Patrons & Artists in Renaissance Italy

under renässansen beställdes och betalades de flesta konstverk av härskare, religiösa och medborgerliga institutioner och de rika. Att producera statyer, fresker, altartavlor och porträtt var bara några av de sätt som konstnärer levde på. För den mer blygsamma klienten fanns färdiga föremål som plack och figurer. Till skillnad från idag förväntades renässanskonstnären ofta offra sina egna konstnärliga känslor och producera exakt vad kunden beställde eller förväntade sig. Kontrakt upprättades för provisioner som fastställde den slutliga kostnaden, tidsskalan, mängden värdefulla material som skulle användas och kanske till och med innehöll en illustration av det arbete som skulle utföras. Tvister var inte ovanliga men åtminstone en framgångsrik Bit hjälpte till att sprida en konstnärs rykte till den punkt där de kanske skulle kunna ha mer kontroll över sitt arbete.

Vem var beskyddare av konst?

under renässansen var det vanligt att konstnärer bara producerade verk när de hade blivit ombedda att göra det av en specifik köpare i ett system av beskydd som kallas mecenatismo. Eftersom de färdigheter som krävdes var ovanliga, materialen kostsamma och den tid som behövdes ofta långa, var de flesta konstverk dyra att producera. Följaktligen var kunderna på en konstnärs verkstad vanligtvis härskare över städer eller hertigdömen, påvarna, manliga och kvinnliga aristokrater, bankirer, framgångsrika köpmän, notarier, högre medlemmar av prästerskapet, religiösa ordningar och medborgerliga myndigheter och organisationer som Guilder, sjukhus och broderskap. Sådana kunder var angelägna om att inte bara omge sina dagliga liv och byggnader med trevliga saker utan också att visa för andra sin rikedom, god smak och fromhet.

härskare av städer som Medici i Florens och Gonzaga i Mantua ville skildra sig själva och sin familj som framgångsrika och så var de angelägna om att associeras med till exempel hjältar från det förflutna, verkliga eller mytologiska. Påvar och kyrkor, i kontrast, var angelägna om konst för att hjälpa till att sprida budskapet om kristendomen genom att ge visuella berättelser även analfabeter kunde förstå. Under renässansen i Italien blev det också viktigt för städer som helhet att odla en viss karaktär och bild. Det fanns en stor rivalitet mellan städer som Florens, Venedig, Mantua och Siena, och de hoppades att någon ny konst som producerades skulle förbättra deras status inom Italien eller till och med bortom. Offentligt beställda verk kan inkludera porträtt av en stads härskare (tidigare och nuvarande), statyer av militära ledare eller representationer av klassiska figurer som är särskilt associerade med den staden (till exempel kung David för Florens). Av samma skäl försökte städer ofta pochera kända konstnärer från en stad för att arbeta i sin stad istället. Denna roterande konstnärsmarknad förklarar också varför konstnärer, särskilt i Italien med sina många oberoende stadstater, alltid var mycket angelägna om att underteckna sitt arbete och på så sätt bidra till sitt eget växande rykte.

städernas härskare, när de väl hade hittat sig en bra konstnär, kunde hålla honom vid sin domstol på obestämd tid för ett stort antal verk. En ‘court artist’ var mer än bara en målare och kunde vara inblandade i något distans konstnärliga, från att dekorera ett sovrum för att utforma leveranser och flaggor av deras beskyddare army. För de allra bästa artisterna, betalning för sitt arbete vid en viss domstol kan gå långt utöver bara kontanter och inkluderar skattelättnader, palatsliknande bostäder, fläckar av skog, och titlar. Detta var lika bra eftersom majoriteten av överlevande korrespondens vi har från sådana artister som Leonardo da Vinci (1452-1519 CE) och Andrea Mantegna (c. 1431-1506 CE) innebär respektfulla men upprepade krav på lönen som deras berömda, men ändå tätt fistade beskyddare, ursprungligen hade lovat dem.

Modest konst, säg en liten Votiv staty eller plack, var inom hjälp av mer ödmjuka medborgare, men sådana inköp skulle bara ha varit för speciella tillfällen. När människor gifte sig kan de anställa en konstnär för att dekorera en kista, vissa delar av ett rum eller en fin möbel i sitt nya hem. Relief plaques att lämna i kyrkor tack för en lycklig händelse i deras liv var också ett vanligt köp för vanligt folk. Sådana plack skulle ha varit en av de få typer av konst som produceras i större mängder och görs lätt tillgängliga ‘över disk’. Andra alternativ för billigare konst inkluderade begagnade återförsäljare eller de verkstäder som erbjöd sådana mindre föremål som gravyrtryck, vimplar och spelkort som var färdiga för försäljning men kunde anpassas genom att till exempel lägga till ett familjevapen eller ett namn till dem.

förväntningar & kontrakt

vem klienten av renässanskonst, de kunde vara mycket speciella om hur den färdiga artikeln såg ut. Detta berodde på att konst inte bara producerades av estetiska skäl utan för att förmedla mening, som nämnts ovan. Det var inte bra om en religiös ordning betalade för en fresco av deras grundande helgon bara för att hitta det färdiga konstverket innehöll en oigenkännlig figur. Enkelt uttryckt kunde konstnärer vara fantasifulla men inte gå så långt från konventet att ingen visste vad arbetet betydde eller representerade. Intresset för klassisk litteratur och konst som var en så viktig del av renässansen betonade bara detta krav. De rika hade ett gemensamt språk i historien om vem som var vem, vem gjorde vad och vilka attribut de hade i konst. Till exempel har Jesus Kristus långt hår, Diana bär ett spjut eller en båge, och Saint Francis måste ha några djur i närheten. Verkligen, en målning fylld med klassiska referenser var mycket önskvärt eftersom det skapade en konversation bit för middagsgäster, låta välutbildade att visa sin djupare kunskap om antiken. Primavera-målningen av Sandro Botticelli (1445-1510 CE), beställd av Lorenzo di Pierfrancesco de’ Medici, är ett utmärkt och subtilt exempel på detta vanliga symboliska språk.

som en följd av förväntningarna hos beskyddare, och för att undvika besvikelse, upprättades vanligtvis kontrakt mellan konstnär och beskyddare. Designen, oavsett om det är en staty, målning, dopfunt eller grav, kan komma överens om i detalj i förväg. Det kan till och med finnas en liten modell eller en skiss gjord, som sedan blev en formell del av kontraktet. Nedan följer ett utdrag ur ett kontrakt undertecknat i Padua 1466 CE som inkluderade en skiss:

låt det vara uppenbart för alla som kommer att läsa detta dokument att Bernardo de Lazzaro hade kontrakterat med mästaren Pietro Calzetta, målaren, för att måla ett kapell i kyrkan St.Anthony som är känt som eukaristins kapell. I detta kapell ska han fresco taket med fyra profeter eller evangelister mot en blå bakgrund med stjärnor i fint guld. Alla marmorblad som finns i det kapellet bör också målas med fint guld och blått, liksom marmorfigurerna och deras kolumner som är snidade there…In den nämnda altartavlan, Master Pietro är att måla en historia som liknar den i designen som finns på detta blad … han är att göra det liknar detta men att göra fler saker än vad som finns i nämnda design … Master Pietro lovar att avsluta allt arbete skrivet ovan av nästa påsk och lovar att allt arbete kommer att vara välgjord och polerad och lovar att se till att nämnda arbete kommer att minst tjugofem år och i händelse av fel i sitt arbete kommer han att vara skyldig att betala både skadan och räntan på arbetet …

(Welch, 104)

avgifterna för ett projekt anges i kontraktet och, som i exemplet ovan, slutdatum fastställdes, även om förhandlingarna kan fortsätta långt efter att ändra kontraktet. Att missa det utlovade leveransdatumet var kanske den vanligaste orsaken till tvister mellan kunder och artister. Vissa verk krävde användning av dyra material (guldblad, silverinlägg eller speciella färgämnen, till exempel) och dessa kan begränsas i kvantitet av kontraktet för att undvika att konstnären överdriver och går över budgeten. När det gäller guldarbete eller en fin marmorskulptur kan minimivikten för det färdiga arbetet anges i kontraktet. För målningar kan ramens pris inkluderas i kontraktet, ett föremål som ofta kostar mer än själva målningen. Det kan till och med finnas en get-out-klausul som beskyddaren kunde undvika att betala helt om det färdiga stycket inte fick fördel med en panel av oberoende konstexperter. Efter ett kontrakt undertecknades, en kopia var hålls av beskyddare, konstnär, och notarie.

efter projektet

när villkoren har avgjorts kan konstnären fortfarande möta en viss inblandning från sin beskyddare när projektet utvecklades till verklighet. Medborgerliga myndigheter kan vara den mest krävande av alla beskyddare som valda eller utsedda utskott (opere) diskuterade projektet i detalj, kanske höll en tävling för att se vilken artist skulle göra jobbet, undertecknade kontraktet, och sedan, efter allt som, etablerat en särskild grupp för att övervaka arbetet under hela dess genomförande. Ett särskilt problem med opere var att deras medlemmar bytte regelbundet (även om inte deras chef, operaio) och så uppdrag, även om de kanske inte avbröts, kunde ses som mindre viktiga eller för dyra av olika tjänstemän från dem som ursprungligen startade projektet. Avgifter blev en pågående Fråga för Donatello (c. 1386-1466 CE) med sin Gattamelata i Padua, en brons ryttarstaty av legosoldatledaren (condottiere) Erasmo da Narni (1370-1443 CE), och detta trots att Narni i sitt testamente har lämnat en bestämmelse för just en sådan staty.

vissa kunder var verkligen mycket speciella. I ett brev från Isabella d ‘ Este (1474-1539 CE), fru till Gianfrancesco II Gonzaga (1466-1519 CE), sedan härskare över Mantua, till Pietro Perugino (c. 1450-1523 CE), lämnades målaren mycket liten marginal för fantasi i sin målning striden mellan kärlek och kyskhet. Isabella skriver:

vår poetiska uppfinning, som vi mycket vill se målad av dig, är en kamp om kyskhet och Lasciviousness, det vill säga Pallas och Diana kämpar kraftigt mot Venus och Cupid. Och Pallas borde tyckas nästan ha besegrat Amor, efter att ha brutit sin gyllene pil och kastat sin silverbåge under foten; med ena handen håller hon honom vid bandaget som den blinda pojken har framför ögonen, och med den andra lyfter hon sin lans och håller på att döda honom…

brevet fortsätter så här i flera stycken och avslutas med:

jag skickar dig alla dessa detaljer i en liten ritning så att du med både den skriftliga beskrivningen och ritningen kommer att kunna överväga mina önskemål i denna fråga. Men om du tror att det kanske finns för många figurer i detta för en bild, är det upp till dig att minska dem som du vill, förutsatt att du inte tar bort huvudbasen, som består av de fyra figurerna Pallas, Diana, Venus och Cupid. Om inget besvär uppstår kommer jag att betrakta mig väl nöjd; du är fri att minska dem, men inte lägga till något annat. Var nöjd med detta arrangemang.

(Paoletti, 360)

porträtt måste ha varit ett särskilt frestande område för patroninterferens och man undrar vad kunderna tyckte om sådana innovationer som Leonardo da Vincis trekvartsvy av sina ämnen eller frånvaron av konventionella statussymboler som smycken. Ett av tvistebenen mellan påven och Michelangelo (1475-1564 CE) medan han målade taket i Sixtinska kapellet var att konstnären vägrade att låta sin beskyddare se verket tills det var klart.

slutligen var det inte ovanligt att beskyddare dök upp någonstans i det konstverk de hade beställt, ett exempel var Enrico Scrovegni, som knäböjde i sista Domssektionen av Giottos fresker i Scrovegni-kapellet i Padua. Sandro Botticelli (1445-1510 CE) lyckades till och med komma in i en hel familj av senior Medici i sin 1475 CE-tillbedjan av Magi. Samtidigt kan konstnären sätta sig i verket, se till exempel bysten av Lorenzo Ghiberti (1378-1455 CE) i sina bronspaneldörrar till Florens dopkapell.

post-Project Reaction

trots avtalsbegränsningarna kan vi föreställa oss att många artister försökte driva gränserna för vad som tidigare överenskommits eller helt enkelt experimenterade med nya tillvägagångssätt för ett trött ämne. Vissa beskyddare kan naturligtvis till och med ha uppmuntrat sådant oberoende, särskilt när man arbetar med mer kända artister. Men även de mest kända artisterna kan komma i trubbel. Det var inte okänt, till exempel för en fresco att inte uppskattas och så målas över och sedan göras om av en annan konstnär. Även Michelangelo mötte detta när han slutförde sina fresker i det Sixtinska kapellet. Några av prästerskapet motsatte sig mängden nakenbilder och föreslog att de skulle ersättas helt. En kompromiss avgjordes och ‘byxor’ målades på de felande figurerna av en annan konstnär. Det faktum att många artister fick upprepade uppdrag tyder dock på att kunderna oftare var nöjda än inte med sina inköp och att det, som idag, fanns en viss respektfull respekt för konstnärlig licens.

kunder kan säkert bli besvikna av en konstnär, oftast av dem som aldrig avslutar arbetet alls, antingen för att de gick ut över en oenighet om designen eller de hade helt enkelt för många projekt pågående. Michelangelo flydde från Rom och den oändliga sagan som var utformningen och utförandet av påven Julius II (r. 1503-1513 CE), medan Leonardo da Vinci var ökänd för att inte avsluta uppdrag helt enkelt för att hans överaktiva sinne tappade intresset för dem efter ett tag. I vissa fall kan mästerkonstnären medvetet ha lämnat vissa delar av arbetet för att slutföras av sina assistenter, en annan punkt som en klok beskyddare kunde skydda sig mot i det ursprungliga kontraktet. Kortfattat, fastän, tvister för avtalsbrott var inte en ovanlig händelse och, precis som idrifttagning en konstnär idag, det verkar som om en renässans beskyddare kunde vara glad, förvånad, förvirrad, eller rent upprörda över den färdiga konstverk de hade betalat för.