Uma Entrevista com Gregory Crewdson

Gregory Crewdson é um dos mais conhecidos e influentes da arte fotógrafos que trabalham hoje. Ele é atualmente o diretor do Departamento de fotografia da Universidade de Yale, onde recebeu seu MFA desde o início.

seu trabalho é reconhecido internacionalmente como singularmente Único pela meticulosa técnica de iluminação, que ele cria com a ajuda de equipes de fotos muito grandes. Sua série mais recente é intitulada Catedral dos Pinheiros, que foi recentemente exibida na galeria Gagosian na cidade de Nova York. Nota: As fotos nesta entrevista contêm alguma Nudez.Ken Weingart: quando você pensou em se tornar um fotógrafo?Gregory Crewdson: acho que minha primeira lembrança de fotografias veio quando meu pai me trouxe ao Museu de Arte Moderna quando eu tinha dez anos para ver a retrospectiva de Diane Arbus. Lembro-me precisamente que foi o primeiro sentido que eu tinha que as fotografias poderiam ter urgência psicológica e poder. Essa foi minha primeira compreensão do mistério e complexidade das imagens.

mas não foi até mais tarde na vida que me tornei um fotógrafo praticante. Eu fiz minha primeira aula de fotografia na SUNY Purchase quando eu era estudante de graduação. Saiu das frustrações com acadêmicos em geral porque sou disléxico, e sempre tive dificuldade em ler, escrever e fazer testes.Originalmente, eu queria estudar psicologia e seguir o caminho do meu pai, mas eu tinha uma queda por uma garota que era especialista em fotografia. Acabei fazendo uma aula de fotografia ministrada por Laurie Simmons. Foi lá que tirei minhas primeiras fotos e me apaixonei pela fotografia. Acho que foi a quietude e a natureza estática das fotografias, que me atraiu porque, como disse anteriormente, tenho problemas com meus pensamentos lineares. Então, fazia todo o sentido para mim.

Antes de Yale você estava criando seu próprio portfólio?

Sim. Eu tinha esse estranho curso de três vias na SUNY Purchase que era fotografia, estudos de cinema e Literatura Americana. Era como uma educação em artes liberais. Eu fui para Yale cerca de um ano depois que me formei no departamento de Fotografia de compra SUNY.

Yale era o mesmo que é agora, e como a experiência lá ajudá-lo a alcançar onde você está hoje?

era muito diferente então. Eu sou o diretor agora, mas a estrutura do programa permanece a mesma. Quando eu estava lá, era muito mais voltado para uma compreensão tradicional do meio. Ainda tem esses valores, mas acho que nos abrimos dramaticamente. Eu não sei se a pós-graduação necessariamente ajuda você. É por design que você é empurrado para o limite. É um programa muito exigente. Se alguma coisa, isso me ajudou a defender minha posição particular. Acho que é isso que a escola de pós-graduação deve fazer quando você está envelhecendo como fotógrafo. Cada artista atinge a maioridade, e quando você atinge a maioridade no início dos anos 20, Você está meio que definido com os problemas e consentimentos para o resto de sua vida. Você realmente não muda muito a partir desse momento. Você pode se reinventar em pequenos graus.Você disse que cada artista tem uma história para contar. Mas não há músicos, pintores, fotógrafos, etc, que se reinventam e fazem algo totalmente diferente-ou você não compra isso?Quando digo que os artistas têm uma história para contar, não quero dizer que necessariamente ela sempre terá a mesma aparência. O que quero dizer é que a história é contada através de seu trabalho, e é aí que você pode ver as obsessões. Você pode ver os medos, os desejos, os pilares de sua história, mas isso pode mudar drasticamente em termos de aparência. Se você seguir qualquer desenvolvimento de artista ao longo do tempo, de muitos campos, eu diria que a história principal permanece a mesma.

seus temas de história-você pode colocá-los em uma ou duas palavras? É solidão ou isolamento?

se eu soubesse exatamente o que era essa história, não teria que fazer as fotos. Eu sinto que parte da história, ou parte do teor central dessa história, é uma busca por conexão ou uma busca por casa, uma busca por algum tipo de conexão fora de você — algum senso sensato de ordem. A fotografia é um esforço solitário, e acho que todos os fotógrafos são, de uma forma ou de outra, atraídos para o meio por uma espécie de ponto de vista alienado. Apenas o ato de olhar através de uma lente, um localizador de visão, é um ato de separação. É uma tentativa de tentar encontrar a conexão fora de você.A Catedral dos Pinheiros foi baseada em lugares que seu pai lhe mostrou. Como surgiu a ideia? Você lançou através de uma agência ou online?Houve um longo período entre santuários, meu último corpo de trabalho e Catedral dos Pinheiros —principalmente porque passei por um período muito difícil em minha vida. Passei por um divórcio difícil. Eu tenho dois filhos; eu me mudei de Nova York, e em uma igreja em Massachusetts. Eu estava passando por um período de deslocamento e dificuldades. Comecei a fazer longas caminhadas pela trilha dos Apalaches e a fazer longos banhos.

você pode saber que eu sou um nadador de águas abertas e esquiador cross-country durante o inverno. Foi tudo uma maneira de tentar me reconectar à natureza. E, eu estava fazendo todas as fotos em Becket, onde minha família costumava ter uma casa. E um inverno, eu estava esquiando em uma floresta de pinheiros. E há um pequeno sinal que dizia: Catedral dos Pinheiros. Esse foi o momento em que a ideia veio até mim.

e este foi um esforço agradável e criativo?

Bem, eu nunca chamaria de agradável, essa não é a palavra que eu jamais usaria. Os brotos foram desafiadores. Trabalhamos como uma equipe de filmagem, e as condições eram difíceis. Estávamos trabalhando em um orçamento pequeno, e sob condições adversas, e todas essas lutas tornaram tudo melhor. Você se sente vivo. Mas isso não é necessariamente agradável. Quando você se sente vivo, você se sente desafiado, você se sente criativo. Mas é muito mais fácil não trabalhar do que trabalhar. Quando você não está fazendo fotos, você não está sendo desafiado. Então, isso se resume a isso realmente.

você disse que se você não está trabalhando você se sente como uma fraude.

bem sim. Você é conhecido como artista e professor, e é isso que você faz. Então, quando você não está fazendo o que prega, isso é fraudulento. Quanto aos assuntos, todas as pessoas são da área. Eu trabalho muito de perto com Juliane, com quem eu acho que você se encontrou. Ela está em muitas fotos. Ela é minha gerente de estúdio e diretora criativa. Ela também é minha parceira e Musa.

como você evoluiu para filmar com essa iluminação cinematográfica e grandes equipes? É incomum para um fotógrafo de Belas Artes ter uma equipe de filmagem completa.

trabalho em estreita colaboração com um DP, diretor de fotografia. Trabalhamos juntos há muitos anos. Se há uma característica que separa meu trabalho de outros artistas, é a luz. E para mim é a coisa mais importante sobre toda a empresa — a luz. É como você conta a história na fotografia, através da luz. Começamos a trabalhar de forma mais dramática dessa maneira com a série Twilight.

você usa toda a luz contínua? E foi difícil reunir o orçamento?

é tudo luz contínua, e é muito elaboradamente encenado. Uma das nossas marcas é ter grandes luzes em elevadores, como a luz do dia. Sim, foi difícil, mas sabes que mais? O que as pessoas simplesmente não entendem completamente é que o processo começou muito organicamente. Começou devagar, e o pequeno grupo se tornou um grupo maior. Então, lenta mas seguramente, montamos uma equipe ao longo dos anos, e de repente você está trabalhando com uma equipe. Para mim, é assim que sei fazer fotos.

você sente falta de brotos menores e íntimos dos velhos tempos?Catedral dos Pinheiros em padrões relativos, é muito menor do que qualquer coisa que já fizemos — como com Debaixo das Rosas. Tivemos um grupo muito pequeno, porque eu queria que as fotos se sentissem íntimas.

ainda estando tão familiarizado com grandes equipes que você nunca pensou em dirigir longas-metragens?

bem, na verdade, sempre foi uma questão contínua. Estamos em discussões agora em termos da possibilidade de fazer um filme — um filme de Hollywood. Pode acontecer. Pode não acontecer. Portanto, teria que ser absolutamente a circunstância certa para que isso acontecesse.

mas uma vez você disse que não poderia dirigir, não é o que você faz.

eu acho que como um fotógrafo. Penso em termos de imagens estáticas. Então, se eu fizer um filme, não pareceria com nenhum outro. Teria uma sensação mais urgente do que outros filmes, porque seria do ponto de vista de um fotógrafo imóvel.

então você está olhando para scripts?

recebemos scripts o tempo todo. Juliane e eu temos trabalhado em um roteiro. Ela é a escritora, e eu tomo notas.

você já buscou muita Fotografia editorial ou publicitária?

não. Não me interessa. Fiz algumas coisas, raras exceções. Mas eu sinto que sou um artista em primeiro lugar, e se você usa sua sensibilidade para vender algo, então não é mais seu realmente.

é uma tarefa. Algumas pessoas não sabem a diferença.

Sim.

você atira principalmente em Massachusetts. Você já pensou em fazer algo urbano, em algum lugar muito diferente como na cidade de Nova York ou na China?Não, eu acho que certos artistas têm certas áreas, ou um lugar que eles respondem, que eles gostam de trabalhar e que é o caso comigo.

quem são alguns dos seus fotógrafos favoritos, passado ou presente? Acho que a Diane Arbus está aí?

Arbus, com certeza, Eggleston, Walker Evans. Meu filho se chama Walker em homenagem a Walker Evans. Cindy Sherman, claro. Esses são alguns dos meus favoritos.

você costumava atirar 8 x 10 por muitos anos, e agora você está atirando digitalmente. Qual é o seu sistema agora, e você sente falta de 8 x 10, ou você se sente liberado?

Sim. Eu costumava ter essa expressão, porque eu trabalhei com 8x 10 por tanto tempo na minha vida, que você vive e morre pelos 8×10. É uma câmera tão limitada, mas também tem tanta clareza e bela descrição. No entanto, é uma besta — é complicado e tem foco limitado. Posso dizer honestamente que quando eu terminei com under the Roses, eu terminei com o 8 x 10. Eu não sinto falta disso de forma alguma, e não consigo imaginar voltar a isso. Mas isso não significa que eu me arrependo de usá-lo. Adorei. Agora eu tiro com uma câmera de fase um, mas está configurado como uma câmera de visão.

como é a qualidade em suas impressões?

é ainda melhor. Apenas em termos de facilidade, e ser capaz de ver o que você está atirando. Uma das grandes desvantagens tiro 8 x 10 é que você não pode ver o que você está olhando. Um dos grandes paradoxos ao fazer essa enorme produção é que você é cego quanto ao que está acontecendo com as imagens.

com o papel Epson que você usa, existe um tipo que você prefere, brilho ou mate, e você geralmente tem bordas brancas?

Epson patrocinou minha última série, e me deu uma nova impressora com papel. O papel que eu uso é papel que não estava no mercado, mas eu acho que é agora. Não é meu campo de especialização, então terei que perguntar à minha impressora Qual é o nome do papel. Eu gosto de brilho. Para a Catedral dos Pinheiros, nós apenas pensamos que seria bom ter uma borda branca.

você assina suas impressões digitais na frente, ou nas costas, ou não?

a imagem é montada e emoldurada e, em seguida, a Assinatura está em um adesivo que faz parte do quadro.

e você faz edições de cinco?

três.

e você tem um framer?

Sim. Mark Elliot, que está em Boston.

e Gagosian é a sua galeria principal?

Gagosian é a minha galeria principal. Eu trabalho diretamente com eles. Eu amo isso. É uma galeria muito grande e tivemos uma relação de trabalho muito boa até agora. Então, à medida que o show se abre para diferentes países, e também trabalharemos com outras galerias.

você tem algo a dizer ao artista sobre o mundo da galeria?Acho que o mais importante é entender que não importa o que ou onde você conseguir, você terá que lutar continuamente-nada nunca será fácil. E você sempre terá que avançar e abrir espaço para si mesmo no mundo.

há algum projeto artístico louco ou selvagem que você não tenha feito que você quer fazer?

não, sinto que tenho muita sorte por conseguir exatamente o que quero alcançar. Com a Catedral dos Pinheiros, sinto que, pela primeira vez, não poderia ter feito as fotos melhor do que eu. Foi muito satisfatório.

no passado, você sentiu que poderia ter feito melhor?Sim, é natural, mas para este show, parcialmente porque eu estava ausente do mundo da arte por cinco anos, teve uma reação esmagadoramente grande. E eu sinto que estou completamente satisfeito em algum nível profundo. Especialmente desde que me isolei por anos.

você gosta de ensinar em Yale em New Haven?Tenho ensinado há muito tempo e, para mim, é muito valioso ensinar. E é sempre importante se sentir conectado com a próxima geração de artistas que estão chegando. Você aprende tanto quanto você ensina. Eu encaro isso como um artista, e menos como um Acadêmico.

então ajudou sua arte?

Sim, com certeza.

você pensa em seu trabalho duradouro ou ser lembrado depois que você se foi?

bem, absolutamente. Quero dizer, Esse é o seu legado, é com isso que você deixou, e especialmente nesta era do Instagram, e fotos em telefones celulares e mídias sociais; é um verdadeiro desafio pensar que a fotografia ainda significa algo importante.

sobre o autor: Ken Weingart é um fotógrafo baseado em Los Angeles e Nova York. Ele começou como assistente de vários fotógrafos renomados, ele se tornou um fotógrafo premiado com um trabalho amplamente publicado em todo o mundo. Você pode ver seu trabalho em seu site e ler sua escrita em seu blog. Esta entrevista também foi publicada aqui.