, Celtx lub WriterDuet. Programy te nie tylko umożliwiają przełączanie między odpowiednio sformatowanymi elementami, takimi jak dialog znaków, ale także automatycznie ustawiają 1,5-calowy lewy margines i 1-calowy górny, dolny i prawy margines. Są również domyślnie 12-punktowa czcionka Courier, standard branżowy.
  • Ogranicz zwroty nawiasowe: należy ich używać oszczędnie, aby aktorzy i reżyserzy mogli przekazać emocje, których doświadczają bohaterowie. Staraj się ich używać tylko wtedy, gdy linia może być odczytana w sposób sprzeczny ze sceną.
  • unikaj niepotrzebnych przejść: chociaż niektórzy doświadczeni profesjonaliści mogą używać przejść, takich jak” CUT TO ” między scenami, ten mały wybór może faktycznie wpłynąć na czytelność skryptu. Trzymaj się nowego nagłówka sceny, co pomaga przenieść historię dobrze.
  • podziel duże bloki tekstu: jedna strona scenariusza równa się mniej więcej jednej minucie czasu ekranu,więc optymalizacja elementów może zapewnić, że liczba stron dokładniej odzwierciedla długość filmu. Rozbijaj duże bloki tekstu, takie jak linie akcji, które prowadzą do więcej niż trzech lub czterech linii na stronie. W przypadku monologów można je rozbić za pomocą linii działania, które przerywają mowę postaci.

kolejnym świetnym sposobem na rozwinięcie umiejętności pisania scenariuszy i uczynienie standardowego formatowania drugą naturą jest dołączenie do profesjonalnego kursu pisania lub programu. Instytut Filmowy Nashville może przygotować cię ze wszystkimi niezbędnymi umiejętnościami technicznymi i kreatywnymi, których potrzebujesz, aby odnieść sukces w branży filmowej.

Leave a Reply