en intervju med Gregory Crewdson

Gregory Crewdson är en av de mest kända och inflytelserika konstfotograferna som arbetar idag. Han är för närvarande chef för fotografiavdelningen vid Yale University där han fick sin MFA tidigt.

hans arbete är internationellt erkänt som unikt unikt för den noggranna belysningstekniken, som han skapar med hjälp av mycket stora fotobesättningar. Hans senaste serie heter Cathedral of the Pines, som nyligen ställdes ut på Gagosian Gallery i New York City.

Obs: bilderna i den här intervjun innehåller lite nakenhet.

Ken Weingart: när tänkte du på att bli fotograf?

Gregory Crewdson: jag tror att mitt tidigaste minne av fotografier kom när min far tog mig till Museum of Modern Art när jag var tio år gammal för att se Diane Arbus retrospektiv. Jag minns exakt att det var den första känslan jag hade att fotografier kunde ha psykologisk brådska och kraft. Det var min första förståelse av bildernas mysterium och komplexitet.

men det var inte förrän senare i livet som jag blev en praktiserande fotograf. Jag tog min första fotokurs på SUNY Purchase när jag var grundutbildning. Det kom ut ur frustrationerna med allmänna akademiker eftersom jag är dyslexisk, och jag har alltid haft svårt att läsa, skriva och testa.

ursprungligen ville jag studera psykologi och följa min fars väg, men jag hade en förälskelse på en tjej som var fotografering. Jag slutade med en fotokurs undervisad av Laurie Simmons. Det var där jag tog mina första bilder, och jag blev kär i fotografering. Jag tror att det var stillheten och den statiska naturen hos fotografier, som tilltalade mig eftersom jag, som jag sa tidigare, har problem med mina linjära tankar. Så det var perfekt för mig.

innan Yale skapade du din egen portfölj?

Ja. Jag hade denna konstiga trevägs major på SUNY Purchase som var fotografi, filmstudier och amerikansk litteratur. Det var som en liberal konstutbildning. Jag gick till Yale ungefär ett år efter att jag tog examen från SUNY Purchase photography department.

var Yale detsamma som det är nu, och hur hjälpte erfarenheten där dig att uppnå var du är idag?

det var mycket annorlunda då. Jag är regissören nu, men programmets struktur förblir densamma. När jag var där var det mycket mer inriktat på en traditionell förståelse av mediet. Det har fortfarande dessa värden, men jag tror att vi har öppnat ganska dramatiskt. Jag vet inte om Forskarskolan nödvändigtvis hjälper dig. Det är genom design som du pressas till gränsen. Det är ett mycket krävande program. Om något hjälpte det mig att försvara min speciella position. Jag tror att det är vad forskarskolan är tänkt att göra när du kommer ålder som fotograf. Varje artist kommer av ålder, och när du kommer av ålder i början av 20-talet, Du slags set med frågor och samtycke för resten av ditt liv. Du ändrar inte riktigt mycket från det ögonblicket. Du kan uppfinna dig själv i små grader.

du har sagt att varje artist har en historia att berätta. Men finns det inte musiker, målare, fotografer, etc, som återuppfinner sig själva och gör något helt annat — eller köper du inte det?

när jag säger att artister har en historia att berätta, menar jag inte att det nödvändigtvis alltid kommer att se likadant ut. Vad jag menar är att historien berättas genom sitt arbete, och det är där du kan se besattheterna. Du kan se rädslan, önskningarna, hörnstenarna i din berättelse, men det kan förändras dramatiskt när det gäller dess utseende. Om du följer någon konstnärsutveckling över tid, av många områden, skulle jag hävda att kärnhistorien förblir densamma.

Your story themes – kan du lägga dem i ett ord eller två? Är det ensamhet eller isolering?

om jag visste exakt vad den historien var, skulle jag inte behöva göra bilderna. Jag känner att en del av berättelsen, eller en del av den centrala tenoren i den historien, är en sökning efter anslutning eller en sökning efter hem, en sökning efter någon form av anslutning utanför dig själv — någon förnuftig känsla av ordning. Fotografering är en ensam strävan, och jag tror att alla fotografer på ett eller annat sätt dras till mediet genom en slags alienerad synvinkel. Bara handlingen att titta genom en lins, En view – finder, är en handling av separation. Det är ett försök att försöka hitta anslutningen utanför dig själv.

Cathedral of the Pines baserades på platser som din far visade dig. Hur kom tanken till? Har du kastat via en byrå eller online?

det var en lång period mellan helgedomar, mitt sista arbete och Katedralen i tallarna —mest för att jag gick igenom en mycket svår period i mitt liv. Jag gick igenom en svår skilsmässa. Jag har två barn; jag flyttade från New York, och in i en kyrka i Massachusetts. Jag gick igenom en period av förskjutning och svårigheter. Jag började ta långa promenader upp Appalachian Trail, och gör långa simmar.

du kanske vet att jag är en öppet vatten simmare och längdskidåkare under vintern. Allt detta var ett sätt att försöka återansluta mig till naturen. Och, jag gjorde alla bilder i Becket, där min familj brukade ha ett hus. Och en vinter var jag längdskidåkning i en tallskog. Och det finns ett litet tecken som sagt, Cathedral of the Pines. Det var det ögonblick som tanken kom till mig.

och detta var en trevlig, kreativ strävan?

Tja, jag skulle aldrig kalla det roligt, det är inte det ord jag någonsin skulle använda. Skotten var utmanande. Vi arbetar som en film besättning, och förhållandena var svåra. Vi arbetade på en liten budget, och under ogynnsamma förhållanden, och alla dessa kampar gjorde det allt bättre. Du känner dig levande. Men det är inte nödvändigtvis roligt. När du känner dig levande känner du dig utmanad, du känner dig kreativ. Men det är mycket lättare att inte arbeta än att arbeta. När du inte gör bilder blir du inte utmanad. Så det kommer ner till det verkligen.

du har sagt att om du inte arbetar känner du dig som ett bedrägeri.

Tja ja. Du är känd som konstnär och lärare, och det är vad du gör. Så när du inte gör vad du predikar är det bedrägligt. När det gäller ämnena är alla människor från området. Jag jobbar mycket nära med Juliane, som jag tror att du har träffat. Hon är på många av bilderna. Hon är min studio manager och creative director. Hon är också min partner och Musa.

Hur utvecklades du till fotografering med sådan filmbelysning och stora besättningar? Det är ovanligt att en konstfotograf har en full filmbesättning.

jag arbetar mycket nära med en DP, en regissör för fotografering. Vi har arbetat tillsammans i många år. Om det finns en egenskap som skiljer mitt arbete från andra artister, är det ljuset. Och för mig är det det viktigaste med hela företaget — ljuset. Det är så du berättar historien i fotografi, genom ljus. Vi började arbeta mer dramatiskt på detta sätt med Twilight-serien.

du använder allt kontinuerligt ljus? Var det svårt att få ihop budgeten?

det är allt kontinuerligt ljus, och det är väldigt detaljerat iscensatt. Ett av våra kännetecken är att ha stora lampor i hissar, som dagsljus. Ja, det var svårt, men vet du vad? Det som människor bara inte riktigt förstår helt är att processen började mycket organiskt. Det började långsamt, och den lilla gruppen blev en större grupp. Sedan sakta men säkert, vi sätter ihop ett team genom åren, och plötsligt du arbetar med en besättning. För mig är det så jag vet hur man gör bilder.

saknar du mindre, intima skott från gamla dagar?

Cathedral of the Pines i relativa standarder, är mycket mindre än någonting vi någonsin har gjort — som med under the Roses. Vi hade en mycket liten grupp, för jag ville att bilderna skulle känna sig intima.

men att vara så förtrogen med stora besättningar du aldrig tänkt på att styra långfilmer?

Tja, det har faktiskt alltid varit en pågående fråga. Vi är i diskussioner just nu när det gäller möjligheten att göra en film — en Hollywood-film. Det kan hända. Det kanske inte händer. Så det måste vara helt rätt omständighet för att det ska hända.

men du sa en gång att du inte kunde styra, det är inte vad du gör.

jag tänker som en fotograf. Jag tänker på stillbilder. Så om jag gör en film, det skulle inte se ut som någon annan. Det skulle ha en mer brådskande känsla än andra filmer eftersom det skulle vara ur en stillbilds synvinkel.

så du tittar på skript?

vi får skript hela tiden. Juliane och jag har jobbat på ett manus. Hon är författaren, och jag antecknar.

har du bedrivit mycket redaktionell eller reklamfotografering?

Nej. Det intresserar mig inte riktigt. Jag har gjort några saker, sällsynta undantag. Men jag känner att jag är en konstnär främst, och om du använder din känslighet för att sälja något, så är det inte längre ditt.

det är en uppgift. Vissa människor vet inte skillnaden.

Ja.

du skjuter mest i Massachusetts. Tänker du någonsin på att göra något urbant, någonstans väldigt annorlunda som i New York City eller Kina?

Nej, Jag tror att vissa artister har vissa områden, eller en plats de svarar på, som de gillar att arbeta och det är fallet med mig.

vilka är några av dina favoritfotografer, tidigare eller nuvarande? Jag tror att Diane Arbus är där inne?

Arbus, säkert, Eggleston, Walker Evans. Min son heter Walker efter Walker Evans. Cindy Sherman, förstås. Det är några av mina favoriter.

du brukade skjuta 8 x 10 i många år, och nu fotograferar du digitalt. Vad är ditt system nu, och saknar du 8 x 10, eller känner du dig befriad?

Ja. Jag brukade ha detta uttryck, för jag har arbetat med 8x 10 så länge i mitt liv att du lever och dör av 8 x10. Det är en så begränsad kamera, men den har också en sådan tydlighet och vacker beskrivning. Ändå är det ett odjur — det är besvärligt och har begränsat fokus. Jag kan ärligt säga att när jag var klar med under the Roses, jag var klar med 8 x 10. Jag saknar det inte på något sätt, och jag kan inte tänka mig att någonsin gå tillbaka till det. Men det betyder inte att jag ångrar att använda den. Jag älskade det. Nu fotograferar jag med en fas en kamera, men den är inställd som en kamera.

hur är kvaliteten i dina utskrifter?

det är ännu bättre. Bara när det gäller lätthet, och att kunna se vad du skjuter. En av de stora nackdelarna med att skjuta 8 x 10 är att du inte kan se vad du tittar på. En av de stora paradoxerna i att göra denna enorma produktion är att du är blind för vad som händer med bilderna.

med Epson-papperet du använder, finns det en typ du föredrar, glans eller matt, och har du vanligtvis vita kanter?

Epson sponsrade min sista serie och gav mig en helt ny skrivare med papper. Det papper Jag använder är papper som inte fanns på marknaden men jag tror att det är nu. Det är inte mitt kompetensområde, så jag måste fråga min skrivare vad namnet på papperet är. Jag gillar lyster. För Cathedral of the Pines trodde vi bara att det skulle vara trevligt att ha en vit kant.

signerar du dina utskrifter på framsidan eller baksidan, eller inte alls?

bilden är monterad och inramad, och sedan är signaturen på en klistermärke som ingår i ramen.

och du gör utgåvor av fem?

tre.

och du har en framer?

Ja. Mark Elliot, som är i Boston.

och Gagosian är ditt huvudgalleri?

Gagosian är mitt huvudgalleri. Jag arbetar direkt med dem. Jag älskar det. Det är väldigt stort galleri och vi har haft ett riktigt bra samarbete hittills. Sedan som showen slags öppnar för olika länder, och vi kommer att arbeta med andra gallerier samt.

har du något att säga till konstnären om gallerivärlden?

jag tror att det viktigaste är att förstå att oavsett vad eller var du kommer, måste du ständigt kämpa — ingenting kommer någonsin att bli lätt. Och du måste alltid driva framåt och göra plats för dig själv i världen.

finns det några galna eller vilda konstnärliga projekt som du inte har gjort som du vill göra?

Nej, Jag känner att jag är väldigt lycklig att jag kan uppnå exakt vad jag vill uppnå. Med Cathedral of the Pines känner jag mig som för första gången jag inte kunde ha gjort bilderna bättre än jag gjorde. Det var mycket tillfredsställande.

tidigare kände du att du kunde ha gjort bättre?

Ja, det är naturligt, men för den här showen, delvis för att jag var frånvarande från konstvärlden i fem år, har den haft en överväldigande stor reaktion. Och jag känner att jag är helt nöjd på någon djup nivå. Särskilt eftersom jag isolerade mig i flera år.

tycker du om att undervisa på Yale i New Haven?

jag har undervisat länge, och för mig är det mycket värdefullt att undervisa. Och det är alltid viktigt att känna sig kopplad till nästa generation av artister som kommer upp. Du lär dig lika mycket som du lär. Jag närmar mig det som konstnär, och mindre som akademiker.

så det har hjälpt din konst?

Ja, säkert.

tänker du på att ditt arbete varar eller kommer ihåg när du är borta?

Tja, absolut. Jag menar att det är ditt arv, det är vad du har kvar, och särskilt i denna tid av Instagram, och bilder på mobiltelefoner och sociala medier; Det är en riktig utmaning att tänka på fotografiet som fortfarande betyder något viktigt.

om författaren: Ken Weingart är en fotograf baserad i Los Angeles och New York. Han började som assistent för ett antal kända fotografer, han han har sedan dess blivit en prisbelönt fotograf själv med arbete som har publicerats i stor utsträckning över hela världen. Du kan se hans arbete på hans hemsida och läsa hans skrivande på sin blogg. Denna intervju publicerades också här.