Patrons & Artists in Renaissance Italy

în timpul Renașterii, majoritatea operelor de artă plastică au fost comandate și plătite de conducători, instituții religioase și civice și bogați. Producerea de statui, fresce, altare și portrete au fost doar câteva dintre modalitățile prin care artiștii și-au câștigat existența. Pentru clientul mai modest, au existat articole gata făcute, cum ar fi plăci și figurine. Spre deosebire de astăzi, artistul renascentist era adesea așteptat să-și sacrifice propriile sentimente artistice și să producă exact ceea ce clientul comanda sau aștepta. Au fost întocmite contracte pentru comisioane care stipulau costul final, termenul, cantitatea de materiale prețioase care urmau să fie utilizate și poate chiar includeau o ilustrare a lucrărilor care urmau să fie întreprinse. Litigiile nu au fost neobișnuite, dar, cel puțin, o piesă de succes a ajutat la răspândirea reputației unui artist până la punctul în care ar putea avea mai mult control asupra operei lor.

cine au fost patronii artei?

în timpul Renașterii, era practica obișnuită ca artiștii să producă opere numai după ce li s-a cerut acest lucru de către un anumit cumpărător într-un sistem de patronaj cunoscut sub numele de mecenatismo. Deoarece abilitățile necesare erau neobișnuite, materialele costisitoare și timpul necesar adesea lung, majoritatea operelor de artă erau scumpe de produs. În consecință, clienții atelierului unui artist erau de obicei conducători de orașe sau ducate, Papi, aristocrați bărbați și femei, bancheri, comercianți de succes, notari, membri superiori ai clerului, ordine religioase și autorități civice și organizații precum bresle, spitale și confraternități. Astfel de clienți erau dornici nu numai să-și înconjoare viața de zi cu zi și clădirile cu lucruri frumoase, ci și să le demonstreze altora bogăția, bunul gust și evlavia.

conducătorii orașelor precum Medici din Florența și Gonzaga din Mantua au vrut să se prezinte pe ei înșiși și familia lor ca fiind de succes și astfel au fost dornici să fie asociați, de exemplu, cu eroi din trecut, reali sau mitologici. Papii și bisericile, în schimb, erau dornici ca arta să ajute la răspândirea mesajului creștinismului, oferind povești vizuale pe care chiar și analfabeții le-ar putea înțelege. În timpul Renașterii din Italia, a devenit, de asemenea, important ca orașele în ansamblu să cultive un anumit caracter și imagine. A existat o mare rivalitate între orașe precum Florența, Veneția, Mantua și Siena și au sperat că orice artă nouă produsă le va spori statutul în Italia sau chiar dincolo. Lucrările comandate public ar putea include portrete ale conducătorilor unui oraș (trecut și prezent), statui ale liderilor militari sau reprezentări ale figurilor clasice asociate în special cu acel oraș (de exemplu, Regele David pentru Florența). Din aceleași motive, orașele au încercat frecvent să braconeze artiști renumiți departe de un oraș pentru a lucra în orașul lor. Această piață rotativă a artiștilor explică, de asemenea, de ce, în special în Italia, cu numeroasele sale orașe-state independente, artiștii au fost întotdeauna foarte dornici să-și semneze lucrările și să contribuie astfel la propria lor reputație înfloritoare.

conducătorii orașelor, odată ce s-au găsit un bun artist, l-ar putea ține la curtea lor pe termen nelimitat pentru un număr mare de lucrări. Un artist de curte era mai mult decât un pictor și putea fi implicat în orice lucru artistic de la distanță, de la decorarea unui dormitor până la proiectarea livrelor și steagurilor armatei patronului lor. Pentru cei mai buni artiști, plata pentru munca lor la o anumită instanță ar putea depăși cu mult simplul numerar și ar include scutiri de impozite, reședințe palatiale, petice de pădure și titluri. Acest lucru a fost la fel de bine, deoarece majoritatea corespondenței supraviețuitoare pe care o avem de la artiști precum Leonardo da Vinci (1452-1519 CE) și Andrea Mantegna (c. 1431-1506 CE) implică cereri respectuoase, dar repetate, pentru salariul pe care îl promiseseră inițial patronii lor ilustri, dar cu pumnul strâns.

arta modestă, să zicem o mică statuie votivă sau o placă, se afla în mijlocul unor cetățeni mai umili, dar astfel de achiziții ar fi fost doar pentru ocazii speciale. Când oamenii s-au căsătorit, s-ar putea angaja un artist pentru a decora un piept, unele părți ale unei camere, sau un element fin de mobilier în noua lor casă. Plăcile de Relief pentru a lăsa în biserici în mulțumire pentru un eveniment fericit în viața lor a fost o achiziție comună, de asemenea, pentru oamenii obișnuiți. Astfel de plăci ar fi fost unul dintre puținele tipuri de artă produse în cantități mai mari și puse la dispoziție imediat. Alte opțiuni pentru artă mai ieftină au inclus dealeri la mâna a doua sau acele ateliere care ofereau obiecte minore precum gravuri, fanioane și cărți de joc care erau gata de vânzare, dar puteau fi personalizate, de exemplu, adăugând o stemă de familie sau un nume.

așteptări & contracte

oricine ar fi clientul artei renascentiste, ar putea fi foarte special despre cum arăta articolul finit. Acest lucru se datorează faptului că arta nu a fost produsă doar din motive estetice, ci pentru a transmite sens, așa cum s-a menționat mai sus. Nu a fost bine dacă un ordin religios a plătit pentru o frescă a sfântului lor fondator doar pentru a găsi opera de artă terminată conținea o figură de nerecunoscut. Mai simplu spus, artiștii ar putea fi imaginativi, dar nu ar merge atât de departe de convenție încât nimeni nu știa ce înseamnă sau reprezintă opera. Interesul pentru Literatura și arta clasică, care a fost o parte atât de importantă a Renașterii, a subliniat doar această cerință. Bogații aveau un limbaj comun al istoriei cu privire la cine era cine, cine ce făcea și ce atribute aveau în artă. De exemplu, Isus Hristos are părul lung, Diana poartă o suliță sau un arc, iar Sfântul Francisc trebuie să aibă câteva animale în apropiere. Într-adevăr, un tablou plin de referințe clasice a fost foarte de dorit, deoarece a creat o piesă de conversație pentru oaspeții de la cină, permițând celor bine educați să-și afișeze cunoștințele mai profunde despre antichitate. Pictura Primavera de Sandro Botticelli (1445-1510 CE), comandată de Lorenzo di Pierfrancesco de’ Medici, este un exemplu excelent și subtil al acestui limbaj comun al simbolismului.

ca o consecință a așteptărilor patronilor și pentru a evita dezamăgirea, contractele au fost întocmite în mod obișnuit între artist și patron. Designul, fie al unei statui, pictură, font de baptisteriu sau mormânt, ar putea fi convenit în detaliu în prealabil. Ar putea exista chiar și un model la scară mică sau o schiță făcută, care a devenit apoi o parte formală a contractului. Mai jos este un extras dintr-un contract semnat la Padova în 1466 CE care a inclus o schiță:

să fie evident pentru oricine va citi această lucrare că Domnul Bernardo de Lazzaro a contractat cu Maestrul Pietro Calzetta, pictorul, pentru a picta o capelă în Biserica Sf. În această capelă el trebuie să frescă tavanul cu patru profeți sau evangheliști pe un fundal albastru cu stele în aur fin. Toate frunzele de marmură care sunt în acea capelă ar trebui, de asemenea, să fie pictate cu aur fin și albastru, așa cum ar trebui să fie figurile de marmură și coloanele lor sculptate there…In altarul menționat, Maestrul Pietro trebuie să picteze o istorie similară cu cea din designul care se află pe această foaie…el trebuie să o facă similară cu aceasta, dar să facă mai multe lucruri decât sunt în designul menționat…Maestrul Pietro promite să termine toată lucrarea scrisă mai sus până la Paștele următor și promite că toată lucrarea va fi bine făcută și lustruită și promite să se asigure că lucrarea menționată va fi bună, solidă și suficientă cel puțin douăzeci și cinci de ani și, în caz de defect în munca sa, va fi obligat să plătească atât prejudiciul, cât și dobânda pentru muncă…

(Welch, 104)

taxele pentru un proiect au fost stabilite în contract și, la fel ca în exemplul de mai sus, a fost stabilită data de finalizare, chiar dacă negocierile ar putea continua mult timp după modificarea contractului. Lipsa datei de livrare promise a fost probabil cel mai frecvent motiv pentru litigii între patroni și artiști. Unele lucrări au necesitat utilizarea unor materiale scumpe (frunze de aur, incrustații de argint sau coloranți speciali, de exemplu) și acestea ar putea fi limitate în cantitate prin contract pentru a evita ca artistul să exagereze și să depășească bugetul. În cazul lucrărilor de aur sau al unei sculpturi fine din marmură, greutatea minimă a lucrării finite ar putea fi specificată în contract. Pentru picturi, prețul cadrului ar putea fi inclus în contract, un element care costă frecvent mai mult decât pictura în sine. Ar putea exista chiar și o clauză de ieșire pe care patronul ar putea evita să o plătească cu totul dacă piesa finită nu ar câștiga favoare cu un grup de experți independenți în artă. După semnarea unui contract, fiecare copie a fost păstrată de patron, artist și notar public.

în urma proiectului

odată ce termenii și condițiile au fost stabilite, artistul s-ar putea confrunta în continuare cu unele interferențe din partea patronului său, pe măsură ce proiectul s-a transformat în realitate. Autoritățile civice ar putea fi cele mai exigente dintre toți patronii, deoarece comitetele alese sau numite (opere) au discutat în detaliu proiectul, poate au organizat un concurs pentru a vedea ce artist va face treaba, a semnat contractul și apoi, după toate acestea, a înființat un grup special pentru a monitoriza lucrarea pe tot parcursul execuției sale. O problemă deosebită cu opere a fost că membrii lor s-au schimbat periodic (deși nu șeful lor, operaio) și astfel comisiile, deși nu pot fi anulate, ar putea fi văzute ca mai puțin importante sau prea scumpe de către diferiți oficiali de cei care au început inițial proiectul. Taxele au devenit o problemă continuă pentru Donatello (c. 1386-1466 CE) cu Gattamelata sa în Padova, o statuie ecvestră din bronz a liderului mercenar (condottiere) Erasmo da Narni (1370-1443 CE), și asta în ciuda faptului că Narni a lăsat în testamentul său o prevedere doar pentru o astfel de statuie.

unii patroni au fost foarte special, într-adevăr. Într-o scrisoare de la Isabella d ‘ Este (1474-1539 CE), soția lui Gianfrancesco II Gonzaga (1466-1519 CE), pe atunci conducător al Mantua, către Pietro Perugino (c. 1450-1523 CE), pictorului i s-a lăsat foarte puțină marjă de imaginație în pictura sa bătălia dintre dragoste și castitate. Isabella scrie:

invenția noastră poetică, pe care dorim foarte mult să o vedem pictată de tine, este o bătălie de castitate și lascivitate, adică Pallas și Diana luptând energic împotriva lui Venus și Cupidon. Și Pallas ar trebui să pară aproape de a fi învins Cupidon, având rupt săgeata lui de aur și a aruncat arcul său de argint în picioare, cu o mână ea îl deține de bandaj pe care băiatul ORB are în fața ochilor lui, și cu alte ea este de ridicare lance ei și pe cale să-l omoare…

scrisoarea continuă astfel pentru mai multe paragrafe și se încheie cu:

vă trimit toate aceste detalii într-un desen mic, astfel încât atât cu descrierea scrisă, cât și cu desenul să puteți lua în considerare dorințele mele în această chestiune. Dar dacă credeți că poate există prea multe figuri în această imagine pentru o singură imagine, vă rămâne să le reduceți după bunul plac, cu condiția să nu eliminați baza principală, care constă din cele patru figuri ale lui Pallas, Diana, Venus și Cupidon. În cazul în care apare nici un inconvenient mă voi considera bine mulțumit; sunteți liberi să le reduceți, dar să nu adăugați nimic altceva. Vă rugăm să vă mulțumiți cu acest aranjament.

, 360)

portretele trebuie să fi fost o zonă deosebit de tentantă pentru interferența patronilor și ne întrebăm ce au crezut clienții despre inovații precum viziunea de trei sferturi a lui Leonardo da Vinci asupra subiecților săi sau absența simbolurilor de statut convenționale, cum ar fi bijuteriile. Unul dintre oasele disputei dintre Papa și Michelangelo (1475-1564 CE) în timp ce picta tavanul Capelei Sixtine a fost că artistul a refuzat să-l lase pe patronul său să vadă lucrarea până la finalizare.

în cele din urmă, nu era neobișnuit ca patronii să apară undeva în opera de artă pe care o comandaseră, un exemplu fiind Enrico Scrovegni, îngenuncheat în secțiunea Judecata de Apoi a frescelor lui Giotto din Capela Scrovegni din Padova. Sandro Botticelli (1445-1510 CE) a reușit chiar să intre într-o întreagă familie de medici seniori în Adorația sa din 1475 CE a Magilor. În același timp, artistul s-ar putea pune în lucrare, a se vedea, de exemplu, bustul lui Lorenzo Ghiberti (1378-1455 CE) în ușile sale cu lambriuri de bronz ale Baptisteriului din Florența.

reacție Post-proiect

în ciuda restricțiilor contractuale, ne putem imagina că mulți artiști au încercat să împingă limitele a ceea ce fusese convenit anterior sau pur și simplu au experimentat abordări noi ale unui subiect obosit. Unii patroni, desigur, ar fi putut chiar să încurajeze o astfel de independență, mai ales atunci când lucrează cu artiști mai celebri. Cu toate acestea, chiar și cei mai renumiți artiști ar putea avea probleme. Nu era necunoscut, de exemplu, ca o frescă să nu fie apreciată și astfel să fie pictată și apoi refăcută de un alt artist. Chiar și Michelangelo s-a confruntat cu acest lucru când și-a finalizat frescele în Capela Sixtină. Unii dintre clerici s-au opus cantității de nuduri și au propus să le înlocuiască în întregime. Un compromis a fost stabilit și ‘pantalonii’ au fost pictați pe figurile ofensatoare de către un alt artist. Cu toate acestea, faptul că mulți artiști au primit comisioane repetate ar sugera că patronii erau mai des mulțumiți decât nu de achizițiile lor și că, ca și astăzi, exista o anumită respect pentru licența artistică.

patronii cu siguranță ar putea fi dezamăgiți de un artist, cel mai frecvent de ei niciodată de finisare lucrarea la toate, fie pentru că au ieșit peste un dezacord cu privire la proiectarea sau pur și simplu au avut prea multe proiecte în curs de desfășurare. Michelangelo a fugit din Roma și Saga interminabilă care a fost proiectarea și execuția mormântului Papei Iulius al II-lea (r. 1503-1513 CE), în timp ce Leonardo da Vinci era cunoscut pentru că nu a terminat Comisioanele pur și simplu pentru că mintea sa hiperactivă și-a pierdut interesul pentru ele după un timp. În unele cazuri, maestrul artist ar fi putut lăsa în mod deliberat unele părți ale lucrării pentru a fi terminate de asistenții săi, un alt punct de care un înțelept patron ar putea să se ferească în contractul inițial. Pe scurt, deși, litigii pentru încălcarea contractului nu au fost un eveniment mai puțin frecvente și, la fel ca punerea în funcțiune un artist astăzi, se pare că un patron renascentist ar putea fi încântat, surprins, nedumerit, sau de-a dreptul revoltat la opera de artă terminat au plătit pentru.