Una entrevista con Gregory Crewdson

Gregory Crewdson es uno de los fotógrafos de bellas artes más conocidos e influyentes que trabajan en la actualidad. Actualmente es director del departamento de fotografía de la Universidad de Yale, donde recibió su maestría en Bellas Artes desde el principio.

Su trabajo es reconocido internacionalmente como único por la minuciosa técnica de iluminación, que crea con la ayuda de equipos de fotografía muy grandes. Su serie más reciente se titula Catedral de los Pinos, que se exhibió recientemente en la Galería Gagosian en la ciudad de Nueva York.

Nota: Las fotos de esta entrevista contienen algo de desnudez.

Ken Weingart: ¿Cuándo pensaste en convertirte en fotógrafo?

Gregory Crewdson: Creo que mi primer recuerdo de las fotografías llegó cuando mi padre me llevó al Museo de Arte Moderno cuando tenía diez años para ver la retrospectiva de Diane Arbus. Recuerdo precisamente que esa fue la primera sensación que tuve de que las fotografías podían tener urgencia psicológica y poder. Esa fue mi primera comprensión del misterio y la complejidad de las imágenes.

Pero no fue hasta más tarde en la vida que me convertí en fotógrafo en ejercicio. Tomé mi primera clase de fotografía en SUNY Purchase cuando era estudiante. Surgió de las frustraciones con los académicos generales porque soy disléxico, y siempre he tenido dificultades para leer, escribir y tomar exámenes.

Originalmente, quería estudiar psicología y seguir el camino de mi padre, pero estaba enamorada de una chica que se especializaba en fotografía. Terminé tomando una clase de fotografía impartida por Laurie Simmons. Fue allí donde tomé mis primeras fotos, y me enamoré de la fotografía. Creo que fue la quietud y la naturaleza estática de las fotografías lo que me atrajo porque, como dije antes, tengo problemas con mis pensamientos lineales. Así que tenía perfecto sentido para mí.

Antes de Yale, ¿creabas tu propio portafolio?

Sí. Tuve una extraña carrera a tres bandas en SUNY Purchase que era fotografía, estudios de cine y literatura estadounidense. Era como una educación de artes liberales. Fui a Yale un año después de graduarme en el departamento de fotografía de SUNY Purchase.

Yale fue la misma que es ahora, y ¿cómo le ayudó la experiencia allí a alcanzar donde está hoy?

era muy diferente entonces. Ahora soy el director, pero la estructura del programa sigue siendo la misma. Cuando estuve allí, estaba mucho más orientado hacia una comprensión tradicional del medio. Todavía tiene esos valores, pero creo que nos hemos abierto de forma bastante dramática. No se si la escuela de posgrado necesariamente te ayuda. Es por diseño que se le empuja al límite. Es un programa muy exigente. En todo caso, me ayudó a defender mi posición particular. Creo que eso es lo que la escuela de posgrado está destinada a hacer a medida que alcanzas la mayoría de edad como fotógrafo. Todos los artistas llegan a la mayoría de edad, y cuando llegas a la mayoría de edad a principios de los 20, estás listo para los problemas y los consentimientos por el resto de tu vida. No cambias mucho a partir de ese momento. Puedes reinventarte en pequeños grados.

Has dicho que cada artista tiene una historia que contar. Pero, ¿no hay músicos, pintores, fotógrafos, etc, que se reinventan y hacer algo totalmente diferente — o no comprar?

Cuando digo que los artistas tienen una historia que contar, no quiero decir que necesariamente siempre se vea igual. Lo que quiero decir es que la historia se cuenta a través de su trabajo, y ahí es donde se pueden ver las obsesiones. Puedes ver los miedos, los deseos, las piedras angulares de tu historia, sin embargo, podría cambiar drásticamente en términos de su apariencia. Si sigues el desarrollo de algún artista a lo largo del tiempo, de muchos campos, diría que la historia central sigue siendo la misma.

Los temas de tu historia, ¿puedes ponerlos en una o dos palabras? ¿Es soledad o aislamiento?

Si supiera exactamente qué es esa historia, no tendría que hacer las fotos. Siento que parte de la historia, o parte del tenor central de esa historia, es una búsqueda de conexión o una búsqueda de hogar, una búsqueda de algún tipo de conexión fuera de ti mismo, algún sentido sensible del orden. La fotografía es un esfuerzo solitario, y creo que todos los fotógrafos se sienten atraídos de una u otra manera por el medio por una especie de punto de vista alienado. Sólo el acto de mirar a través de una lente, un visor, es un acto de separación. Es un intento de tratar de encontrar la conexión fuera de ti mismo.

La Catedral de los Pinos se basó en los lugares que tu padre te mostró. ¿Cómo surgió la idea? ¿Hiciste el casting a través de una agencia o en línea?

Hubo un largo período entre los Santuarios, mi último trabajo, y la Catedral de los Pinos, principalmente porque pasé por un período muy difícil en mi vida. Pasé por un divorcio difícil. Tengo dos hijos; me mudé de Nueva York a una iglesia en Massachusetts. Estaba pasando por un período de dislocación y dificultades. Empecé a dar largos paseos por el Sendero de los Apalaches y a nadar mucho.

Es posible que sepa que soy nadador en aguas abiertas y esquiador de fondo durante el invierno. Todo esto fue una forma de intentar reconectarme con la naturaleza. Y estaba haciendo todas las fotos en Becket, donde mi familia tenía una casa. Y un invierno, estaba esquiando a campo traviesa en un bosque de pinos. Y hay un pequeño cartel que decía, Catedral de los Pinos. Ese fue el momento en que se me ocurrió la idea.

¿Y este fue un esfuerzo divertido y creativo?

Bueno, nunca lo llamaría agradable, esa no es la palabra que jamás usaría. Las tomas fueron un reto. Trabajamos como un equipo de cine, y las condiciones eran difíciles. Estábamos trabajando con un presupuesto pequeño y en condiciones adversas, y todas esas luchas lo mejoraron. Te sientes vivo. Pero eso no es necesariamente agradable. Cuando te sientes vivo, te sientes desafiado, te sientes creativo. Pero es mucho más fácil no trabajar que trabajar. Cuando no estás haciendo fotos, no estás siendo desafiado. Así que todo se reduce a eso en realidad.

Has dicho que si no estás trabajando te sientes como un fraude.

Bueno, sí. Eres conocido como artista y maestro, y eso es lo que haces. Así que cuando no haces lo que predicas, eso es fraudulento. En cuanto a los sujetos, todas las personas son de la zona. Trabajo muy de cerca con Juliane, con quien creo que has conocido. Está en muchas de las fotos. Ella es mi gerente de estudio y la directora creativa. También es mi compañera y musa.

¿Cómo evolucionaste para rodar con tanta iluminación cinematográfica y grandes equipos? Es inusual que un fotógrafo de bellas artes tenga un equipo de filmación completo.

Trabajo muy de cerca con un director de fotografía, un director de fotografía. Hemos trabajado juntos durante muchos años. Si hay una característica que separa mi trabajo de otros artistas, es la luz. Y para mí es lo más importante de toda la enterprise: la luz. Es la forma de contar la historia en la fotografía, a través de la luz. Empezamos a trabajar más dramáticamente de esta manera con la serie Crepúsculo.

usar toda luz continua? ¿Y fue difícil reunir el presupuesto?

Todo es luz continua,y está muy elaborado. Una de nuestras señas de identidad es tener grandes luces en los ascensores, como la luz del día. Sí, fue difícil, pero ¿sabes qué? Lo que la gente no entiende del todo es que el proceso comenzó de manera muy orgánica. Comenzó lentamente, y el pequeño grupo se convirtió en un grupo más grande. Luego, lenta pero seguramente, armamos un equipo a lo largo de los años, y de repente estás trabajando con un equipo. Para mí, esta es la forma en que sé hacer fotos.

¿Echas de menos las tomas más pequeñas e íntimas de los viejos tiempos?

La Catedral de los Pinos en estándares relativos, es mucho más pequeña que cualquier cosa que hayamos hecho, como con Beneath the Roses. Teníamos un grupo muy pequeño, porque quería que las fotos se sintieran íntimas.

Sin embargo, al estar tan familiarizado con grandes equipos, ¿nunca pensó en dirigir largometrajes?

Bueno, en realidad siempre ha sido una pregunta constante. Estamos en discusiones en este momento en términos de la posibilidad de hacer una película, una película de Hollywood. Podría suceder. Puede que no suceda. Así que tendría que ser absolutamente la circunstancia correcta para que sucediera.

Pero una vez dijiste que no podías dirigir, no es lo que haces.

pienso como un fotógrafo. Creo que en términos de imágenes fijas. Así que si hago una película, no se vería como ninguna otra. Tendría una sensación más urgente que otras películas porque sería desde el punto de vista de un fotógrafo fijo.

¿Así que estás mirando scripts?

Recibimos scripts todo el tiempo. Juliane y yo hemos estado trabajando en un guión. Ella es la escritora, y tomo notas.

¿Ha buscado mucho la fotografía editorial o publicitaria?

No. Realmente no me interesa. He hecho algunas cosas, raras excepciones. Pero siento que soy un artista principal, y si usas tu sensibilidad para vender algo, entonces ya no es tuyo en realidad.

Es una tarea. Algunas personas no saben la diferencia.

Sí.

Rodas principalmente en Massachusetts. ¿Alguna vez has pensado en hacer algo urbano, en algún lugar muy diferente como en Nueva York o China?

No, creo que ciertos artistas tienen ciertas áreas, o un lugar al que responden, que les gusta trabajar y ese es mi caso.

¿Quiénes son algunos de tus fotógrafos favoritos, pasados o presentes? Creo que Diane Arbus está ahí?

Arbus, seguro, Eggleston, Walker Evans. Mi hijo se llama Walker en honor a Walker Evans. Cindy Sherman, por supuesto. Esos son algunos de mis favoritos.

Solías disparar 8 x 10 durante muchos años, y ahora estás disparando digitalmente. ¿Cuál es tu sistema ahora, y echas de menos 8 x 10, o te sientes liberado?

Sí. Solía tener esta expresión, porque he trabajado con 8×10 durante tanto tiempo en mi vida, que vives y mueres por el 8×10. Es una cámara tan limitada, pero también tiene una claridad y una descripción hermosas. Sin embargo, es una bestia, es engorroso y tiene un enfoque limitado. Honestamente puedo decir que cuando terminé con Debajo de las Rosas, terminé con el 8 x 10. No lo extraño de ninguna manera, y no puedo imaginar volver a él. Pero eso no significa que me arrepienta de usarlo. Me encantó. Ahora disparo con una cámara de fase Uno, pero está configurada como una cámara de visión.

¿Cómo es la calidad de tus impresiones?

Es aún mejor. Solo en términos de facilidad, y poder ver lo que estás filmando. Uno de los grandes inconvenientes de disparar 8 x 10 es que no puedes ver lo que estás mirando. Una de las grandes paradojas de hacer esta enorme producción es que estás ciego en cuanto a lo que está pasando con las imágenes.

Con el papel Epson que usa, ¿hay un tipo que prefiera, brillo o mate, y generalmente tiene bordes blancos?

Epson patrocinó mi última serie y me dio una impresora nueva con papel. El papel que uso es papel que no estaba en el mercado, pero creo que lo está ahora. No es mi campo de especialización, así que tendré que preguntarle a mi impresor cuál es el nombre del papel. Me gusta el brillo. Para la Catedral de los Pinos, pensamos que sería bueno tener un borde blanco.

¿Firmas tus huellas en el frente, o en la parte de atrás, o no firmas en absoluto?

La imagen está montada y enmarcada, y luego la firma está en una pegatina que forma parte del marco.

¿Y haces ediciones de cinco?

Tres.

¿Y tienes un framer?

Sí. Mark Elliot, que está en Boston.

Y Gagosian es su galería principal?

Gagosian es mi galería principal. Trabajo directamente con ellos. Me encanta. Es una galería muy grande y hemos tenido una muy buena relación de trabajo hasta ahora. Luego, a medida que la muestra se abre a diferentes países, trabajaremos con otras galerías también.

¿Tiene algo que decirle al artista sobre el mundo de la galería?

Creo que lo más importante es entender que no importa qué o dónde obtengas, tendrás que luchar continuamente, nada será fácil. Y siempre tendrás que avanzar y hacer espacio para ti en el mundo.

¿Hay algún proyecto artístico loco o salvaje que no hayas hecho y que quieras hacer?

No, siento que soy muy afortunado de poder lograr exactamente lo que quiero lograr. Con la Catedral de los Pinos, siento que por primera vez no podría haber hecho las fotos mejor de lo que lo hice. Fue muy satisfactorio.

¿En el pasado sentías que podrías haberlo hecho mejor?

Sí, es natural,pero para este espectáculo, en parte porque estuve ausente del mundo del arte durante cinco años, ha tenido una reacción abrumadoramente genial. Y siento que estoy completamente satisfecho en un nivel profundo. Especialmente desde que me aislé durante años.

¿Te gusta enseñar en Yale en New Haven?

He estado enseñando durante mucho tiempo, y para mí, es muy valioso enseñar. Y siempre es importante sentirse conectado con la próxima generación de artistas que están surgiendo. Aprendes tanto como enseñas. Lo abordo como artista, y menos como académico.

¿Así que ha ayudado a tu arte?

Sí, seguro.

¿Piensas en tu trabajo perdurable o en ser recordado después de que te hayas ido?

Bueno, absolutamente. Quiero decir que ese es tu legado, eso es lo que te queda, y especialmente en esta era de Instagram, fotos en teléfonos celulares y redes sociales; es un verdadero desafío pensar que la fotografía sigue significando algo importante.

Sobre el autor: Ken Weingart es un fotógrafo con sede en Los Ángeles y Nueva York. Comenzó como asistente para una serie de fotógrafos de renombre, desde entonces se ha convertido en un fotógrafo galardonado con un trabajo que ha sido ampliamente publicado en todo el mundo. Puedes ver su trabajo en su sitio web y leer sus escritos en su blog. Esta entrevista también se publicó aquí.